Aux origines de l'ambient

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1917

La "musique d'ameublement", concept inventé par Erik Satie, est une musique qui sert à décorer l'espace, c'est une musique d'ambiance qui meuble le quotidien et s'y incorpore. C'est du "papier peint musical", elle sert à décorer l'espace, sans que l'on s'y arrête.

Voici ce qu'Erik Satie en dit :
"Il y a tout de même à réaliser une musique d'ameublement, c'est-à-dire une musique qui ferait partie des bruits ambiants, qui en tiendrait compte, je la suppose mélodieuse, elle adoucirait le bruit des couteaux, des fourchettes, sans les dominer, sans s'imposer. Elle meublerait les silences parfois pesants entre convives. Elle leur épargnerait les banalités courantes. Elle neutraliserait en même temps les bruits de la rue qui entrent dans le jeu sans discrétion, dans les conversations. Ce serait, [...] répondre à un besoin."

Cette musique marque les débuts de la musique ambiante, Brian Eno puisera son inspiration auprès de Erik Satie au moment où il crée sa série "Ambient" en 1978. Une note incluse dans l'album Ambient1 : Music for Airports d'Eno décrira sa philosophie de l'ambient, proche de celle de la musique d'ameublement : « la musique ambient doit être capable d'accommoder tous les niveaux d'intérêt sans forcer l'auditeur à écouter ; elle doit être discrète et intéressante ».

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1920

Le Theremin, créé en 1920 par le physicien russe Termen, est l’un des tout premiers instruments électroniques. Avant lui, on a pu jouer sur des objets bizarres comme le «Telharmonium» de Thaddeus Cahill (1906), ou sur le «triode» (tube à vide) du pionnier de l’oscillateur Lee De Forest. Mais la plupart des spécialistes s’accordent pour accorder au Theremin le statut de premier instrument électronique fabriqué en grande série.

Le son du Theremin évoque la voix d’une chanteuse lyrique à la tessiture cristalline exceptionnelle. La « sensibilité » de cet instrument est très importante, ce qui fait qu’il ne produit jamais deux fois le même son, en tout cas en pratique il est quasiment impossible d’aligner deux notes à la couleur identique.

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1928

Les ondes Martenot sont un instrument de musique électronique, inventé par Maurice Martenot et présenté au public en 1928.

Ayant plus de possibilités de variations que le Theremin, il aura plus de succès auprès des compositeurs de musique savante, alors que le theremin sera plus utilisé dans la musique populaire.

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1948

À Paris, le groupe de recherche en « musique concrète » a eu pour pionnier Pierre Schaeffer. Sa conception musicale était basée sur la juxtaposition, le mixage et la transformation de toutes sortes de sons enregistrés sur disque puis, à partir de 1951, sur bande.

Le GRM sera créé en 1958 dans le but de produire et d’étudier des sons nouveaux, et naturellement, les préserver. Plus de 200 compositeurs, dont Jean-Michel Jarre, sont issus des rangs de cette institution française de pointe qui accueille aussi des musiciens étrangers, notamment le grec Iannis Xenakis dès ses débuts. Des institutions semblables verront le jour par la suite dans les principaux pays européens (Allemagne, Italie, etc.).

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1949

Pierre Henry et Pierre Schaeffer se rencontrent en 1949 et décident de travailler ensemble. Au bout de dix années productives, ne partageant plus les mêmes finalités des expérimentations sur bandes magnétiques il se séparèrent musicalement.

Il lance alors son propre home studio, financé par l’Etat, rempli d’enceintes jusqu’au plafond. Avec des pièces au titre si explicite que celui du ballet des "Variations pour une porte et un soupir" (1963), appliquant les théories de Schaeffer à la lettre, Pierre Henry fait du bruit des notes de musiques. Il joue de la porte pour en faire des « arpèges, des gammes, des trémolos et des soupirs ». Dans la lancée des éruptions révolutionnaires de 1968, Henry lance un manifeste encourageant la « destruction de toute musique ». Plus tard, il tentera de préciser sa pensée et parlera plutôt de « mettre à jour une nouvelle musique ».

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1952

L'une des œuvres les plus célèbres de John Cage est probablement 4′33″, un morceau où un(e) interprète joue en silence pendant quatre minutes et trente-trois secondes. Composée en trois mouvements devant cependant être indiqués en cours de jeu, l'œuvre a été créée par le pianiste David Tudor. L'objectif de cette pièce est l'écoute des bruits environnants dans une situation de concert.

Cette expérimentation découle de l'importance qu'accordait John Cage à la pensée de Henry David Thoreau. Ce dernier relate dans son « Journal » qu'il est plus intéressant d'écouter les sons de la nature, le son des animaux et le glissement furtif des objets animés par les éléments naturels, par le vent, que la musique préméditée par l'intention d'un compositeur.

4′33″ découle aussi de l'expérience que Cage réalise dans une chambre anéchoïque dans laquelle il s'aperçut que « le silence n'existait pas car deux sons persistent : les battements de son cœur et le son aigu de son système nerveux ». Comme le dit Yoko Ono, John Cage « considérait que le silence devenait une véritable musique ».

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1958

La Monte Young est souvent associé au mouvement de la musique minimaliste, qu'il a contribué à créer, avec notamment sa composition Trio for Strings, considérée comme l'une des œuvres fondatrices du minimalisme.

Il a également été proche dans les années 1960 de la musique expérimentale de John Cage et a collaboré avec des artistes du mouvement Fluxus. Young a contribué à créer le courant musical dit de drone, à partir de ses compositions statiques utilisant des sons de très longue durée.

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1965

Ses premières réelles œuvres datant du milieu des années 1960 sont construites sur le principe du décalage graduel de l'exécution des motifs musicaux, créant par phasage/déphasage, des sonorités nouvelles. À la suite d'un hasard technique survenu à ses magnétophones qui perdirent leur synchronicité alors qu'il enregistre le discours d'un prêcheur à San Francisco, il a l'idée de faire passer en continu deux boucles du même son, jouées simultanément au départ, puis de les accélérer progressivement l'une par rapport à l'autre. Ce procédé a pour effet de générer de nouvelles figures sonores à partir du même matériau musical.

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1969

Elle a travaillé avec Pierre Schaeffer et Pierre Henry, dont elle a été l'assistante. On la classe parfois par conséquent avec les pionniers de la musique concrète, mais sa musique a vite changé de direction.

Dès la fin des années soixante et plus particulièrement dans les années soixante-dix, elle affirme un style personnel à base de drones, de sons étirés, de très lentes et quasi imperceptibles variations. Travaillant sur la durée, avec des pièces fort longues, elle élabore une musique électronique à la fois minimale et méditative.