Top 10 Films selon Archeo

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Mon affection pour Totoro est toute particulière, et explique seule ce choix de l’œuvre comme représentante de la splendide filmographie du maître Hayao Miyazaki. Cette dernière est riche de nombreux chefs-d’œuvre, dont certains me paraissent supérieurs à Totoro lorsque les critères de comparaison se veulent objectivables ; il apparaît cependant assez vain de vouloir classer ainsi ces films, dont la richesse tient aussi à ce qu'ils se distinguent assez fortement les uns des autres, malgré les constantes qui les unissent. Par conséquent, mon dévolu se porte sur ce film à la fois simple et beau, offert à tous les publics comme un moment de joie et d'espoir, en compagnie du plus merveilleux des voisins, Totoro.

Edit : à le revoir sur grand écran, ce film est vraiment sublime, merveilleux, ineffable - enchaînez les adjectifs et arguments d'autorité ici, je retourne à ma béatitude...

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Il est tout sauf original de déclarer son amour pour 2001 : L'Odyssée de l'espace, et plus difficile encore de parler du film sans tomber dans quelque topos. Il n'en demeure pas moins qu'il est pour moi l'un des plus grands chefs-d’œuvre de l'histoire du cinéma, tant pour ses effets spéciaux d'une perfection atemporelle que pour son caractère sensoriel unique, fondé sur une mise hors du temps du spectateur, initiée par les écrans noirs de début et de milieu de film et continuée par un montage savamment rythmé, qui fait de la dernière partie du film la continuation naturelle sinon logique de tout ce qui la précède.

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Film fleuve post-soixante-huitard aujourd'hui peu diffusé pour des problèmes de droits, La Maman et la Putain est le film que j'emmènerais sur un île déserte. Tout d'abord parce qu'il est long et dense, tenant presque du texte littéraire lu sans artifices, et que par conséquent il faudrait longtemps avant d'avoir le sentiment d'en avoir fait le tour et de le connaître par cœur. Ensuite, parce que les voix des comédiens et la profondeur du texte seraient telle une présence humaine, compensant la solitude sur l'île susmentionnée. Enfin, parce que ces personnages, justement, par le regard qu'ils portent sur l'humanité, permettent de relativiser le malheur de la solitude.

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Faite de musique, de silence et de personnages en marge de tout, la filmographie de Jim Jarmusch regorge d’œuvres que je ne peux que qualifier de grandioses, dont Only Lovers Left Alive est un digne représentant. D'une beauté sombre et sirupeuse qui se savoure tel un vin à la saveur d'autant plus agréable qu'on la sait empoisonnée, ce film est la plus belle histoire d'amour, de solitude et de mélancolie qui soit, teintée d'un désespoir à la radicalité incertaine, interrogateur mais pas définitif, qui en appelle, finalement, à l'espoir régénéré par ce qu'il reste d'amoureux au monde.

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Avec La Grande Bellezza, Paolo Sorrentino nous invite à une visite de la vie mondaine de Rome accompagné d'un vieux lion qui se sent à l'étroit dans ce qui se révèle être une cage peuplée par l'insignifiance d'une foule présentée ici avec plus de pitié que de haine. S'il plaisante le projet de Flaubert de produire une œuvre sur rien, le film est en réalité travaillé par les petites choses qui créent la complexité d'une vie humaine obsédée par la quête d'une beauté intangible qui donnerait un sens au voyage. Ce dernier est ici mené à grand renfort de plans en mouvement combinés, qui savamment ordonnés au montage et orchestrés au son des musiques les plus diverses consacrent l'esthétique d'un film à la fois simple et profond.

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Ici figurait Mulholland Drive, que j'ai aimé dès le premier visionnage et que j'aime toujours autant sinon plus depuis, l'ayant revu un certain nombre de fois. Aussi fou que possiblement cohérent, rythmé de façon à laisser le spectateur assembler les éléments du puzzle et en proposer une vision qui ne puisse pourtant voir le film s'y réduire, Mulholland Drive demeure pour moi l'un des plus grands films de Lynch.
Mais, il y a Lost Highway, qui m'a été plus hermétique et m'est à ce jour plus orgasmique encore.
La profondeur de l'image et des corps, les lumières et couleurs parfaitement maîtrisées, les symboles communs, presque évidents, et malgré tout exploités avec brio, combinés habilement et avec originalité, tout ceci concourt à me faire aimer de film tantôt angoissant, tantôt érotique, tantôt obscur, tantôt limpide, tantôt grave et tantôt drôle, qui demeure avant tout incessamment fascinant d'étrangeté.

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Si Kubrick figure deux fois dans ce classement, c'est qu'il a réalisé des films si différents et si parfaits qu'il m'est difficile d'y opérer un choix, et qu'en dédoublant celui-ci je n'ai pas le sentiment d'orchestrer une véritable redite. Orange Mécanique est un film envoûtant, qui ouvre sur une diégèse fascinante présentée en quelques séquences à l'esthétique novatrice, qui sont autant de trips hallucinés avant même de rentrer dans le nœud dramatique. La force du film est d'ailleurs de réussir à passer de cette phase initiale d'entrée dans l'univers au développement de l'histoire d'Alex, sujet de réflexion immense, au son d'une langue réformée et d'une musique tout simplement magistrale, pour arriver jusqu'au somptueux final.

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Fortement inspiré du Ghost in the Shell de Mamoru Oshii, qui pourrait d'ailleurs figuré à sa place dans ce classement, The Matrix (seul du nom) est un film qui allie divertissement rythmé par l'action et métaphysique remodelée sémantiquement à l'heure du numérique. Le charme du film vient, pour moi, de ce qu'il est extrêmement posé du point de vue de son rythme, avançant tranquillement dans le développement d'une diégèse à la symbolique certes facile mais néanmoins suffisamment bien déployée pour ne pas en devenir grotesque. C'est dans ce cadre que viennent s'inscrire des séquences d'action extrêmement bien filmées, à l'esthétique technique alors novatrice. C'est d'ailleurs parce que les choses fonctionnent dans ce sens que je renie les deux pastiches lui ayant succédé, qui s'ils présentent une batterie de personnages et de scènes d'action somme toute séduisante, ne retrouvent jamais la profondeur de ce volet que la logique rendait auto-suffisant, et, surtout, cohérent.

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Tragédie rendue comique par un humour souvent grinçant, God Bless America est en quelque sorte mon péché mignon, un film qui me fait encore rire après plus de quinze visionnages, et c'est à ce titre qu'il figure dans cette liste. Pouvant se résumer comme la croisade d'un type blasé et d'une adolescente déjantée contre tous ceux dont ils estiment qu'ils sont la source des maux de la société américaine, ce film brille surtout par son écriture. La mise en scène y est efficace, mais reste clairement au service de quelques moments de bravoure, de quelques gags purement visuels à de longues tirades qui sont autant de diatribes contre les défauts états-uniens, dont il est bon de noter qu'ils ne sont pas exclusifs à ce pays. Terriblement drôle et rythmé par un très joli choix de morceaux en bande-son, God Bless America est définitivement un film à voir et à partager.

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La mise en scène millimétrée de David Fincher, sa direction d'acteurs pointilleuse et, surtout, le travail intense sur le texte proposé par le scénario de Aaron Sorkin, s'allient pour faire de The Social Network un film parfaitement rythmé. La trame narrative est efficace, les dialogues fusent à toute vitesse et sont d'une précision redoutable, dont l'intensité redouble avec la bande-son signée Trent Reznor et Atticus Ross. Comme souvent avec Fincher, le film est l'occasion de peindre un portrait social et humain plus large à l'arrière-plan d'une histoire terriblement bien racontée, qui à elle seule justifie de voir et revoir ce film, qui parle bien plus de rapports humains et d'industrie que du seul réseau social dont il est question.