Les meilleurs documentaires selon Analyzer Robot

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La trilogie des Qatsi (voici le 1er) dépeint différents aspects de la relation entre les humains, la nature et la technologie.

Le film n'est pas une œuvre narrative mais documentaire (expérimental et écologique). Il propose des images où l’on joue sur les échelles d’espace et de temps pour montrer au spectateur le monde où il vit sous un angle différent, et l’inviter lui-même à conclure dans le sens qu’il jugera bon. On peut considérer ce film par moments comme une description enthousiaste de la technologie, parfois au contraire comme une vive critique de celle-ci. Le réalisateur admet avoir voulu montrer ce qu’il nomme « la beauté de la bête".

Le film se compose principalement de séquences au ralenti et en accéléré de villes et de nombreux paysages naturels à travers les États-Unis. Le poème sonore et visuel ne contient ni dialogue ni narration vocalisée : son ton est donné par la juxtaposition d'images et de musique. Reggio a expliqué le manque de dialogue en déclarant "ce n'est pas par manque d'amour de la langue que ces films n'ont pas de mots. C'est parce que, de mon point de vue, notre langue est dans un état de grande humiliation. Elle ne décrit plus le monde dans lequel nous vivons."

Dans la langue Hopi, le mot koyaanisqatsi signifie "vie déséquilibrée".

Ce film constitue un des premiers usages de l'intervallomètre (Timelapse) dans un long métrage.

Koyaanisqatsi est un véritable délir visuel et sonore complètement déjanté (typique de l'expérimental qui expérimente avec plus ou moins d'expérience).

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Ron Fricke a été chef opérateur et scénariste sur Koyaanisqatsi. Il décide de faire la même chose pour ses captations de la vie. C''est le tour du monde en 80 jours (ici en 1h36). Tandis que Koyaanisqatsi reste au États-Unis (leur pays d'origine).

Baraka n'a pas ce portrait expérimental de Koyaanisqatsi. Il est beaucoup plus un diaporama mondiale. Toutefois on est toujours dans l'art du time-lapse (effet d'accélération réalisé en image par image) et de l'image en très grand format.
Cependant il alterne plus entre personnes et paysages, avec musiques extradiégétique et sons en direct.

Le film alterne des séquences montrant des paysages naturels et des rites religieux ou spirituels humains, filmés sur les cinq continents.

Baraka signifie bénédiction. C'est un film humaniste toujours sans aucun dialogue entre les aspects positifs et négatifs de la vie. C'est la relation humaine à l'éternel.

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La suite spirituelle (le mot est juste) de Baraka.

Samsara est un mot sanskrit qui signifie « ensemble de ce qui circule » et « courant des renaissances successives ». Dans l’hindouisme, samsara représente la ronde des naissances, des morts et des réincarnations. Cette « roue de la vie » est le point de départ du film, qui emmène le spectateur à la découverte de lieux sacrés, de zones sinistrées, de complexes industriels et de paysages spectaculaires.

En se passant d’explications et de descriptions en voix-off, Samsara s’affranchit des codes traditionnels du documentaire. Le spectateur construit sa propre interprétation à partir des images et de la bande-son, qui opère une fusion entre musique ancestrale et musique contemporaine.

L’ambition des réalisateurs se rapproche de l’héritage et des exigences de la photographie. Le but consiste moins à exposer une présence physique qu’à révéler l’essence d’un sujet. Au travers d’images et d’un montage faisant appel à l’intuition, le film révèle les liens entre l’homme et la nature, en montrant de quelle manière le cycle de vie humain reflète celui de la planète.

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Home est un documentaire sur l'état de la Terre vue du ciel, qui montre la pression que l'homme fait subir à l'environnement et les conséquences que cela entraîne sur le changement climatique. Yann Arthus-Bertrand ne le présente pas comme un film catastrophe mais comme un message d'espoir, en rappelant qu'il reste 10 ans pour agir.

Les thèmes abordés sont tous en relations avec l'environnement : le manque d'eau, la déforestation, la fonte des glaces ou encore l'épuisement des ressources naturelles.

Il développe le lien qui unit l'homme à la Terre. Conçu comme un carnet de voyages, il est constitué uniquement d'images aériennes et d'une voix off.

C'est typiquement le genre de documentaire qu'on pourrait montrer à l'école.

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C'est un documentaire sur la vie et le travail du photographe brésilien Sebastião Salgado, réalisé par Wim Wenders. Ce dernier accompagne Salgado dans le projet « Genesis », un monument artistique sous forme d'hommage aux civilisations inconnues.

Le Sel de la Terre retrace les mutations de l'humanité, prenant les chemins les moins fréquentés, il exalte la beauté de la planète. Depuis plus de quarante ans, Salgado a parcouru le monde muni de son appareil photo, capturant en noir et blanc la famine, l'exode, les guerres qui le constituent. Ainsi, il transmet au monde, à travers ses photographies, le goût de la paix et des paradis perdus.

Le lien entre photographie et cinéma se ressent forcément esthétiquement.

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L'Île aux fleurs a été tourné dans l'État de Rio Grande do Sul, au Sud du Brésil, un État qui s'est développé grâce à l'élevage et à l'agriculture. Le Brésil à ce moment-là tire profit de l'industrie agroalimentaire. Le film est clairement circonscrit dans un espace précis, soit le Brésil à la fin du xxe siècle, à l'époque le pays le plus inégalitaire au monde.

Le film décrit le chemin que parcourt une tomate plantée par un homme, Monsieur Suzuki. Celle-ci est acheminée dans une épicerie où Dona Anete se rend. Elle achète un sac de tomates. En préparant le repas — du porc à la sauce tomate —, elle jette une de ces tomates qu'elle ne considère pas comme étant assez appétissante pour la sauce. Dona Anete est représentante de commerce d'une société qui vend des parfums. Cette tomate finit son chemin à la décharge ouverte de l'Île aux fleurs, décharge située dans la ville de Porto Alegre au Brésil. Dans cette décharge, les déchets sont séparés en deux. Les déchets qui sont jugés acceptables pour les porcs sont triés en premier et donnés aux bêtes. Le reste des déchets organiques est mis à la disposition des femmes et enfants pauvres de l'Île aux Fleurs pour qu'ils puissent se nourrir. Une courte séquence fait allusion à l'Accident nucléaire de Goiânia (à 10' 38").

Le film donne à voir les inégalités socio-économiques entre les riches et les pauvres. Il a aussi une dimension raciale : la famille blanche a une vie relativement aisée, au point de pouvoir se permettre de jeter des aliments. L'emploi de la mère de famille est de vendre des parfums à domicile, emploi plutôt facile si on le compare à celui des cultivateurs de tomates. Les femmes et les enfants pauvres sont tous brésiliens.

Le film critique l'organisation de nos sociétés, sur le fait que bien que nous soyons tous humains, certains d'entre nous ne semblent pas avoir les mêmes droits que d'autres. Cette critique est implicite dans le film. Par exemple, le film identifie les Juifs comme étant « aussi » des êtres humains, tout en montrant des images liées à la Shoah.

« Les images sont hétérogènes, mêlant des scènes de documentaires, des portraits (individuels ou de groupe), des séquences d'archives, des schémas, des collages où l'image tressaute comme un flipper électrique. L'Île aux fleurs, c'est le chaos d'un monde filmé et classé par une sorte de Facteur Cheval du documentaire qui, entre Swift et Luc Moullet, brasserait un bric-à-brac de données platement objectives sur fond d'ironie et de lucidité

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Commenté par Mélanie Laurent (pour chaque présentations de thématiques) et les interviews sont de Cyril Dion où l'équipe voyage à travers le monde à travers les questions sur l'économie, l'écologie (énergies et agriculture), la politique et l'éducation avec un point de vue plutôt optimiste que catastrophique (propre aux soucis écologiques extrêmement anxiogènes face aux pires).

On retrouve aussi Vandana Shiva
(philosophe, conférencière, écrivaine et militante féministe indienne) qui avait déjà été filmé dans "Le monde selon Monsonto" et "Solutions locales pour un désordre global".

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Marie-Monique Robin fait ses recherches sur Google (comme quoi tout laisse des traces sur Internet), sur la compagnie multinationale Monsonto. Ensuite plus qu'à partir à travers le monde pour en voir les conséquences.

Il est fort possible que ce documentaire est servi comme source d'inspiration pour le film Goliath.

Assez étrangement le nom Monsonto disparaît 10 ans plus tard.

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Le film s’inspire de l’essai Fast Food Nation d’Eric Schlosser (que l'on voit et qui raconte en voix-off).

L'industrie agroalimentaire dans toute ses dérives. Maltraitance animale et travailleurs sans papiers, multinationale au monopole face aux fermiers impuissants, témoignages d'intoxication alimentaire, augmentations de maladies tel le diabète, lobbys qui exercent une pression sur l'inaction politique, publicité mensongère, destruction environnementale.

Sortie la même année que "Le monde selon Monsonto", lui aussi aborde les effets néfastes de l'entreprise (mais uniquement sur le sol américain).

Annotation :

Kip Andersen montre l'impact de l'agriculture animale sur l'environnement, et interroge les positions des associations environnementales sur cette question.

Jeu de mot évident avec Conspiracy.