Les meilleurs films de Martin Scorsese selon Marius Jouanny

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Rétrospectivement, il est facile de comprendre pourquoi « Le Loup de Wall Street » fut aussi bien reçu à sa sortie, tant il reprend à l'identique la forme et la démarche narrative des « Affranchis », plus de 20 ans après. Mais si je devais en faire pencher l'un dans la balance, je dirais que Scorsese a infiniment plus d'affection pour les mafieux des quartiers populaires que pour les traders de Manhattan (on peut le comprendre) et cela rend « Les Affranchis » beaucoup plus habité. Le film est à l'image de son plan-séquence qui présente les membres de la pègre : une photo de famille en mouvement, où tout le monde est présent invariablement : en vacances, au mariage ou bien pour enterrer les cadavres, ces affranchis de la loi ont une volonté collective apparemment inoxydable.

Là est toute la finesse du cinéaste, le jeu des apparences : pour traduire la vie dissolu et irréelle de ces mafieux dont le personnage principal aligne les rails de coke notamment durant une journée mouvementée (et pourtant comme les autres) décomposée heure par heure par la narration, Scorsese utilise une mise en scène d'apparat, qui multiplie les effets de manche et la bande-son rock sublime (les Stones, George Harrison, la jouissance absolue) traduisant justement par là la déréalisation d'un tel mode de vie. Alors évidemment, on peut le taxer de formalisme, mais je persiste à dire que tout cela n'est pas gratuit, et même la voix-off incessante parvient à garder un équilibre dans l'artificialité du rythme. Les basculements individuels qui amènent à une érosion des différentes cellules familiales (du couple aux amitiés) sont même là pour apporter une consistance dramatique au récit, qui ne perd toutefois jamais son mordant ironique. Un sommet du cinéma de Scorsese, dont je préfère néanmoins la radicalité de « Taxi Driver ».

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Magistral. Robert est flamboyant, la mise en scène des combats fait ressortir toutes la crasse, la violence brut du sport. L'animalité du personnage est fascinante, repoussante. C'est viscéral à t'en tordre les boyaux, le film est buriné comme le visage de Robert après le combat de trop. Peut-être moins audacieux formellement qu'un "Taxi Driver", mais le tour de force est bien là, rampant sur le bord du ring.

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Certains diront qu'il s'agit d'un film mineur de Scorsese, je ne saurais les contredire complètement : il n'a pas la force de l'uppercut "Raging Bull", la langueur virtuose d'un "Taxi Driver" ou la rugosité cynique de "La Valse des pantins". Néanmoins il est remarquable sur bien des aspects, cinématographiques en premier lieu : les plans sont truffés d'idées visuelles et sonores marquantes, répondant aux rencontres multiples et surréalistes du personnage, le tout donnant un rythme, un tempo qui manquait à ses premiers films par exemple. Rien que cette caméra parcourant à toute allure le lieu de travail d'employés de bureau en guise de générique de fin est l'une des scènes les plus géniales de son cinéma !

D'autre part, si comme dans beaucoup de ses films on ne voit pas très bien où il veut en venir au premier abord, cette escapade nocturne dans les rues de New-York (on se refait pas, Marty !) épuisante pour le personnage, et hilarante pour le spectateur (j'ai autant ris que devant "Le Loup de Wall Street") se veut souvent intimiste et sonde les relations sociales avec un sens de la satire particulièrement bien aiguisé. Les frontières du fantasme et de la réalité, du rêve et du cauchemar sont rompues pour démontrer toute la névrose du personnage principal : enchaîné à son travail de bureau, il ne l'est pas moins aussi de ses désirs et ses angoisses.

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Scorsese va là où on ne l'attend pas avec cette mise en scène immobile, et pour un vieux cinéaste comme lui c'est tellement admirable. Il y gagne en empathie et en sens tragique par rapport à ses précédents films de mafieux. Bon, c'est pas non plus lyrique comme Leone, mais le dernier plan est d'une tristesse sans nom...

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Scorsese explore une veine plus réaliste de son cinéma, et comme la plupart du temps avec ce cinéaste caméléon, il adapte parfaitement sa mise en scène à ses nouvelles intentions. Portrait à charge contre le patriarcat, road-movie typique du Nouvel Hollywood, ce n'est finalement qu'avec ses mouvements de caméra virtuose qu'on reconnaît la patte de Scorsese, et ce n'est pas plus mal. Beaucoup repose sur la superbe interprétations des acteurs, le reste sur l'écriture du personnage d'Alice, malmenée entre ses amants foireux, son fils bien trop intelligent pour son âge et sa condition sociale très précaire. Loin de la victimiser, le cinéaste la rend à chaque étape plus forte et plus déterminée.

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C'est foutrement tape-à-l’œil et parfois à la limite du kitsch, inutile de le nier. Il y a un gros manque d'écriture et de présence de certains personnages, en particulier le meilleur pote du héros, inutile de le nier aussi. Pourtant, tout cela n'occulte pas la force d'une fresque qui est peut-être la plus ambitieuse de Scorsese. Ce n'est pas étonnant qu'il ai voulu en faire une trilogie. En revenant sur l'épisode le plus violent de l'histoire de New-York au XIXème (JC Chandor a d'ailleurs fait pareil pour le XXème dans "A Most Violent Year) Scorsese veut trouver l'origine des pulsions de mort de l'Amérique. La figure du boucher est dans cette logique très marquante. Certes, il donne des représentations exagérées, mais le cinéaste a toujours préféré le mythe à la réalité. Et là, en terme de mythe nietzschéen sur la volonté de puissance et la haine de l'altérité, ça se pose là. Un peu de plus et Scorsese faisait son western !

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Encore un film improbable et étonnant par rapport au style habituel de Scorsese : il faut définitivement très peu le connaître pour lui reprocher de faire toujours la même chose. Ici, il est très viscontien et rappelle aussi James Ivory dans ce portrait intensément romantique de l’aristocratie new-yorkaise du XIXème. Certes, le programme narratif est entièrement convenu, au bout de 20 minutes il est aisé d’anticiper les deux heures qui vont suivre. Mais l’intérêt n’est pas là : film le plus pictural du cinéaste « Le Temps de l’innocence » est d’une beauté de chaque instant, non pas pour une fois dans les mouvements de caméras mais dans la contemplation lascive et enivrante du plan fixe. Le triangle amoureux qui se tisse trouve alors tout mon attachement, même si encore une fois toutes les postures sont archi-revues. Scorsese trouve finalement des limites dans un formalisme qui ne s’aventure pas très loin dans sa critique sociale marquée par cette débauche de somptuosité, ces plats à n’en plus finir et ces rapports sociaux viciés. Il n’atteint pas « Le Guépard » dans ce domaine, tout comme dans le thème du désir perpétuellement inassouvi il ne parvient pas non plus au sommet de « Mort à Venise ». Pas de quoi bouder néanmoins une réalisation somptueuse, une narration parfois un peu longuette mais emportée par une voix-off sublime, et surtout une ardeur mélodramatique sans concession.

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En terme de dispositif formel, Scorsese a mis les petits plats dans le grand pour filmer ce concert des Stones, tant les mouvements de caméra et le montage sont souvent virtuoses. La première partie du film en noir et blanc est aussi très drôle sur la préparation du concert où Marty pratique avec malice l'autodérision. Les morceaux s'enchaînent ensuite avec fluidité malgré quelques longueurs. Mick Jagger pète toujours la forme et c'est bien lui qui mène la danse en gesticulant dans tous les sens, tandis que Keith Richards est bien plus stoïque. Seulement, j'aurais préféré qu'il réalise ce film dans les années 70, comme le confirme les quelques images d'archives qui rythment les morceaux de ce concert de 2008. Les Stones aujourd'hui ne sont pas des vieux croûtons, mais renvoient irrémédiablement à ce qu'ils étaient il y a des décennies. D'où la légère frustration.