Les meilleurs films de 2022 selon Véreux

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Très troublante histoire d'amour : ce film, qui regorge de délicatesse et de scènes étonnantes, doit beaucoup à l'intelligence d'observation dont fait preuve Mouret, jamais embarrassé à l'idée d'être explicite quant au sentiment amoureux, et pour autant jamais impudique à l'heure de révéler les blessures qu'il provoque.

On ne croit pas à tout (de quoi peuvent bien vivre ces gens qui ne bossent jamais mais résident dans des appartements magnifiques ?), et il faudrait trancher ces cinq dernières secondes (quel dommage que d'avoir choisi cette fin), mais pour le reste, ce volet-ci de la filmographie mourettienne est une petite bénédiction : il allie la grâce au charme, et la douleur à la légèreté.

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Il faut à tout prix que le secret se conserve sur ce film, qui ressemble beaucoup trop à certains autres pour être absolument honnête, mais qui est très réussi. La façon que son récit a de se révéler, scène après scène, itération après itération, fait montre d'un talent de narration tout à fait établi.

Du cinéma qui cherche trop ostensiblement à perturber, à violenter son spectateur, qui plonge parfois dans l'esbroufe, mais qui, à d'autres moments, va très loin : rares sont les images aussi déstabilisantes que celle de cette carabine en plastique pointée vers la tête d'un des protagonistes qui dort. Bravo à ces deux réalisateurs, qui ont bien révisé leurs influences, ont trouvé un concept intéressant, et ont signé un film très valable à partir de trois fois rien.

Du cinéma de salopard (notamment pour sa fin, très lâche), certes, mais comme on peut en regarder de temps en temps sans trop se braquer : pour peu que l'on accepte de se faire écrabouiller ainsi la gueule, le plaisir est intégral.

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Film d'une ambition extrême, affichant son respect profond à Tarkovski mais partant sur de bien différentes plates-bandes, tourné en super 8 mais sans la prétention chichiteuse qui pourrait l'accompagner, lent mais jamais long, et se faisant la proposition cinématographique la plus absolue de l'année : pour cela, c'est un film à saluer bien bas.

Certaines choses sont pourtant un peu poseuses, démonstratives (vis-ma-vie de froid et de dénuement), et on peut y déplorer, hélas, quelques vues en caméra-drone et autres banalités, mais Godland est probablement un des films qui vieillira durablement parmi le trillion de choses très anodines propres à notre époque : Pálmason envisage vraisemblablement de devenir éternel, et son film porte cette franche ambition sans jamais fléchir.

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Petite nature, quelle magnifique surprise que cet instantané venu du levant de la France, et qui se faisait, paradoxalement, la plus belle publicité de la ville de Forbach, et le document qui donnait le moins envie au monde de s'y rendre.

Réalisme social jamais moralisateur, observation des personnages et de leur caractère au plus juste et au plus proche, petite histoire banale au tragique magnifique, immersion dans une famille modeste sans jouer la carte lourdingue de la commisération, autant de qualités de ce petit très beau film, qui donne envie de suivre de près les prochaines choses dont fera montre Samuel Theis. Par son ton sans didactisme, par sa capacité à saisir les minuscules affleurements, par son intelligence émotionnelle, le cinéaste annonce sans jamais le tonner que l'avenir est à lui.

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Bon film de genre, très bien rythmé, plutôt froid, magnifiquement joué par ses enfants-acteurs, et assez captivant : Vogt a compris que le silence pouvait être nettement plus inquiétant que de sempiternelles premières cordes jouées sul ponticello, et que la lenteur prévalait sur la précipitation.

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En voilà un film de styliste.

Pas parfait, parfois très sommaire, encore un peu "bon élève", mais vraiment stimulant. Giallo (Le Parfum de la dame en noir et quelques Argento) / Hitchcock / Le Locataire / It Follows / Kieslowski : une belle petite somme d'influences judicieusement évoquées, jamais récitées.

Réalisatrice à suivre.

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Le monde s'écroule : Guillermo Del Toro a signé un bon film ! Certes, on n'atteint pas le Pérou, mais, grâce à un scénario minutieusement construit, se déploie ici un long-métrage bien produit, pareillement agencé, somme toute rigoureux.

Pourtant, à la suite d'une première partie excessive, il faut présager du pire (le réalisateur y campe, avec son habituel art du tape-à-l'œil, un cirque du bizarre où la caméra tournoie toujours trop), mais cela va en s'améliorant, et plus le film avance, plus il se bonifie, jusqu'à amonceler son petit paletot de scènes mémorables au moment de sa conclusion.

Du bien beau travail : l'objet est d'une qualité tout à fait décente, et offre au genre du film noir un rejeton digne de ses têtes de gondole. La maturité serait-elle venue pour le gros geek du Mexique ?

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Rifkin's Festival s'est fait assassiner, et pourtant, c'est le film le plus personnel de son auteur depuis... depuis quand ? Il est de bon ton de critiquer la fainéantise allénienne (le gusse recycle peu ou prou son autobiographie), la photo moche (Storaro, que t'est-il arrivé ?), le pastiche mou du genou de grands films disséminés aux quatre coins du récit, et l'habituelle complaisance témoignée par Allen à l'écriture : le film décline toujours, à quelques variations près, la même histoire d'un vieux qui s'éprend d'une belle jeune... Mais, à vrai dire, là n'est pas l'important.

L'important, c'est de voir que le cinéaste sait que le temps lui est compté, que cela signifie pour lui qu'il est l'heure de dresser le bilan, et qu'il se sent seul : quand le cinéphile qu'il est cite ses films préférés et que personne ne le comprend, on a un peu d'empathie. Quand il énonce détester tout le faste des festivals et des tapis rouges, on est avec lui. Et quand il dit, lors de la scène finale, que sa vie est derrière lui et que rien ne pourra plus le porter, on est assez ému : on aura beau ne jamais pouvoir démêler le vrai du faux dans les affaires sinistres qui ont affecté l'homme, on reste tout de même attaché à cet artiste vieillissant ; il est, après tout, l'un des cinq plus grands de son époque.

Le gros point noir, c'est d'avoir donné le rôle principal au hoquetant Wallace Shawn : l'acteur, célèbre pour son inégalable laideur, est vraiment très mal casté (comment croire qu'un tel type a pu épouser Gina Gershon ?) et a bien du mal à aller aussi vite que ce que son texte lui impose.

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Excellente série B, qui réussit parfaitement son tour de l'horreur, et qui pose les choses à plat dans la première partie pour ensuite les résoudre dans la seconde. Évidemment, tout ce qui est de l'édification du mystère est meilleur que ce qui tient de sa résolution (c'est la différence entre l'instauration du suspense et l'action), mais il y a tout de même du rythme jusqu'au bout, une vraie ferveur, et quelques bons morceaux d'épouvante.

Le film est sorti juste avant Halloween, et c'était un beau cadeau.

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Dans une excellente première heure, Mazuy superpose aux décors stylisés d'une ville de béton et de néon une étrange ambiance froide et désincarnée. Dans la deuxième, la pâte retombe un peu : on sent que le scénario patine un poil, que le film hésite, que le plus intéressant est déjà passé.

Pour autant, Bowling Saturne se fait véritable proposition de cinéma, et possède ses chauds, ses froids, sans être jamais tiède pour autant. Il dispose de plus d'une authentique direction d'acteurs : ces gueules de travers, dont les regards pénètrent et désintègrent, ont un grand pouvoir de fascination.

Il en faut plus des comme celui-ci.

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Bien fait ; le film, dans son intensité sourde, se suit avec intérêt.

L'atmosphère, lourde et diffuse, doit beaucoup à la présence étrange et au charisme très mystérieux de son acteur principal : voilà un Bouillon qui ne manque pas de saveur.

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Terminal, noir comme du charbon, froid comme la glace, le film est assez raide, mais il est beau.

Il se tient, et rappelle beaucoup des opus précédents du réalisateur pour ce qui est des thématiques : Cronenberg reste fidèle à ses obsessions quant à l'obsolescence prochaine de l'homme tel qu'on en connaît la chair. La mise en scène, en revanche, se tient à lointaine distance de l'art canonique développé dans Crash ou A History Of Violence, et s'approche bien plus de celle du huis clos très écrit de Cosmopolis : le film est donc un tantinet désagréable, car il abuse parfois de verbiages, mais il demeure intéressant et (ce n'est pas si fréquent chez le Canadien) intelligible jusque dans son final pessimiste. Voilà donc une œuvre tout à fait pertinente dans la filmographie de Cronenberg.

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Il faut mesurer l'écart abyssal entre ce film et celui des Dardenne, tous deux sortis quasi en même temps, et traitant peu ou prou du même sujet (l'immigration en Europe) : l'un est un labyrinthe enfermé sur lui-même, dont la seule issue est celle voulue, martelée par les réalisateurs démiurges, l'autre pose constamment le débat et donne la parole à tous, tout en pointant ostensiblement la résurgence des extrêmes en Europe.

Le style de Mungiu est froid, à la limite du démonstratif (rien ne sort du microcosme établi, tout converge), mais en termes de cinéma, c'est tout de même fort, en témoigne ce long plan fixe grouillant de détails qui fait office de bascule. Tout s'y joue, de l'intime au social, du détail à l'arrière-plan, et cela faisait longtemps qu'on avait pas vu telle chose. Pas mal.

Il est par ailleurs rare de voir un film tourné en cinq langues (même si, quand c'est en français, c'est assez peu crédible).

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Sandrine Veysset avait fait le même film dans les années 90, et il était bien meilleur : tout le microcosme abordé avec retenue et distance par Carla Simón dans Nos soleils, Y aura-t-il de la neige à Noël l’avait déjà dépeint plus de vingt ans auparavant, et par ricochet à l’urgence qui le traversait, l’émotion qui en résultait était d’une puissance nettement plus forte. Mais comparer les témoins d’un nouveau cinéma à ses illustres pairs n’est pas sans limites, et d’ailleurs, force est de reconnaître que, dans ce que fait la réalisatrice espagnole de cette observation d’un monde rural que la déréliction guette, il n’y a rien de honteux.

On se surprend même à trouver l’étude plutôt intéressante, habitée d’un naturel plutôt bienvenu (les chasses au lapin, la fête du village), et évitant de pair la fronde politique démonstrative et la commisération souffreteuse. Simón connaît son sujet, sait en restituer la moelle, et se montre captatrice affûtée d’une époque qui se conclut amèrement : la chronique qu’elle tire de cette famille d’agriculteurs, par accumulation de petits riens bien sentis, révèle un regard aguerri de cinéaste. Plus encore, alors que l’affection qu’elle entretient pour ces quelques personnages aurait tôt fait d’envenimer le film d’une préciosité sucrée (on lui connaît sa proximité avec cette société des pourtours), elle montre qu’elle sait résister à l’appel de l’émotion facile, et se fond dans une justesse de ton toute appréciable. Le film qui en découle est sobre, humble : il n’invente pas la poudre, ne provoque jamais de raz-de-marée, mais il est fait avec honnêteté, et se regarde comme on déguste la potée maison de mamie Huguette ; la simplicité a aussi sa saveur.

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Mélange de polar et d'observation socio-politique plutôt réussi, les deux facettes étant développées avec une certaine aisance.

Hélas parfois poussif : on sent Abbasi influencé par les canons américains, et il ne peut donc s'empêcher, surtout dans la deuxième partie, de faire apparaître son tueur machiavélique sous ascendance d'Hannibal Lecter, sourire pervers et insinuations menaçantes tout compris. Didactisme, poncif, prosaïsme, le cinéaste a visé au centre.

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Le film pâtit de ses nombreuses afféteries (spontanéité calculée, champs de fleurs et lumière du couchant), mais une délicatesse manifeste en émane. Dhont se montre bon directeur d'acteurs, évite les surplus de sensiblerie, et traite d'un drame terrible avec une retenue qui l'honore.

Quand Xavier Dolan aurait parsemé cette tragédie maximale de chansons de Lara Fabian et de ralentis cathartiques de personnes qui s'époumonent contre le vent, Dhont choisit la sobriété ; le Belge est, de fait, incroyablement supérieur au Canadien dont il suit les traces.

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Le postulat scénaristique est rien qu'un peu grossier : cette intrigue de rustre qui se coupe les doigts par pure sédition à des habitudes qu'il abhorre ne tient pas vraiment debout. La parabole est évidemment politique, et histoire d'être sûr qu'on a compris, la trame ne cesse de brandir des allusions au contexte de la guerre civile en Irlande, comme pour illustrer que les hommes peuvent choisir de se détester plutôt que de se laisser vivre. La crème est épaisse...

Mais le film est par ailleurs plutôt bien tenu, il y a une bonne construction, et McDonagh, qui jusqu'ici était un réalisateur plus que médiocre, parvient à se contenir en effets lourdingues. Dans ses dernières scènes, d'une noirceur prononcée, il fait même pointer une amertume qui dépasse le cynisme facile qu'il semblait seulement formuler jusqu'ici : pas de quoi crier au chef-d'œuvre, convenons-en, mais pas mal tout de même.

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Il est pourtant de coutume de ne pas dire du bien de A24, studio indépendant très lucratif qui a bâti sa réussite sur une recette d'indépendance trop revendiquée pour être honnête.

Mais il faut reconnaître que ce film-ci est plutôt regardable, malgré ses filtres de rigueur et l'inspiration malickienne débordante. Kogonoda parvient à y insuffler un peu de trouble, se permet quelques petites joliesses plutôt tenues, et sait ne pas s'éterniser pour un ensemble sobre et sans trop de fioritures.

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Petite comédie sans prétention, menée adroitement, avec de mignons renvois à Vertigo (les filatures), et une façon de filmer la région lyonnaise qui a son petit quelque chose. Le film surjoue assurément la profondeur de ses marivaudages, alors que tout cela n'est ni d'un souffle fantastique, ni même d'une originalité franche, mais le divertissement déroule honorablement sa panoplie de rebondissements bien ourlés. Les plus mélomanes auront reconnu Stelvio Cipriani le temps de quinze secondes : voilà peut-être la plus grande audace du film.

Rien de déterminant, mais rien de désagréable.

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Film de copains, assez honnête et parfois drôle.

Rien de nouveau pour le cinéma, mais le résultat n'est pas honteux. L'alliance opportune qui se crée entre ces deux bras cassés peut faire penser à la traditionnelle recette des films populaires de Veber, et vraiment, il y a pire.

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Le film est bien fait, oui, et il se regarde (même si bon, au bout de 140 minutes, on est content de pouvoir sortir), mais il est nanti de deux défauts majeurs :

- il passe son temps à vous rappeler qu'il est bien exécuté.
- il passe une deuxième fois son temps à vous rappeler qu'il est bien exécuté.

Meurtre en plan-séquence (exercice de bravoure superfétatoire), ambiance perpétuellement grise même quand il fait beau (que de filtres), dialogues expressément explicites, avalanche de situations menaçantes (même quand il s'agit de filmer une reconstruction de maison, les transitions se font sur du bois qui fait du vacarme en tombant), rien ne vous sera épargné : Rodrigo Sorogoyen souhaite vous annoncer qu'il est un bon. Pris en étau qu'on est devant ce thriller bien trop consciencieux, on en vient à regretter ces maniérismes très visibles et ce sérieux chevillé ; Sorogoyen se présente-t-il en costar sur ses plateaux de tournage ?

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Assez inconséquent, mais tout de même distrayant, car Guiraudie envoie valdinguer certains tabous, et offre à sa drôle de galerie de personnages une intrigue échevelée et réjouissante.

Rien de définitif, car le film ne s'arrête pas de déjouer les historiettes qu'il met en place pour en ouvrir d'autres (ce qui est in fine plutôt frustrant : Guiraudie fait semblant de se battre contre son scénario, mais il s'agit en fait d'une écriture comme une autre, et on en voit trop la méthode), mais intéressant tout de même, et parvenant presque à donner envie d'aller à Clermont... ce qui n'est pas un mince exploit.

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Après les critiques qui se sont abattues sur son BAC Nord (qui était, plus qu'un film de droite, quoi que cela veuille dire, surtout un film médiocre), Jimenez s'est assagi sur le sensationnalisme, et a gagné en sobriété pour retracer les événements de novembre 2016 : compte tenu de la douleur provoquée en France par ces journées de deuil national, c'était nécessaire.

Le film n'est d'ailleurs pas trop mauvais, très américain dans l'esprit, lisse, mais sans gras et correctement tenu, bien que parfois poussif : Dujardin qui joue les durs, on a du mal à y croire.

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Thriller fantastique plutôt intéressant, posé comme il le faut, avec de la lenteur, du mystère, pas trop de flaflas.

Comme c'est un premier film, il y a à la fois trop d'idées et pas assez de teneur (le concept accumule les scènes disparates, mais tourne un peu à vide), mais c'est assez prometteur, et Shyamalan devrait regarder de plus près ce film pour comprendre ce qui ne va pas dans ses très mauvais films : moins de verbosité, moins d'épate, plus de mutisme, Giménez démontre une science de l'étrange plutôt mûre.

Quelle femme magnifique que cette Marta Nieto.

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Le scénario n'est pas très bon, car il est muni de trop d'incohérences et de trous invraisemblables, mais bizarrement, le film est pas trop mal : il doit beaucoup à cette science de la lenteur et de l'image que Soderbergh maîtrise.

Réalisateur étonnant, toujours balancé entre le grand public et le film d'auteur, voire le genre expérimental. La filmographie qui en découle est certes inégale, mais tout de même stimulante : Kimi est un exemple plutôt éloquent de cette dualité.

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Oui oui c'est pas trop mal, ça se regarde, mais bon ce n'est pas le film du siècle : c'est encore un de ces efforts typiques de jeune cinéaste intelligent qui connaît sa profession, et qui fait ses premiers pas dans une restitution personnelle qui allie le sérieux et l'humilité. Mais le tout est effectué avec une application si prononcée, et déroule son histoire avec un savoir-faire si caractéristique qu'on en vient à cligner de l'œil devant tant de formulation programmatique. D'autant que l'objet ne se préoccupe jamais ni de la beauté de l'image (qui, de nos jours, sait photographier ?), ni du droit au rêve : avec tant de soleil et de mer, comment peut-on faire un truc si terre-à-terre ?

Scorsese, qu'on aperçoit au générique, a dû avoir envie de passer ses vacances en Croatie, au bon souvenir des paysages de L'Avventura.

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Un horror flick pas honteux, plutôt inquiétant (avec un final grand-guignolesque assez impressionnant), même s'il joue trop régulièrement la carte du jump scare éculé : champ, contre-champ, champ serré, contre-champ, champ encore plus serré et diable dans la boîte. On sent assez souvent que le réalisateur vient du monde des courts-métrages youtube, ceux-là mêmes qui impressionnent des adolescents en manque de nuits blanches : il repose souvent sur des mécanismes racoleurs qu'on anticipe facilement, à compter qu'on ait plus de 16 printemps.

Rien de nouveau sous le soleil, et Smile est même un quasi remake de It Follows en nettement moins bon (jusqu'au plagiat intégral de certaines scènes), mais il n'est pas nul pour autant : correctement réalisé, assez divertissant, il a ses petits arguments.

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Jordan Peele n'est pas un idiot, et se montre inventif à l'art de bouleverser les codes largement rebattus du fantastique : l'agencement étrange des chapitres de Nope, espacés de retours vers le passé, est vraiment la grande qualité de ce film, qui, par ailleurs, déconcerte plus qu'il ne convainc.

Il y a beaucoup de choses intéressantes dans cette pièce montée cauchemardesque, d'autres assez frustrantes, et ce sont malheureusement les secondes qui l'emportent : tout le mystère entretenu par ces multiples éléments annonciateurs ne trouve hélas pas de résolution satisfaisante, et l'objet donne donc l'impression d'avoir donné tout ce qu'il avait dans ses cartons dès sa sibylline bande-annonce. C'est le troisième film de Peele, c'est le troisième qui, pour une raison ou une autre, délivre des promesses (on note des progrès dans l'art de la symbolique, moins pompeuse ici que dans Us), mais c'est aussi le troisième à être extrêmement inégal : de quoi rester sur sa faim.

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Un gros blockbuster dans l'air du temps, très sérieux, très sombre (on ne voit rien), très long, assez lourd. Il n'est certes pas le plus informe de la panoplie annuelle, mais il n'est pas pour autant réjouissant, et la dernière partie, qui n'en finit jamais, le rend particulièrement éprouvant.

Rien de surprenant, tout le menu habituel est là : solo d'acting du méchant, noirceur rabattue à tout bout de champ, basses assourdissantes, continuation de la mythologie Comics (qui, disons-le, est un truc d'ados boutonneux), grand spectacle et grands effets... Ne manque que le cinéma, qui lui est totalement absent. Vous reprendrez bien un peu de soda avec votre pizza ?

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De toute évidence, Östlund n'est pas un idiot, mais plus qu'un type brillant, il est un petit malin. Il tape sur ceux qu'il est facile et de bon ton de taper, il tire sur l'ambulance, il est mesquin : il pourrait faire un très bon créateur de contenu pour les émissions de Yann Barthès, car il est de la même ligue. On ricane un peu, on se sent bien dans son canapé Ikéa, il y a du rythme : voilà une bonne idée de la distraction du citadin qui compte ses kilomètres sur strava et prépare ses EAA en vérifiant ses KPI.

Le film est assez bien réalisé, bien agencé, mais il y avait bien plus de finesse dans The Square que dans ce volet faussement féroce, éminemment complaisant vis-à-vis de sa subversion ordinaire, et dont le monde du septième art se satisfait visiblement pour sa plus haute récompense. Finalement, cela raconte assez bien le cinéma de 2022 : il est plus question de critiquer les basses ambitions des autres que d'avoir les propres siennes.