Les meilleurs films coréens selon abscondita

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"Nous devons apprendre et comprendre la réalité de la guerre coréenne, qui fut la plus grande cicatrice marquant l'histoire du pays. Il est très périlleux d'oublier cette guerre parce qu'elle peut revenir très facilement et détruire tout sur son passage en un instant. Je tourne ce film avec l'espoir que le 25 juin restera en effet la dernière guerre en Corée.
Quand j'écrivais le script, je me rappelle que je ne pouvais pas m'empêcher de pleurer à chaque fois que je voyais des images du 25 juin (début de la guerre en Corée), photos que j'aurais simplement ignorées à un tout autre moment. Ma plus grande priorité, à chaque fois que la caméra tournait, était d'essayer de capter le sentiment de douleur que j'avais ressenti, et le retranscrire à l'écran." ( Kang Je-Gyu)

Le titre original de Frères de sang, Tae Guk Gi, est en fait le nom du drapeau national de la Corée du Sud. Créé en 1876, il fut banni durant la colonisation de la Corée par les forces japonaises (1910-1945). Sa forme fut finalisée et généralisée en 1948 lorsque que le premier gouvernement coréen fut établi. Les éléments du drapeau symbolisent l'univers et la nature. La couleur rouge représente le mâle, le bleu la femelle, et les barres noires, la Terre. Un titre, en forme d'hommage à son pays, voulu par le réalisateur.

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L'histoire de Memories of murder est inspirée de faits réels, qui se sont déroulés entre 1986 et 1991. Le premier Serial Killer de toute l'histoire de la Corée viola et assassinat dix femmes, dans un rayon de deux kilomètres. La plus âgée des victimes avait 71 ans. La plus jeune était une écolière de 13 ans. Le meurtrier n'a jamais laissé d'indices derrière lui. Plus de 3000 suspects furent interrogés et au final, plus de 300 000 policiers ont été mobilisés pour l'enquête. Personne ne fut jamais inculpé pour ces crimes.

A la fin des années 80, la vie des Coréens était rythmée par les tensions politico-militaires que la Corée du Sud avait avec son ennemi du Nord, tous deux séparés depuis 1953. Les deux pays vivent depuis dans la crainte mutuelle d'une intervention militaire. Dans les années 1980, "les sirènes annonçaient fréquemment des entraînements en cas de raids aériens et la population vivait souvent dans l'obscurité qu'exigeait le black-out. Même dans les écoles, on pratiquait régulièrement des exercices d'évacuation en cas d'attaques chimiques." A la campagne, plutôt que de se rendre à l'hôpital, les gens avaient pour habitude de faire appel pour les visites à domicile à des médecins non diplômés, "qui pratiquaient des injections en tout illégalité".

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Le scénario s'inspire d'un fait réel sur l'abus sexuel de masse des étudiants sourds de l'école de Gwangju Inhwa à Gwangju dans les années 2000.

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Snowpiercer, Le Transperceneige est adapté de la bande-dessinée "Le Transperceneige" de Jean-Marc Rochette, Benjamin Legrand et Jacques Lob.

Etant donné que Snowpiercer, Le Transperceneige critique les Etats-Unis, il est étonnant de retrouver Chris Evans au casting du film puisqu'il est connu pour incarner au cinéma le super-héros patriotique par excellence : Captain America. Le réalisateur Bong Joon Ho émettait quelques réserves à son sujet : "À vrai dire j'avais quelques préjugés sur Chris Evans avant de le rencontrer parce que c'est la caricature de l'Américain tout en muscles. Je le voyais bien en capitaine d'une équipe de football dans un lycée. (...) Je me suis aperçu que c'était un garçon intelligent, limite intello, et très sensible."

La production de Snowpiercer, Le Transperceneige étant internationale, plusieurs modes de travail différents se sont rencontrés. C'est alors que l'équipe coréenne du film s'est retrouvée face aux contraintes légales et strictes sur les heures de travail - pas plus de 12 heures sur une journée de 24h par personne - alors qu'ils sont habitués à faire de très nombreuses heures supplémentaires lorsqu'ils tournent dans leur pays.

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"Ce sont toujours des moments de cinéma qui me donnent l'idée du film que je veux réaliser. Dans les westerns, c'est le vent du Nord qui souffle dans le désert, l'homme au fusil qui marche seul, la détonation soudaine d'une arme... Ces clichés récurrents me séduisent à chaque fois. " (Kim Jee-Woon)

Pour transposer ce genre en Asie, il a décidé de situer l'action du film en Mandchourie : "Après "A bittersweet life", j'ai voyagé et découvert les étendues et le ciel infini de la Mandchourie. Lors de l'occupation japonaise dans les années trente, la Mandchourie était sûrement un espace à exploiter, pour ceux qui n'avaient d'autre choix que de quitter leur pays d'origine. Ce film raconte l'histoire de trois hommes qui portent dans leur coeur leur pays natal, mais dont l'instinct les pousse à aller jusqu'au bout du désert."

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"J'ai souhaité faire un film qui creuse au plus profond de ce qui est brûlant et puissant, comme au coeur d'une boule de feu. Dans ce sens, Mother est un défi sur le plan cinématographique pour moi, car mes films précedents étaient tous des histoires qui tendaient à l'extension: si une affaire de meurtre me conduisait à parler des années 80 et de la Corée, et que l'apparition d'une monstre (The Host), me poussait à parler d'une famille, de la société coréenne et des Etats-Unis, Mother est, au contraire, un film où toutes les forces convergent vers le coeur des choses. Traiter de la figure de la mère, c'est du déjà-vu mais je vois ce film comme une nouvelle approche et j'espère qu'il sera également perçu ainsi par les spectateurs, comme quelque chose de familier mais d'étranger." (Bong Joon-Ho)

L'actrice Kim Hye-Ja a 70 ans dont 47 de carrière d'actrice. Pour les Coréens, elle n'est pas une personne mais La Mère, une sorte d'icône. Elle a toujours interprété la figure de la mère qui aime à l'infini et qui se sacrifie pour ses enfants mais le réalisateur a vu en elle une autre facette. Une énergie hystérique et une sensibilité que personne n'avait vues auparavant en elle. L'histoire du film a été construite pour faire surgir la force et le caractère destructeur de l'actrice. Le contraste ou déséquilibre entre la silhouette frêle de l'actrice et cette violence qu'elle porte en elle, est le symbole qui est au cœur du motif cinématographique de Mother.

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Le film est tiré d'une histoire vraie. Durant le soulèvement de Gwangju de 1980, le journaliste allemand Jürgen Hinzpeter, intéressé par l'événement, décide de se rendre sur place pour filmer les combats urbains. Il utilise pour cela un taxi et la complicité du chauffeur Kim Sa-bok. Son nom est connu grâce au journaliste allemand qui l’a remercié lors d’une cérémonie en 2003. La production du film a essayé de retrouver la trace de Kim Sa-bok, mais sans succès.

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Une histoire fictive sous le règne du roi Gwanghaegun, 15e souverain de Joseon de 1608 à 1623.

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La JSA ou Joint Security Area ("zone de sécurité commune") est la zone sous contrôle de l'ONU située à la frontière commune entre la Corée du Nord et la Corée du Sud, dans la zone démilitarisée (DMZ). Elle fut créée lors de la signature le 27 juillet 1953 de l'armistice de Panmunjeom mettant officiellement fin à la guerre de Corée.

En 2000, date à laquelle le film est sorti, la Corée du Nord, dernière dictature stalinienne au monde, est dirigée par Kim Jong-II qui succède à son père décédé en 1994. Il lui faudra toutefois attendre une période de deuil de trois ans pour jouir des pleins pouvoirs. Il arrive aux commandes d’un pays en proie à une famine endémique qui, selon des ONG autorisées à venir sur place, aurait tué 3,5 millions de personnes entre 1995 et 1998 et poussé des milliers de personnes à fuir le pays. C’est également le début d’une crise nucléaire de plus en plus tendue avec l’Occident.

JSA est le troisième long métrage de Park Chan-Wook. Ce film lance véritablement sa carrière (ses deux précédents longs ont été des échecs commerciaux) et lui permet de connaître une renommée internationale. Il s'agit de l'un des plus gros budgets du cinéma coréen ainsi que l'un des plus gros succès de l'année au box-office national (six millions d'entrées).

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Joon-ho Bong, le réalisateur, fait des berges de la rivière Han le lieu où l'intrigue de The Host prend vie. Endroit très fréquenté par les habitants de Séoul, il est synonyme de sécurité pour la population qui le côtoie. Le cinéaste choisit ainsi de faire de cette rivière familière et populaire un lieu étrange et dramatique après l'apparition du monstre : "Comme c'était le cas dans barking dogs never bite et Memories of Murder, c'est le conflit entre la quotidienneté et l'imaginaire, entre la réalité coréenne et les caractéristiques du cinéma de genre, que j'ai voulu mettre en scène".

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L'intrigue se déroule en 1950, durant la guerre de Corée

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L'histoire se déroule en 1925 alors que la Corée est sous domination japonaise.

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Afin de mieux s'imprégner de son personnage, un coréen parlant chinois, Yun-seok Kim a vécu pendant trois mois aux côtés d'authentiques sino-coréens dans le but d'acquérir leur accent. Sur le tournage, l'acteur a néanmoins dû amoindrir la portée de l'accent obtenu car ce dernier était trop difficile à comprendre. Kim s'est également initié au jeu typiquement chinois du Mah-jong, qui se présente sous forme de dominos. Le Mah-jong s'avère être, à l'instar des jeux de cartes, un complexe mélange de raisonnement, de logique, de calculs mais aussi de hasard.

The Murderer a été tourné en extérieurs naturels, notamment dans les bas-fonds de la ville de Yanji en Corée du Sud. La production a recruté des riverains pour tenir lieu de figurants dans le film.

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Tels sont les mots employés par Bong Joon Ho pour décrire Parasite. Il explique également qu'il s'agit d'"Une comédie sans clowns, une tragédie sans méchants" avec laquelle il a cherché à observer comment différentes classes sociales pouvaient cohabiter dans un monde où les rapports de classe sont de plus en plus violents : "Au milieu d’un tel monde, qui pourrait pointer du doigt une famille qui lutte pour sa survie en les affublant du nom de parasites ? Ils n’étaient pas des parasites au départ. Ils sont nos voisins, nos amis et collègues, qui ont été poussés vers le précipice".

Bong Joon Ho a voulu décrire les inégalités qui se creusent de plus en plus non seulement dans la société coréenne mais aussi dans le monde entier où le capitalisme règne sans partage. Seul l'emploi permet à différentes classes sociales de se rencontrer, "lorsque l’une est engagée en tant que domestique au service de l’autre" explique le réalisateur. Il poursuit : "Dans la société capitaliste d’aujourd’hui, il existe des rangs et des castes qui sont invisibles à l’oeil nu. Nous les tenons éloignés de notre regard en considérant les hiérarchies de classes comme des vestiges du passé, alors qu’il y a encore aujourd’hui des frontières infranchissables entre les classes sociales. Je pense que ce film décrit ce qui arrive lorsque deux classes se frôlent dans cette société de plus en plus polarisée".

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C’est le cinéaste sud-coréen Bong Joon-Ho qui a imaginé en premier Okja, sorte de cochon géant dont s’occupe la jeune Mia pendant 10 ans. Il raconte : "J’étais à Seoul lorsque j’ai vu un étrange animal dans la rue. Il était énorme mais il semblait timide et introverti. Il avait une tête adorable. C’est à ce moment que j’ai eu l’idée d’en faire un film, c’était le début d’Okja. Ce n’est que quand je préparais le film Snowpiercer que j’ai eu l’idée d’un scénario. J’ai commencé à dessiner une petite fille et un animal étrange".

Le nom Okja est une invention du réalisateur qui a puisé son inspiration dans sa culture : c’est une combinaison entre un nom très ancien issu du Kanji japonais et un surnom commun utilisé durant la période coloniale coréenne.

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"Mon intention est de montrer les joies, les colères, les tristesses et les plaisirs de nos vies à travers les saisons et au travers de la vie d'un moine qui vit dans un temple posé sur l'étang de Jusan situé en pleine nature. Cinq histoires du moine enfant, du moine garçon, du moine adulte, du moine vieillissant et du moine vieux coexistent avec des images de chaque saison. Les changements de qualité chez les êtres humains, les sens de la maturité dans nos vies qui se forment, comment elles se développent, la cruauté de l'innocence, l'obsession des désirs, la douleur des desseins meurtiers et l'émancipation dans les combats."

Kim Ki-duk, qui, entre autres thèmes, expose dans ce film les ravages de la jalousie, évoque les rapports homme/femme dans la société coréenne : "Les personnages masculins de mes films sont très égoïstes. Je crois qu'en général les Coréens sont comme cela. Moi aussi, j'ai une tendance à être égoïste par rapport aux femmes. Je pense que c'est une caractéristique qui s'est développée au travers de l'Histoire coréenne, de générations en générations. J'ai envie que cela change, mais en même temps je veux montrer que c'est la réalité de la société coréenne (...) Je pense que les hommes coréens sont comme des bébés et qu'ils recherchent une mère dans la femme coréenne. Les hommes coréens font semblant d'être forts, mais en fait ils sont faibles au coeur, ils ont besoin de cette mère. Si un jour les femmes coréennes partent toutes, les hommes coréens vont se suicider."

Comme dans les autres films du cinéaste, Printemps, été, automne, hiver... et printemps mêle des scènes réalistes à des séquences qui relèvent de l'irrationnel. Il s'en explique : "Je n'ai pas été influencé par le mouvement surréaliste. Je pense que la réalité est remplie de choses noires et en insérant ces scènes je veux montrer notre conscience, notre imagination en action qui se cache à l'intérieur de cette réalité."

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"J'apprécie les mangas japonais, mais je ne suis pas forcément un grand fan. C'est Joon-ho Bong, le réalisateur de Memories of murder, qui m'a conseillé de lire Old boy. Je l'ai lu sans penser à en faire un film. Alors, quand le producteur est venu me voir avec ce manga, j'ai dû le relire sous un autre angle. Concernant la différence entre les deux (...) le mobile de vengeance est totalement différent. En conséquence, les moyens de vengeance sont différents (...) les points communs sont la prison privée, l'histoire d'un homme qui renaît à travers une expérience d'enfermement, et le fait que le méchant ne se cache pas vraiment de son ennemi." (Park Chan-wook)

Quelques scènes d'Old boy sont particulièrement violentes, notamment celle où un personnage se fait couper la langue. Le réalisateur explique pourtant que "la caméra cadre les yeux (...) et ensuite les mains. C'est-à-dire qu'on ne voit jamais sa langue. Mais certains spectateurs paniquent avant de la voir, et se cachent derrière leurs mains, et ils croient qu'ils ont vu la langue en train d'être coupée ! C'est vraiment dingue." Il ajoute, à propos de la violence dans le cinéma coréen : "(...) en Corée, où la possession d'arme à feu est totalement interdite, il est quasiment impensable d'imaginer un meurtre commis avec un pistolet. A mon avis, c'est pour ça que les personnages dans les films coréens sont toujours face-à-face et utilisent des couteaux ou leurs poings quand ils se battent. Je ne sais pas si je peux utiliser cette expression, mais ce genre de violence ma paraît plus "humaine". Mais ça peut paraître plus violent aux yeux des occidentaux car elle est plus "directe".

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Si Dernier train pour Busan a des apparences de film d'horreur bourrin avec des zombies, la vérité est bien plus complexe. En effet, à l'instar de George A. Romero, le cinéaste coréen Sang-Ho Yeon ne s'est pas privé d'injecter un sous-texte anti-capitaliste dans son film, brocardant notamment le monde de la finance et des banques. Ce fond politico-sociale était d'ailleurs déjà présent dans Seoul Station, le film d'animation dont Dernier train pour Busan est la suite : "Par rapport à mes films précédents, la dimension sociale est moins appuyée mais toujours présente. J’ai voulu que le public coréen puisse retrouver au sein du genre fantastique - auquel il n’est pas forcément très habitué - des éléments de la vie quotidienne. J’ai imaginé des personnages dans lesquels les Coréens puissent se reconnaître, même si je pense que Dernier train pour Busan aborde finalement des thèmes et des sentiments universels (Sang-Ho Yeon)