Les meilleurs films sur la musique selon abscondita

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« La musique que je suis censé jouer avait été composée avant même le début du tournage. Je l'ai écoutée en totalité, puis j'ai travaillé dessus, encore et encore. C'est une musique remarquable. L'orchestre de jazz est lui aussi phénoménal. Ce son dixieland-ragtime… Giuseppe (Tornatore) aimait que nous tournions les scènes sans dialogues au son de la musique du film. Cela aide à mieux sentir l'atmosphère. » (Tim Roth)

« Mes relations avec Ennio Morricone, sur le plan professionnel comme sur le plan amical, sont telles qu'il ne me serait jamais venu à l'idée de faire ce film avec un autre musicien. Cela fait déjà quelques temps que j'ai pris l'habitude, lorsque je pense à un nouveau projet de film, d'en parler d'abord avec Ennio. Je l'ai même fait pour des films qui, en fin de compte, n'ont jamais vu le jour. Il a composé des musiques pour des films que je n'ai jamais faits et que je ne ferai sans doute jamais ! » (G. Tornatore)

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Superbes séquences de musique classique indienne envoûtantes.

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Sentir ce que ressentait Ray...
Pour se glisser dans la peau de Ray Charles de manière confondante, l'acteur Jamie Foxx (L'Enfer du dimanche, Collateral) dut s'approprier la gestuelle très particulière de l'artiste, s'imprégner de soul, de jazz et de blues et, surtout, se "familiariser" avec la cécité de l'artiste. Pour ce faire, il se força, tous les jours du tournage, à garder les yeux clos douze heures de suite, de manière à éprouver toutes les sensations d'un aveugle. Il suivit également des cours à l'Institut Braille. Il raconte : "Au départ, ce fut une source d'intense frustration et même de colère. Puis, j'ai constaté que cela renforçait ma sensibilité acoustique et me faisait percevoir quantité de sons qui échappent au commun des mortels. Le but n'était pas d'imiter Ray Charles, mais de capter, par touches successives, une petite part de sa personnalité, jusqu'à ce que tout le côté physique de l'interprétation soit en place."

Jamie Foxx facilita le choix de la production, puisqu'il pratique le piano depuis l'âge de trois ans, ayant même dirigé une petite formation dans son église texane. Il eut la confirmation que ses aptitudes au piano étaient correctes pour le rôle lorsque Ray Charles lui-même l'invita à jouer en duo un morceau de Thelonious Monk et qu'il applaudit sa performance !

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Ryan Gosling a appris tous les morceaux de piano joués dans La La Land et a pris des leçons six jours sur sept, deux heures par jour. C'est donc lui qui joue dans le film, sans doublure. "Le travail qu'il a accompli pour apprendre à jouer du piano est tout simplement insensé", confie Justin Hurwitz. "Je ne m'en remets pas. Son investissement dans ses cours de piano – sans même parler de son travail d'acteur et de son entraînement au chant et à la danse – est renversant. C'était l'une des plus belles surprises du film de constater les prouesses qu'il a su accomplir". Le producteur exécutif musical Marius de Vries confirme : "Je n'ai jamais rien vu de tel ! D'ailleurs, on n'a jamais utilisé de doublure pour les gros plans sur les mains de Sebastian quand il est au piano. Ce sont celles de Ryan".

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Quand Baz Luhrmann est parti en quête de l’interprète d’Elvis, il avait entendu parler d’Austin Butler parce qu’il s’était fait remarquer à Broadway dans Le marchand de glace est passé, aux côtés de Denzel Washington. Ce dernier a même appelé le réalisateur pour lui chanter les louanges du comédien : « J’ai ensuite reçu un appel de Denzel, que je ne connaissais pas, pour me dire à quel point ce jeune homme avait une éthique professionnelle qu’il n’avait encore jamais vue. Il a passé de nombreux essais caméra et participé à des ateliers de musique et d’art dramatique et, à l’issue de cette longue préparation, j’ai su sans le moindre doute que j’avais trouvé un acteur capable d’incarner l’esprit de l’une des plus grandes légendes du rock ».

Les chansons de la période antérieure aux années 60 sont interprétées par Austin Butler et parfois par un mélange entre sa voix et celle d’Elvis. Pour la deuxième partie de la carrière d’Elvis, avec ses concerts gigantesques, l’équipe a utilisé les propres enregistrements de Presley.

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Damien Chazelle envisageait, avant de se lancer dans le cinéma, de devenir batteur de jazz professionnel. Le réalisateur raconte ainsi avoir vécu des années compliquées au Conservatoire et a, avec Whiplash, cherché à retranscrire ses expériences à l’écran de la manière la plus réaliste possible. Il se rappelle : "Il existe beaucoup de films sur la joie que procure la musique. Mais en tant que jeune batteur d’un orchestre de jazz dans un conservatoire, je ressentais bien plus souvent de la peur. La peur de rater une mesure, de perdre le tempo. Et surtout, la peur de mon chef d’orchestre."
Damien Chazelle s'est par ailleurs inspiré, pour le personnage interprété par J.K. Simmons, de son instructeur de groupe de jazz dans lequel il jouait lorsqu'il était au lycée.
Bien que Miles Teller soit batteur depuis ses quinze ans, il a dû prendre des cours à raison de quatre heures par jour, trois fois par semaine, pour parfaire sa technique. Malgré cela, il n'a réalisé "que" 70% des prestations du film, le reste ayant été doublé par son professeur. Comme son personnage, la performance du jeune comédien lui a provoqué des saignements et nombreuses cloques...

Damien Chazelle a lui-même été batteur dans un conservatoire de jazz durant quatre ans, avant de se consacrer au cinéma.

Damien Chazelle confie s'être inspiré des films de guerre ou de gangsters pour l'écriture du scénario de Whiplash, bien que ce soit un milieu musical que le long métrage dépeint. Le réalisateur confie : "Avec Whiplash, je voulais réaliser un film dans lequel les instruments de musique remplacent les armes à feu et où l’action ne se déroule pas sur un champ de bataille, mais dans une salle de répétition ou sur une scène de concert."

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Après l'oscarisé Once en 2007 et New York Melody en 2014, qui mettait en scène Keira Knightley et Mark Ruffalo tous deux éprouvés par le monde de la musique new-yorkais, John Carney fait avec Sing Street une nouvelle incursion dans le film musical. Pour ce nouveau film, le réalisateur avait toutefois envie de s'impliquer de manière plus personnelle : "Je ne voulais pas tourner un film musical sans raison valable", confie-t-il. "Je voulais raconter un épisode de ma vie suffisamment intéressant pour que j’aie envie d’en parler. Et je souhaitais que cette histoire soit sincère et personnelle".

Pour composer la musique de Sing Street, John Carney a contacté le musicien écossais Gary Clark, connu au Royaume-Uni pour son groupe Danny Wilson, emblématique des années 1980, et particulièrement la chanson Mary's Prayer. Ce groupe a marqué la jeunesse du réalisateur. Les musiciens de studio qui l'accompagnaient lors de l'enregistrement des chansons, parmi les meilleurs du pays, ont dû composer avec des consignes plutôt rares : "On leur a demandé d’atténuer la qualité de leur travail afin qu’on croie vraiment qu’il s’agit d’une bande d’ados et non pas des meilleurs musiciens de studio du pays. Cela concernait surtout les chansons qu’on entend au début du film. Ils font une reprise de Rio de Duran Duran et il était essentiel que l’enregistrement se passe mal. On était dans le studio et John répétait : "Non, c’est trop parfait. Soyez moins bons. Accélérez le rythme ou jouez faux !" C’était assez difficile d’amener ces formidables musiciens à un niveau vraisemblable pour des jeunes qui sont de grands débutants".

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Par souci de réalisme, le réalisateur Alan Parker ne voulait pas engager des acteurs n'ayant aucune connaissance en musique et qu'il aurait fallu doubler en postsynchronisation pour les séquences de chant ou des instruments. Aussi, la préproduction a été plus longue, car, tout comme dans le film, il a fallu trouver avant tout des musiciens qui devaient avoir également des compétences d'acteurs. Après des auditions aussi longues que fatigantes, près de 3 000 candidats sont auditionnés par le réalisateur.
Ainsi, il s'entoure de musiciens professionnels dont Glen Hansard (que l'on retrouve beaucoup plus tard dans le film musical Once en compagnie de Marketa Irglova), et tous les acteurs musiciens du film jouent véritablement lors des séquences de concerts.

On peut noter également la présence d'Andrea Corr (Sharon Rabbitte), Jim Corr (un membre du groupe), Caroline Corr (figurante non créditée) et Sharon Corr (non créditée) qui ne sont autre que le groupe familial irlandais The Corrs.

Comme la plupart des acteurs étaient des amateurs et que les musiciens jouaient constamment en live, le montage a été compliqué. Le réalisateur Alan Parker raconte qu'« il y avait constamment des bruits de fond: des dialogues qui se superposaient et des répliques improvisées qui s'entremêlaient avec les répliques du scénario. (...) Il s'agissait d'un travail de groupe avec des acteurs pour la plupart inexpérimentés, et nous devions filmer la musique en direct et l'incorporer au jeu des acteurs, avec parfois dix acteurs dans le champ en même temps ! »

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Inside Llewyn Davis est très largement inspiré de la vie du chanteur Dave Van Ronk. Chanteur de folk à New-York, le personnage de Llewyn a aussi vécu au sein de la classe ouvrière et navigué entre sa passion et un travail dans la marine marchande. On retrouve d'ailleurs dans le film quelques titres du célèbre chanteur de la scène musicale du Greenwich Village.

La pochette du Vinyle de Llewyn Davis dans le film reprend celle de l'album de Dave Van Ronk, "Inside Dave Van Ronk" aux détails près que le personnage prenant la pose n'est plus le chanteur Van Ronk mais le comédien Oscar Isaac et que le titre de l'album devient "Inside Llewyn Davis".

C’est Oscar Isaac qui interprète les chansons du film. S'il est connu pour son travail en tant qu'acteur, le Guatémalien chantait et jouait de la guitare dans son groupe The Blinking Underdogs avant de se faire repérer sur grand écran.

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Elton John a accordé au producteur musical Giles Martin une liberté totale pour réinterpréter ses morceaux, à la grande surprise de Martin : "Pour certains, ces chansons sont si mythiques qu'elles sont presque des objets sacrés. Mais on n'a pas fait de changements de manière gratuite. Et le plus génial chez Elton, c'est qu'on a affaire à un pur artiste. Il est heureux qu'on donne une nouvelle ampleur à ses créations".

S'il n'avait pas eu l'occasion de montrer ses talents de chanteur auparavant, Taron Egerton était pourtant prédestiné à jouer Elton John puisqu'il avait interprété Your Song pour son audition à la Royal Academy of Dramatic Arts. Le comédien s'est entraîné au chant et au piano pendant cinq mois pour se préparer au rôle. Les chansons d'Elton John ont été réenregistrées avec sa voix dans le mythique studio Abbey Road à Londres. John lui a fait pleinement confiance en le laissant réinterpréter ses tubes à sa manière et n'a jamais assisté à aucun enregistrement.

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Un musicien de génie tombé dans l'oubli
Peu d'informations circulent sur Don Shirley, les seuls documents à disposition étant les livrets de ses albums qu'il écrivait lui-même. Si certains détails de son parcours sont contradictoires, il aurait intégré le Conservatoire Rimski-Korsakov de Saint-Pétersbourg à l’âge de 9 ans et donné son premier concert avec l’orchestre Boston Pops à 18 ans avant d’obtenir plusieurs doctorats et d’apprendre à parler plusieurs langues. Son premier album, Tonal Expressions, sort en 1955 et Stravinsky, pianiste légendaire contemporain, disait de lui que "sa virtuosité est digne des dieux".
S'il se destinait à une carrière dans le classique, Don Shirley est malheureusement dissuadé à l'époque par les dirigeants de l'industrie du disque qui pensaient qu'il aurait du mal à se faire accepter auprès du public blanc. Mahershala Ali qui l'incarne à l'écran commente : "Il a intégré des inspirations classiques à ce qui était alors considéré comme la 'musique noire', ce qui est remarquable, mais je pense que c’est également quelque chose qui lui a causé beaucoup de peine".

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Jersey Boys est l'adaptation cinématographique de la comédie musicale homonyme créée en 2005 qui triompha non seulement à Broadway mais également dans le monde entier. Clint Eastwood a refusé d'utiliser des acteurs hollywoodiens pour les rôles principaux, car il voulait mettre en scène des habitués des planches. Il récupère dans cette optique John Loyd Young qui joue dès lors Frankie Valli sur scène comme à l'écran, ainsi que Donnie Kehr et Erica Piccininni.

The Four Seasons est à l'origine composé de Frank Valli et de Bob Gaudio. Rencontrés en 1958 lors d'auditions ratées, les deux chanteurs forment le groupe qui se caractérise à l'époque par un style italo-américain apporté au pop très sixties de leur musique. Ils sont vite rejoints par Tommy De Vito et Nick Massi mais ces deux derniers ne seront pas permanents dans le groupe. Parmi les morceaux qu'a retenu la postérité, on peut citer Can't take my eyes over you, Rag Doll, Sherry, Big Girls don't cry et Bye Bye Baby, tous présents dans le musical duquel le film s'adapte.

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"A moins que l'on ne considère la musique comme un langage universel, je ne conçois pas Le Violon Rouge comme un film musical. Nous avons tenu compte de plusieurs paramètres : à la fois ce qui pouvait se rapporter aux violons du point de vue technique, les anecdotes musicales, mais aussi les histoires concernant des instruments volés. C'est stimulant de travailler sur différentes époques et diverses cultures ; cela offre une foule de possibilités aux décorateurs ; mais c'est également très contraignant en ce qui concerne la fidélité historique. Nous avons effectué de nombreuses recherches qui auraient pu durer indéfiniment. Mais il arrive un moment où vous devez faire la part des choses et réussir à raconter l'histoire." (François Girard)

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Joaquin Phoenix et Reese Witherspoon ont interprété eux-mêmes les chansons du film. Le comédien, qui prête ses traits à Johnny Cash, a d'ailleurs appris à jouer de la guitare pour ce rôle. Pour cela, les deux acteurs ont subi un "camp d'entraînement intensif au rock'n roll" qui incluait des leçons de musique, des temps individuels d'exercice et de répétition, des temps de travail en groupe avec orchestre, et des sessions d'enregistrement. Le réalisateur explique:"Les acteurs qui n'étaient pas musiciens le sont devenus, et les musiciens sont devenus des acteurs, chacun ayant l'avantage d'être soutenu et encouragé par les autres".

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Tous les comédiens de Spinal Tap sont des musiciens confirmés. La bande originale du long-métrage est d'ailleurs composée par le groupe fictif Spinal Tap.

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8 mile est un projet qui date de vingt ans. A cette époque, le producteur Brian Grazer sent dans le hip-hop les germes d'un courant d'une puissance insoupçonnée. Et très vite, il décide de s'intéresser à ce genre musical nouveau, "d'en explorer les racines, de comprendre son fonctionnement et la portée de ses textes. Et cela bien avant qu'il ne représente un marché de plusieurs milliards de dollars."
Une fois le projet mis en chantier vient le temps de trouver l'acteur idéal, capable de porter en lui toute la rage contenue dans le hip-hop. Le choix de Brian Grazer se porte alors rapidement sur la star planètaire du genre Eminem, même si leur première rencontre s'avére pour le moins tendue. "J'ai commencé à m'intéresser à Eminem il y a quelques années", confie Grazer. "Il n'était pas encore une star, mais je lui trouvais déjà un immense charisme et je pensais qu'il pourrait exploser à l'écran. Lorsque je l'ai fait venir dans mon bureau, il est resté muet comme une carpe, sans même me regarder. Au bout de quinze minutes, il a fini par rompre le silence, et s'est révélé un personnage étonnamment disert et éloquent."

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L'histoire des Choristes est inspirée de celle de La Cage aux rossignols, un film que Jean Dréville a réalisé en 1945. Le réalisateur des Choristes l'a volontiers rappelé :"Ces deux thèmes, l'enfance et la musique, (...) m'ont logiquement amené à me souvenir de La Cage aux rossignols. J'avais vu ce film à sept ou huit ans en 1970-71, sur une des deux chaînes de télévision de l'époque. Il m'avait profondément touché. (...) J'en ai surtout retenu deux choses : l'émotion que font naître les voix d'enfants et ce personnage du musicien raté qui s'efforce malgré tout de changer l'univers de ceux qui l'entourent."

Si Christophe Barratier porte une attention particulière à la musique -il a notamment composé deux thèmes pour la bande originale du film-, c'est parce qu'il a une formation de musicien. La réalisation des Choristes lui a permis d'allier son amour de la musique et sa passion du cinéma - il travaille depuis 1991 chez Galatée Films.
Christophe Barratier et Bruno Coulais ont préparé la musique en septembre 2000, soit 9 mois avant le tournage. Le compositeur en témoigne : "Les chants ont été enregistrés préalablement au tournage, repris partiellement ensuite et enfin soutenus par une orchestration complémentaire. La musique était le sujet du film. Il fallait rendre visible les progrès du choeur à travers le film et composer une musique simple et sans prétention en jouant davantage sur l'émotion que sur la recherche stylistique."

La recherche de l'interprète de Pierre Morhange a été fastidieuse. Christophe Barratier tenait en effet à ce que le comédien choisi soit également un chanteur. Le compositeur Bruno Coulais, qui l'accompagnait, raconte la découverte de Jean-Baptiste Maunier : "Ce jour-là, nous sommes à Lyon, (...) pour rendre visite aux petits Chanteurs de Saint-Marc. Alors que nous gravissons l'escalier du collège, nous parvient l'écho d'un air de Purcell dominé par une incroyable voix de soprano... Voix que nous identifions bientôt : c'est celle d'un jeune garçon de douze ans, au physique de jeune premier. (...) Ce sera lui. La chorale est excellente. Ce sera elle."

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Dès le début, Bradley Cooper et Lady Gaga se sont mis d’accord pour filmer toutes leurs performances en direct, sans avoir recours au playback. “Chanter, c’est faire preuve d’une incroyable honnêteté : impossible de cacher quoi que ce soit. Il m’a semblé que je pouvais réunir ces deux thèmes pour révéler le point de vue qui est le mien”, explique le réalisateur et acteur. Il ajoute : "Tout ce qui est chanté dans le film est en direct, rien n’a été préenregistré et je pense que c’est en cela qu’on a réussi à capter la sincérité de chaque interprétation".
Les morceaux préenregistrés étaient seulement audibles par les artistes à travers de petites oreillettes, et les membres du groupe faisaient semblant de jouer pendant que Cooper et Lady Gaga chantaient en direct.
Afin de coller au mieux à leurs prestations, le mixeur son Steve Morrow a fait en sorte d’agencer le son pour qu’on passe de façon imperceptible des coulisses au centre de la scène, à l'instar des musiciens, sans aucune rupture sonore : "Dans les films musicaux traditionnels, on a l’impression que lorsque la musique commence, on est dans un autre univers sonore, et c’est exactement ce que Bradley et Stefani voulaient éviter. Le public est de plus en plus exigeant et remarque davantage de choses. Pour moi, le pire est de ne pas pouvoir me plonger dans un film à cause d’un morceau joué en playback. Bradley ne voulait pas que les spectateurs se sentent exclus de cet univers, comme de simples témoins : il tenait à ce qu’ils se sentent partie intégrante de l’histoire".

Lukas Nelson, fils du légendaire chanteur de country Willie Nelson, a travaillé avec Bradley Cooper et Lady Gaga pour écrire et produire la plupart des chansons originales du film. C'est ainsi qu’il apparaît avec ses acolytes du groupe Promise of the Real (Anthony LoGerfo, Alberto Bof, Corey McCormick et Tato Melgar) pour camper les musiciens qui accompagnent Jackson Maine dans le film.
Cooper voulait mettre au point un style musical et une sonorité propres à Jackson Maine, et Nelson l’y a aidé : "Il admire vraiment Neil Youg et nous avons essayé de faire un mélange entre ce son et celui de Pete Townshend de The Who, afin de trouver quel [type de] guitare lui conviendrait le mieux. On a pensé à Waylon Jenkins et au groupe The Strokes. C’était totalement délibéré et et en même temps, ce n’était pas l’affaire que d’un seul détail : Bradley a travaillé très dur et a prouvé qu’il a un talent inné".

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« La musique tzigane est une musique qui crie la peur et la douleur d'un peuple qui a mal à son âme. C'est pour ça que la musique tsigane est belle. Sinon musicalement elle part dans tous les sens, c'est plein de fausses notes, les instruments sont bricolés avec n'importe quoi. Mais cette musique est un cri de douleur, de douleur ancestrale qui vient de l'âme de tout un peuple. C'est la révolte pure, rien n'est fabriqué, tout est crié. Et c'est effectivement comme ça que j'imaginais ce film » (Tony Gatlif)

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Le film se concentre sur deux périodes charnières de la vie du chanteur Brian Wilson : la première se situe dans les années 1960 et plus précisément lors de la sortie du onzième album du groupe "Pet Sounds", en 1966. Le chanteur souhaitait alors rompre avec la surf music à laquelle on le cantonnait. La seconde partie parle de son histoire avec Melinda Ledbetter, sa seconde femme, qu'il épousa en 1995.

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Pink Floyd: The Wall est un film musical réalisé en 1982 par Alan Parker, fondé sur le double album conceptuel du groupe anglais Pink Floyd.
Le film alterne séquences filmées avec des séquences animées sur un rythme rapide. Il ne comprend presque aucun dialogue, la bande-son reprenant essentiellement les musiques du groupe, certains titres étant réenregistrés pour l'occasion.