Les meilleurs films de 2023 selon Arthur Debussy

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Encore un film qui relève davantage du 7,5/10, au premier abord, par sa modestie apparente. Mais la maîtrise totale de Wenders en fait un grand film de plus à mettre à son actif, et Wim m'incite à la générosité par la sienne. D'une grande subtilité, porté quasi exclusivement par le formidable Kōji Yakusho, qui a amplement mérité son prix à Cannes, Perfect Days est un film vraiment magnifique. Simple et beau comme l'est la vie.

L'hommage à Ozu est évident, mais on retrouve beaucoup de Wim Wenders dans ce film, notamment par sa bande son très anglo saxonne et très rock, qui confère un aspect presque road movie à ce long métrage, alors qu'il ne se déroule qu'à Tokyo... Même si le héros use beaucoup de sa camionnette pour traverser la ville (nombreux sont les plans à tomber par terre...).

Si le pitch vous fait peur, sachez que Wim Wenders m'a passionné du début à la fin, 2h durant, avec cette histoire toute simple d'homme qui nettoie consciencieusement les toilettes tokyoïtes. Bien entendu, cette trame n'est qu'un prétexte, et par sa virtuosité Wim Wenders la transforme en une méditation profonde sur (le sens de) la vie. Respect total pour cet immense cinéaste et cet acteur génial, qui font de ce film une pure merveille.

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Énorme chef-d’œuvre. Oui, chef-d’œuvre. Le mot n'est clairement pas usurpé. Un film bouleversant, une énorme claque. Kaouther Ben Hania est à la fois une très grande cinéaste et une très grande scénariste. Le dispositif qu'elle a monté est d'une grande intelligence et en même temps très troublant.

Il permet de raconter l'indicible, cette histoire extrêmement douloureuse, d'Olfa et de ses quatre filles. Je ne peux que saluer Olfa et ses deux plus jeunes filles, qui jouent leur propre rôle et crèvent l'écran. Mais je ne peux que m'incliner également devant Kaouther Ben Hania, qui livre un film d'une grande finesse et d'une grande subtilité, ainsi que d'une profondeur et d'une richesse incommensurables.

Il y aurait tellement à dire sur les nombreux sujets qu'elle brasse avec talent... Car elle met le doigt là où ça fait mal. Ce film est tellement riche sur le fond... Je salue également le courage de la cinéaste, qui a réalisé un film sans concession. Toujours pudique, mais très critique, car très réaliste, sur la condition de la femme en Tunisie. Et le courage d'Olfa et de ses deux filles, qui se battent contre le djihadisme, à visage découvert...

Total respect pour ce film et son équipe. Je ne peux que vous inciter à le voir. Pour moi, à ce jour et de loin, c'est le meilleur film de 2023... et le plus marquant.

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Probablement l'un des films les moins aimables et les plus complexes de Miyazaki, passablement hermétique. Un film qui en désarçonnera sans doute beaucoup. Et qui comporte, il est vrai, certains défauts, notamment un manque de maîtrise et de liant dans la narration.

Mais je lis souvent que le jeune héros manque de personnalité et qu'on ne s'y attache guère... Pas d'accord, moi je trouve que c'est un très bon héros miyazakien, pour une fois qu'il s'agit d'un garçon d'ailleurs ! Je m'y suis complètement attaché. Quant à l'autre jeune héroïne féminine, les rares fois où elle apparaît, elle a une telle présence, que non, décidément, je ne peux pas décemment affirmer que ces deux personnages sont ratés, au contraire. Même si, bien sûr, j'aurais aimé qu'ils soient encore plus développés.

Ce film m'a vraiment surpris, car Miyazaki va là où on ne l'attend pas. Graphiquement, il ose de nouvelles techniques, ce qui étonne quand on connaît le canon ghiblien si strict et si familier habituellement.

Et sur le fond, tout est tellement riche et complexe, que je me retrouve comme lorsque j'avais découvert Le Voyage de Chihiro, le premier film de Miyazaki (et Ghibli) que j'aie vu en entier : impressionné, avec le sentiment de ne pas avoir tout compris... Même si on ne va pas se mentir, Chihiro m'a immédiatement mis une énorme claque et j'ai passé un moment magique. Là, mon sentiment est plus mitigé, mais il faut dire que nous sommes face à une œuvre d'une exceptionnelle gravité, où la mort est omniprésente, ce qui offre moins l'occasion de se réjouir...

Conclusion : je pense que là encore, un second visionnage s'impose prochainement, pour tenter de mieux appréhender ce film si particulier.

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Voilà que j'ajoute ce film à mon top des meilleurs Scorsese... et il arrive directement tout en haut ! Mais je n'en suis qu'à moitié surpris. Je dois dire que je ne suis pas vraiment un fan de Marty, donc mon avis n'est pas forcément représentatif, même si j'admire un certain nombre de ses films. En effet, je trouve que le bougre a une filmographie inégale. Mais pour une fois, voilà un de ses films qui allie virtuosité esthétique et profondeur du fond, en se basant sur un récit terrible. Qui, sans beaucoup extrapoler, est également le récit de la fondation des Etats-Unis.

Il fallait donc bien 3h30 pour déployer ce récit... Et Scorsese ne perd pas une seconde. C'est là la marque des grands réalisateurs - et je m'incline. Sur un film d'une telle durée, il n'y a pas un plan de trop. Chaque image, chaque parole, chaque silence est nécessaire pour ancrer cette fresque aux multiples niveaux de lecture, qui vient se placer sans sourciller face à des monuments tels que Naissance d'une Nation de Griffith, rien que ça (à noter que je ne l'ai pas vu, mais tout le monde le connaît de réputation).

La réalisation est d'une grande efficacité, osant certaines séquences originales. Mais l'autre grand atout de ce film, c'est surtout ses acteurs, et notamment le trio de tête : Leonardo DiCaprio (exceptionnel), Robert De Niro (en très grande forme), et la révélation de ce film, la charismatique Lily Gladstone.

Après son semi échec de The Irishman, Scorsese était attendu au tournant. Encore un très long métrage, allait-il réussir à retrouver les sommets de sa filmographie ? La réponse est clairement oui, he did it.

Je ne peux que vous inciter à aller voir ce long métrage. Attention, c'est un film d'une facture très classique. C'est d'ailleurs un classique instantané, un film intemporel et déjà clé dans sa filmographie, une œuvre dont on parlera encore longtemps. Mais plus que par sa forme, c'est par son fond qu'il éblouit, avec ce scénario machiavélique... qui n'est autre que le reflet d'un réel crime de masse, le génocide amérindien...

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Premier visionnage : 7/10

Magnifique film. Imparfait, mais vivant, gorgé d'émotion, d'une grande beauté et d'une grande poésie. Je ne pensais pas, un jour, voir un film d'Erice à sa sortie au cinéma... Je mesure ma chance. Notre chance. Ce cinéaste s'est fait rare. Son film porte sans doute le souvenir de ces projets qui n'ont pas vu le jour, Erice sachant mieux que personne ce qu'est le silence... Une chose bien difficile pour un artiste qui a tant de choses à exprimer. Ce film est donc un magnifique cadeau qu'il nous fait. Je n'ai pas tout saisi et j'ai parfois été un peu déçu, mais je suis certain que je le regarderai de nouveau avec un grand plaisir, et que j'y découvrirai sans doute de nouvelles choses. Merci Monsieur Erice.

Second visionnage : 8/10

Revu en salle et +1, c'était obligé. Le seul autre film que j'ai vu 2 fois en salles, c'était Parasite. Fermer les yeux soutient largement la comparaison, je le trouve même meilleur. Scandaleux qu'il ait été évincé de la compétition cannoise (Erice était fou de rage)... Sans avoir vu le film de Triet, dont j'ai plein de bons échos, je pense que le long métrage d'Erice était un concurrent sérieux pour la Palme...

Fermer les yeux m'a fait une très grande impression. Il est imparfait certes. Mais d'une beauté... Avec un sens du rythme inouï : le montage est parfait, chaque plan semble vivre de lui-même, et l'on prend beaucoup de plaisir à chaque seconde qui s'égrène. Il y a quelques longueurs dans le troisième quart du film, mais le final est sublime. Je pense qu'on peut parler de chef-d’œuvre, un de plus pour Erice, cinéaste rare mais précieux.

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Ce sera donc un 8/10. A vrai dire j'hésitais avec un 7 (7,5 pour être précis), car Les Feuilles Mortes m'a donné l'impression d'être un film très simple. Trop simple ? Peut-être... Ou peut-être pas. J'ai très envie de le revoir en salles, et j'anticipe, car je suis certain que de toutes les façons, j'aurais fini par mettre un 8. Soit pour moi la note des chefs-d’œuvre, même les "petits" chefs-d’œuvre comme celui-ci.

Car la simplicité apparentes des Feuilles Mortes est très trompeuse. Comme le disait je ne sais plus qui, ce film ne dure que 1h21 (ce qui nous laisse un peu sur notre faim)... Mais il a fallu 43 ans de carrière à Aki Kaurismäki pour en arriver là.

Dans ce film, chaque image fait mouche. Chaque plan est savamment construit. Avec une beauté simple, discrète. Mais réelle. Avec un côté artificiel... et en même temps vivant, concret. Aki Kaurismäki, c'est un peu le poète du réel, une sorte d'héritier du réalisme poétique de Prévert et Carné, mais à sa façon... D'ailleurs, il n'est pas anodin que la célèbre chanson de Prévert donne son titre à ce magnifique long métrage.

Chaque plan, chaque geste, chaque chanson vient sublimer ce film. Mais le summum, ce sont les corps et les visages de nos deux héros principaux. Un regard, une attitude... et puis un sourire... viennent chavirer notre cœur.

Pour moi, il s'agit d'un classique instantané. Un film qu'on aura un très grand plaisir à revoir dans 5, 10, 50 ans. Pour nous qui connaissions déjà Aki Kaurismäki (un tout petit peu pour ma part), nous nous sentons peut-être trop en terrain connu. Et puis, cette sublime bande-annonce (une des meilleures que j'aie vues ces 10 dernières années) dévoilait sans doute trop du film, le desservant ainsi. Mais je pense sincèrement qu'il s'agit une fois de plus d'un "grand petit film" pour Aki Kaurismäki : un film modeste en apparence, mais d'une très grande générosité et d'une très grande maîtrise, qui durera...

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Une belle réussite pour Alice Rohrwacher, après un Heureux comme Lazzaro qui m'avait profondément déçu. Ici, la cinéaste italienne livre un film abouti, avec une certaine épaisseur, convoquant l'histoire de l'Italie, les mythes antiques ou la société de sur-consommation depuis les années 1980.

Mais il est avant tout question de mystère et de poésie, de chimères que tout le monde poursuit à sa façon. Celle d'Arthur est son aimée, qu'il a perdue et qu'il tente de retrouver. Mais peut-être est-il lui-même un homme d'autrefois, un mythe à lui tout seul.

Toutes ces figures actuelles et passées nous emportent dans leur sillage, à travers une rêverie poétique, nous amenant également à réfléchir sur notre monde contemporain. Si La Chimère comporte tout de même quelques faiblesses, c'est un film réussi, assez fascinant...

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Pham Thien An, jeune cinéaste de 34 ans, signe avec ce premier long métrage une œuvre ample et très maîtrisée. Si ce film évoque de grands cinéastes (Tarkovski, Dreyer, Béla Tarr, Weerasethakul, Tsai Ming-Liang...), dont il confirme s'être influencé, le réalisateur vietnamien a réussi à se créer sa propre identité cinématographique.

Avec une magnifique photographie et de très beaux cadrages, Pham Thien An use de longs plans séquences et joue avec le temps qui passe, pour mieux hypnotiser le spectateur et l'immerger dans ce récit tantôt réaliste tantôt mystique.

La forme est sublime, le fond est très dense. Dommage qu'il ploie parfois sous l'ambition du cinéaste, mais vu son jeune âge, c'est bien normal et il a tout son temps pour parfaire l'écriture de ses films.

Dans l'ensemble, L'Arbre aux papillons d'or est un beau film, impressionnant, dont les images et l'ambiance sont marquantes... Une belle découverte !

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Un film brillant, qui mérite sa belle renommée et sa moisson de récompenses. Du cinéma français comme celui-ci, j'en redemande. Anatomie d'une chute bénéficie avant tout d'un scénario remarquable, machiavélique dans sa construction et passionnant sur le fond. Il interroge la place de l'homme et de la femme dans le couple aujourd'hui de façon intelligente.

Il repose aussi beaucoup sur les épaules de Sandra Hüller, l'une des actrices les plus talentueuses de notre époque. Son interprétation est bluffante : elle sait être tantôt glaçante tantôt émouvante... Chapeau également au jeune Milo Machado-Graner, véritable révélation de ce film. Et bravo à Swann Arlaud, que je vois pour la première fois à l'écran et qui est très convaincant.

La mise en scène de Justine Triet n'est pas exceptionnelle, mais elle est solide et sert complètement le propos, sans jamais le trahir. Voilà de la belle ouvrage. Ce n'est pas mon film préféré de 2023, mais c'est tout de même un coup de cœur. Une belle réussite. Et croisons les doigts pour les Oscars !

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Un magnifique documentaire, à la fois terrible et émouvant, qui dépeint le quotidien des Ukrainiens de Kharkiv, réfugiés dans le métro, tandis que pleuvent les missiles et les bombes sur leur ville... Malgré la dureté et le tragique de la situation, les réalisateurs slovaques Ivan Ostrochovský et Pavol Pekarčík arrivent à en faire un film avec de l'espoir... Même si celui-ci est bien fragile.

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J'ai découvert Ryuichi Sakamoto avec ce film, puis j'ai appris qu'il avait composé la bande originale de célèbres longs métrages, tels que Furyo, Le Dernier Empereur, ou encore plus près de nous The Revenant et L'Innocence, d'Hirokazu Kore-Eda. Cet ultime concert du maître nippon est magnifiquement filmé par son propre fils, dans un très beau noir et blanc.

Ryuichi Sakamoto joue durant 1h40 environ, des versions de ses œuvres qu'il interprète au piano. Mais je dois dire qu'il faut s'accrocher, car les morceaux qu'il joue se ressemblent tous un peu dans ce format au piano, et l'on finit par se perdre dans les méandres de son art. En même temps, ça a un côté hypnotisant et immersif, et comme Sakamoto est un talentueux compositeur, à la musique belle et élégante, l'expérience est plaisante.

Etant fatigué lorsque j'ai vu ce film et ne connaissant rien de Ryuichi Sakamoto avant de le regarder, je ne note sans doute pas ce long métrage à la hauteur de sa qualité et de son intérêt, mais je préfère rester fidèle à mon ressenti du moment. Par contre, si je revois ce film dans de bonnes conditions, et après m'être intéressé davantage à cet artiste, il n'est pas impossible que je monte ma note jusque 7.

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Ça fait longtemps que je me suis tenu à l'écart de la hype qui entoure Quentin Dupieux. A vrai dire, depuis son premier long métrage, Steak, qui m'avait laissé sur le carreau. J'ai suivi de loin son succès, qui m'a toujours paru assez démesuré.

Mais Yannick m'a semblé différent, en n'en connaissant que le pitch. Un film plus tout à fait dans l'absurde gratuit et assez vain que je semblais déceler dans ses précédents opus. Un film avec une bonne idée de départ, et des thématiques un minimum intéressantes.

Je n'ai pas été déçu. C'est un film très drôle, bien sûr, mais intelligent et qui développe bien son idée initiale... Même si on aurait préféré un film un peu plus long, tellement on passait du bon temps. Mais au moins, Dupieux nous livre un film d'à peu près une heure qui est maîtrisé... et qui est dense.

Il traite rien moins que de l'art, par exemple du rapport entre auteurs, acteurs et spectateurs. Mais aussi de l'état de l'art aujourd'hui, par le prisme du théâtre. Avec un ancrage social fort, à travers ce personnage de Yannick, à la fois génialement horripilant et très attachant, interprété avec beaucoup de talent par Raphaël Quenard. Le reste du casting, notamment Pio Marmaï et Blanche Gardin, est excellent.

C'est vraiment un bon film, qui me fera peut-être me pencher un jour sur le reste de la filmographie de Quentin Dupieux. En attendant, j'ai hâte de découvrir son Daaaaaali !

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Alors oui le personnage principal est complètement toxique et détestable (très bien joué par Pierre Niney d'ailleurs). Oui il est complètement barré... voire complètement fou... Oui Michel Gondry est critique avec lui-même, mais parfois assez complaisant. Oui la bande annonce dévoile les principaux gags (mais il y en a d'autres !)...

Et pourtant j'ai plutôt bien aimé ce film. Ce personnage principal souvent complètement con (il n'y a pas d'autre mot)... et parfois génial. Ces nombreuses trouvailles de mise en scène et ces idées loufoques poétiques. Ces personnages attachants : le héros (malgré lui), bien sûr la tante adorable Denise, Charlotte, le bras-droit indispensable, bien interprétée par Blanche Gardin, même si son personnage est peu exploité, et puis ces autres personnages qui jouent les souffre-douleur malheureux de ce réalisateur tyrannique... Et puis il y a un certain nombre de répliques et de séquences qui risquent de devenir cultes.

Il y a des choses que j'ai moins aimé, comme cette romance complètement bizarre et neuneu (typique de Gondry si j'en crois le reste de sa filmographie). Ce côté un peu répétitif à la longue. Ce rythme un peu erratique. Un puis le côté complètement barré qui parfois va un peu loin (notamment quand le héros pète des câbles).

Mais dans l'ensemble ça paraît assez réaliste sur l'égo (auto)destructeur de certains artistes (heureusement qu'ils ne sont pas tous comme ça...). Gondry n'hésite pas à dépeindre son héros comme un connard : au moins il n'y a pas d'ambiguïté sur ce point. Et le tout est quand même original, dans le ton, les idées. Ce film a une certaine fraîcheur car son scénario ne suit pas les poncifs habituels... Et il y a de très bons acteurs (sauf l'amoureuse), Pierre Niney en tête, je suis obligé de me répéter tellement il est génial dans ce film. Donc au total, oui j'ai plutôt bien aimé ce film. Même si je comprends aussi ceux qui n'ont pas adhéré...

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Je n'attendais pas grand chose de ce long métrage, au vu des critiques, mais il me faisait de l’œil. Finalement il s'avère être un film honnête, avec un casting intéressant (surtout Bale et Melling en fait, les autres acteurs étant quasiment transparents) et une ambiance plutôt bien construite, avec un côté hivernal et inquiétant qui lorgne du côté du gothique (mais très soft). On s'attache aux deux personnages principaux et j'avoue m'être pris au jeu, personnellement je ne me suis pas ennuyé malgré les 2h10 que dure ce film.

Après je ne connais Edgar Poe que de réputation, donc je ne sais pas dans quelle mesure ce film et le roman dont il est issu bafouent le célèbre auteur américain et son œuvre. Le personnage de Poe dans le film peut agacer, je le conçois, pour ma part il m'a amusé, avec un côté ambivalent intéressant. Dommage que le reste des autres personnages ait si peu de consistance. Outre Bale, il n'y a que le personnage joué par Lucy Boynton qui sorte du lot.

Là où je suis plus circonspect, c'est sur le dénouement du long métrage. Au bout d'1h40 on semble tenir une fin tout à fait convenable. Et par deux fois je vérifie : non, en fait il reste une bonne trentaine de minutes. Que va-t-il se passer alors ? Eh bien un bon vieux twist un peu tordu qui tombe comme un cheveu dans la soupe... Les réalisateurs actuels aiment bien jouer au petit malin, sauf qu'une fois de plus on écope d'un twist pas très finaud, même s'il ouvre à certaines réflexions qui auraient mérité un meilleur traitement. Une fin assez indigeste, qui se clôt avec une petite point d'émotion, bienvenue, mais qui peine au total à nous émouvoir autant que le réalisateur l'a sans doute souhaité, à grand renfort d'effets bien lourds.

The Pale Blue Eye est donc comme la plupart de ces films Netflix (sauf à de très rares exceptions) qui promettent beaucoup mais qui se dégonflent telle une baudruche. Il possède de réelles qualités, mais il semble que la subtilité affichée de Scott Cooper ait des limites (comme dans Hostiles en fait), l'empêchant de jouer dans la cour des grands...

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Et un 6 de plus. Comme beaucoup, j'avais des attentes plutôt limitées envers ce long métrage et elles ont été plutôt comblées. Cela fait quand même bien plaisir de retrouver ce cinéma d'aventure, généreux, avec des acteurs qui se donnent, des répliques bien senties, de la romance, des péripéties, du suspense...

Malgré tout, je suis un peu déçu, comme beaucoup là encore, par le manque d'ampleur et de souffle de ce long métrage. La mise en scène est clairement le point faible de ce film : peu inspirée, brouillonne, avec des combats illisibles... Le montage aussi aurait été à revoir, les scènes sont étirées au point de sentir les acteurs mal à l'aise.

La direction des acteurs, venons-en, est un autre point faible du film. François Civil et Vincent Cassel tirent plutôt bien leur épingle du jeu, comme certains seconds rôles et Louis Garrel excellent en Louis XIII pusillanime. Mais Lyna Khoudri et Eva Green, pourtant excellentes actrices, semblent ici peiner à trouver leur place. La faute, me semble-t-il, à une direction manquant de précision et de finesse, les acteurs semblant tous quelque peu livrés à eux-mêmes, j'y reviens, dans des scènes à rallonge.

Malgré tout, je reste sur une appréciation plutôt positive de ce film et j'attends avec impatience le deuxième volet de ce diptyque.

Annotation :

Bon, on s'y attendait, ce second volet est dans la droite lignée du premier. Aucune vraie surprise... Si ce n'est qu'Eva Green voit son personnage bien mis en valeur et qu'elle joue beaucoup mieux. En revanche, j'ai été déçu par François Civil, au jeu décidément assez limité, peu à l'aise dès lors qu'il ne joue pas dans des films contemporains...

Pour ce qui est de la réalisation, elle est toujours aussi bancale : peu à l'aise pour donner du souffle à un film qui se veut pourtant épique... C'est trop scolaire : les plans de drones sont trop évidents, c'est à mi chemin entre un téléfilm France 3 et un film historique lambda. Quant aux combats, ils sont une fois de plus illisibles, même si au moins ça renforce le côté immersif.

Au total, j'ai tout de même passé un bon moment, donc je ne regrette pas d'être allé voir ce film. Mais je suis un peu déçu, même si je savais qu'il n'y aurait pas de nette amélioration par rapport au premier opus. Le résultat est en demi teinte, le tout est trop laborieux pour atteindre les cimes visées par l'équipe du film, producteurs et réalisateur.

Je ne dirais pas que c'était vain, car il y a une modernisation appréciable de ce récit, en développant les intrigues politiques. Mais le projet comporte trop de défauts pour décoller vraiment et emporter mon adhésion... et celle du public de façon générale, si j'en crois les nombreuses critiques mi figue mi raisin...

Annotation :

Vomi + pipi + caca + vide abyssal = beurk... Alors oui, il y a quelques séquences biens vues et marrantes. Mais qu'est-ce que c'est boursouflé, indigeste... et vide, affreusement vide... Pour moi qui aime, pardon aimait Chazelle, c'est la déconfiture totale...

Annotation :

Le Dernier Duel m'avait laissé le maigre espoir que Ridley Scott puisse réaliser de nouveau un film correct, à défaut d'un bon film. La bande annonce de Napoléon faisait très peur et ne me rendait pas confiant du tout... Et le résultat est désastreux... Comment, avec un personnage et une époque aussi riches, réaliser un film aussi pauvre sur le fond et la forme, aussi stupide, vulgaire, moche et pathétique ? Ridley Scott a réalisé un certain nombre de navets, mais jusqu'à présent, c'est de loin le pire film que j'ai vu de lui, complètement raté sur tous ses aspects : acteurs mauvais (je parlerais même d'erreur de casting), dialogues médiocres, scénario catastrophique, mise en scène plate et pas du tout inspirée, photographie dégueulasse... Un conseil : ne gâchez pas votre argent et ne souillez pas votre esprit en allant le voir...