Concerts

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Avec son Oratorio de Noël, le jeune compositeur français Camille Saint-Saëns renoue avec la grande tradition baroque de célébrer la Nativité par une messe écrite spécialement pour les fêtes de fin d’année. Le prélude fait stylistiquement référence aux cantates de Jean-Sébastien Bach. Comme son illustre prédécesseur, qui a laissé une abondante musique sacrée, Saint-Saëns utilise des extraits de l’Ancien Testament (livres de Jérémie et d’Isaïe, psaumes) et des évangiles de Luc et Jean. Il dirige lui-même la création de l’œuvre le 24 décembre 1858 en l’église de la Madeleine à Paris.

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C'est au sein des Regensburger Domspatzen, les "moineaux” de la cathédrale de Regensburg – Ratisbonne en français – que le baryton Benjamin Appl a découvert enfant le bonheur de chanter. Fondé au Xe siècle, ce célèbre chœur de jeunes garçons est l'un des plus anciens au monde. Dans la magnifique Alte Kapelle de la ville, les "moineaux" joignent leur voix à celles du chanteur et de la soprano franco-danoise Elsa Dresig pour un récital de saison, où des chants de Noël allemands, français, anglais et suédois se mêlent à des mélodies de Mendelssohn et Peter Cornelius. En marge de cette fête musicale, le chanteur convie sa partenaire à découvrir dans sa famille quelques-unes des traditions qui accompagnent en Bavière la célébration de la Nativité.

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Pour célébrer ses 75 ans, Mischa Maisky, violoncelliste hors pair, livre une prestation à couper le souffle sous la baguette de Paavo Järvi. Il est accompagné de la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême, dans le cadre du festival de musique du Land du Schleswig-Holstein, en Allemagne. Au programme, un concentré des œuvres qui ont marqué la vie du violoncelliste : les "Variations sur un thème rococo" et le "Nocturne opus 19 n°4", de Tchaïkovski ; le "Kol Nidrei" de Max Bruch, initialement nommé "Adagio sur deux mélodies hébraïques pour violoncelle et orchestre avec harpe op. 47".

La pianiste Martha Argerich et la violoniste Janine Jansen, ses amies de longue date, sont à ses côtés pour l'occasion. Un concert d'anniversaire à l'image de son interprète, attaché – outre la performance technique – à transmettre l'émotion la plus pure possible à son public.

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Scott Hamilton se découvre une passion pour le jazz pendant sa tendre enfance en fouillant dans la vaste collection de disques de son père. Parallèlement, il teste plusieurs instruments et découvre à 16 ans le saxophone ténor, et le coup de foudre est immédiat. Son voyage musical débute dans les années 70 : délaissant le jazz fusion en vogue à l’époque, il se démarque par son approche traditionnelle du swing, inspiré par des figures comme Ben Webster et Zoot Sims. Rapidement, il côtoie sur scène des pointures du jazz comme Benny Goodman et Bucky Pizzarell. Hamilton publie plus de 35 albums sous le label Concord et s’impose comme l’un des meilleurs saxophonistes du jazz mainstream. Pour le musicien de jazz Chris Hopkins, Hamilton est un artiste « de classe absolue » dont la musique est d’une « beauté inégalable ».

Le septuagénaire, qui vit désormais en toscane, revient sur scène à l'Elbjazz pour faire vibrer son public sur des notes douces et nostalgiques avec du swing new-yorkais des années 40.

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Rocket Men invite le public à un "périple musical à travers le cosmos“, un voyage en apesanteur dans un univers empli de sonorités singulières. En plus des traditionnels trompette et saxophone, Rocket Men élargit la palette d’une formation de jazz en y intégrant des instruments propres au rock, alliés à des mélodies et des lignes de basse au synthé.

"Weightless“, le premier album du groupe sorti en 2016, a été suivi par deux autres opus : "Tanz auf dem Mars“ (2017) et "Twerk & Travel in Space“ (2018), qui révèlent sans ambiguïté la volonté de Rocket Men de faire danser le public. Pari tenu grâce à une fusion de sonorités qui invite autant à se déhancher qu’à s’élever dans les airs.

Rocket Men est connu pour ses performances scéniques telluriques et intergalactiques. Leur musique entraînante fait fi de la gravité et propulse l’auditoire dans une autre dimension.

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Les membres du trio canadien BadBadNotGood se sont rencontrés alors qu’ils étudiaient le jazz à Toronto. À l’étroit dans ce cursus très conventionnel, Matthew Tavares, Chester Hansen et Alexander Sowinski se mettent alors à peaufiner leurs propres relectures jazz de titres d’Odd Future, A Tribe Called Quest et Kanye West. Fusion de jazz traditionnel et de hip-hop, leurs irrésistibles reprises instrumentales attirent rapidement l’attention et donnent lieu à des collaborations avec Frank Ocean, Tyler the Creator et Ghostface Killah. BBNG produira ensuite Kendrick Lamar, avec un Grammy à la clé.

Après un premier album encore exclusivement composé de reprises, le groupe écrit désormais ses propres morceaux. Le trio classique des débuts – piano, basse et percussions – s’est transformé en quartet avec le concours d’un saxophoniste multi-instrumentiste.

Synthpop, jazz fusion, post-rock, soul ou frasques électroniques, les musiciens de BadBadNotGood élargissent constamment leur palette sonore, démontrant avec maestria que tous les genres sont dans leur nature. Portés par une technique irréprochable et une aisance sans pareil à passer du hip-hop instrumental aux improvisations jazz endiablées, leurs lives sont une expérience incomparable.

Filmé le 8 juin 2024

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Moses Yoofee Trio… le nom désigne à la fois le dernier projet en date et la formation du génial pianiste et producteur Moses Yoofee. À tout juste 24 ans, Moses Yoofee était déjà le directeur musical du groupe de Peter Fox. Avec ses comparses, il lui arrive de se produire en concert ou en studio aux côtés d’autres pointures comme Drangsal et Materia. Et le trio en a encore sous le capot.

Leur premier mini-album intitulé Ocean sort en 2023. Le Moses Yoofee Trio ne cesse de gagner en popularité, il a même décroché un Deutscher Jazzpreis dans la catégorie "Live-Act 2024".

Mieux encore ! Pour se faire connaître à l’international, le trio publie de brefs extraits de ses futurs albums sur les réseaux sociaux. Résultat, plus de 20 000 followers supplémentaires, et Kamaal Williams, Gilles Peterson et Navy Blue qui frappent à leur porte. Grâce à ses sonorités uniques en leur genre et sa forte présence scénique, le Moses Yoofee Trio est en passe de devenir une figure de proue du jazz contemporain.

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Find Your Flame, le quatrième album du groupe londonien Nubiyan Twist paru en 2024, combine soul, jazz et beats électro sur des titres imparables.

En 2011, des étudiants du conservatoire de musique de Leeds en Angleterre décident de fonder un groupe. Par la suite, le collectif de neuf musiciens s'installe à Londres et publie en 2015 un premier album éponyme qui le fait connaître sur la scène british grâce à ses morceaux entraînants. Après avoir assuré la première partie de Robert Glasper, De La Soul, Quantic, le groupe sort en 2019 son deuxième album Jungle Run chez le label Strut Records.

Strut Records publie leur album suivant, Freedom Fables (2021), qui intègre la playlist Heavy Rotation de BBC 6. Cette radio diffuse également leurs sessions live avec les pointures Jamie Cullum et Mary Anne Hobbs. Et c’est avec Jools Holland que Nubiyan Twist débute à la télévision.

Le leader Tom Excell (production, percussions, guitare) assure la cohésion du collectif qui se compose de plusieurs percussionnistes et cuivres, en plus de Tom Excell et des deux chanteurs principaux Pilo Adami et Nick Richards. Nubiyan Twist crée des morceaux basés sur des rythmes d’afrobeat qui puisent dans le funk, la soul et le dub.

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Chopin a tout juste vingt ans lorsqu’il compose son Concerto pour piano n° 2. Les premières interprétations de cette œuvre se font dans un contexte tendu, à quelques mois de l’Insurrection de Novembre. Elle est ainsi l’une des dernières œuvres polonaises de Chopin, avant son départ définitif pour la France. Qui de mieux que le prodige du piano Alexandre Kantorow (à l’aube de ses 27 ans lorsqu’il participe à ce concert) pour interpréter cette saisissante œuvre de jeunesse ?

Les Roméo et Juliette de Prokofiev rythment la deuxième partie de ce concert. L’artiste russe s’inspire de l’oeuvre mythique de Shakespeare pour composer une sublime musique de ballet. Si pour Chopin son Concerto pour piano n° 2 coïncide avec l’exil, Roméo et Juliette est associé dans la vie de Prokoviev à un retour aux sources : il compose en effet cette œuvre dans la foulée de son retour en URSS en 1933.

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Avec Anouch, André Manoukian rend un vibrant hommage à sa grand-mère, survivante du génocide arménien. Ce projet éminemment personnel - trait d’union entre musique classique, jazz et traditions du Caucase - a donné corps à un album éponyme publié en 2022 sur le label PIAS.

C’est avec sa malice et sa générosité légendaires qu’André Manoukian délivre Anouch dans une configuration live, à l’occasion de son passage au festival Jazz sous les Pommiers. Toute la richesse musicale d’Anouch s’y déploie grâce au talent du pianiste bien sûr, mais aussi celui de Rostom Khachikian (duduk), Guillaume Latil (violoncelle) et Mosin Kawa (tablas). Aux notes de ce quartet s’ajoutent les voix de la chanteuse grecque Dafné Kritharas et du chœur Balkanes, spécialisé dans les polyphonies bulgares a capella.

A Coutances, André Manoukian fait ainsi rimer Normandie et Arménie.

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arisienne d’origine syrienne, Naïssam Jalal n’a jamais oublié ses racines. A l’âge de 19 ans, elle se rend d’ailleurs à Damas pour être initiée au nay, puis en Egypte où elle étudie auprès du maître violoniste Abdu Dagher. A son retour en France en 2006, elle collabore avec de nombreux artistes et expérimente de multiples styles : du jazz contemporain à l’afrobeat en passant par le rap et le tango.

Naïssam Jalal souligne encore une fois son statut d’artiste voyageuse avec Landscapes of Eternity. Pour donner corps à ce projet, la musicienne s’est rendue dans le Nord de l’Inde pour mieux s’imprégner de ses traditions musicales centenaires. Sillonnant ce territoire immense en train, bus de campagne ou encore rickshaw, Naïssam Jalal s’est nourrie de rencontres et de collaborations avec des maîtres de ce répertoire. Ainsi est né un répertoire nouveau, point de contact entre l’univers du jazz et celui de la musique hindoustani.

Pour mieux faire voyager Jazz sous les Pommiers, Naïssam Jalal est ici entourée d’artistes asiatiques et occidentaux : Debasmita Bhattacharya (sarod), Leonardo Montana (piano), Flo Comment (tanpura), Anuja Borude (pakhawaj) et Zaza Desiderio (batterie). Une association inédite d'instruments qui souligne toute l'inventivité mélodique et harmonique de la musicienne.

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Originaire de La Havane, Harold López-Nussa est de ceux qui comptent en matière de jazz cubain. Après tout, tout le monde ne peut pas se targuer d’avoir remporté le concours de piano du Montreux Jazz Festival (lui, c’était en 2005) ! Pétri de latin jazz, l’artiste n’hésite pourtant pas à intégrer à son répertoire personnel des sonorités nouvelles pour mieux (se) surprendre.

Si Harold López-Nussa est né à Cuba, c’est en France qu’il a décidé de faire sa vie. Ce changement d’univers lui a inspiré l’album Timba a la Americana, publié chez l’incontournable label de jazz Blue Note et conçu en collaboration avec Michael League des Snarky Puppy.

Pour ce concert à Jazz sous les Pommiers, Harold López-Nussa est flanqué de Luques Curtis à la contrebasse, de Ruy Adrian López-Nussa à la batterie et de Grégoire Maret à l’harmonica. Un quatuor de rêve, qui transporterait presque le public de Jazz sous les Pommiers à La Havane.

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Les Kantorow, père et fils, sont réunis sur la scène du Métropole de Lausanne pour interpréter l’une des pépites du répertoire du XIXe siècle : Alexandre Kantorow joue, sous la baguette de son père Jean-Jacques et en compagnie de l'Orchestre de Chambre de Lausanne, le deuxième concerto pour piano de Johannes Brahms.

1878, c’est l’année où Johannes Brahms s’attelle à la composition d’un deuxième concerto pour piano, projet longtemps repoussé. S’il débute avec énergie, il faudra au musicien près de trois ans d’intense labeur pour mener à bien sa partition. L’œuvre ne sera ainsi créée qu’en novembre 1881 à Budapest, le compositeur jouant alors la partie de piano. Contrairement au premier qui – plus de vingt ans auparavant – avait interloqué les spectateurs, saisis par sa véhémence tragique, ce second ouvrage est reçu avec un vif enthousiasme par le public hongrois. La pièce trouve rapidement les faveurs des mélomanes et le succès permet à Brahms de redonner immédiatement le concerto dans plusieurs villes importantes, en Allemagne, en Suisse et en Autriche.

En quatre vastes mouvements, ce concerto est l’un des plus grands de Brahms, par sa qualité musicale évidemment mais, plus prosaïquement et au sens propre, par ses dimensions. D’une durée approchant l’heure, il se révèle proprement monumental. C’est le cor – instrument romantique par excellence – qui ouvre la partition, avec un lumineux et poétique appel ascendant, que ponctuent de délicats arpèges du piano, en écho. L’orchestre entre ensuite, reprenant le tendre motif des cors que le soliste interrompt par une cadence inattendue et virtuose, d’allure quelque peu frénétique. Ces mesures inaugurales donnent le ton : le premier mouvement oscillera sans cesse entre douceur et élan, entre intimité et éclat – mais, toujours, avec équilibre. Le deuxième mouvement – "un tout petit, petit scherzo", dira Brahms – est en réalité le plus tumultueux et le plus sombre des quatre mouvements. Le mouvement lent – Andante – prend l’allure méditative et douce d’un nocturne orchestral et tire toute sa matière de la merveilleuse phrase introductive attribuée au violoncelle solo. Ce motif, ensuite repris par les violons puis amplifié par le piano, gouverne tout et suspend momentanément le cours ordinaire du temps. Enfin, après ce repli rêveur, le rondo conclusif – Allegretto grazioso – croise deux thèmes, l’un vigoureux et dansant, l’autre langoureux, teinté de ces couleurs tziganes chères au compositeur.

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Alors que Chopin passe d’ordinaire pour un grand mélancolique, Bruce Liu le considère plutôt comme un fêtard invétéré. Une vision du compositeur qui transparaît dans les deux œuvres que le pianiste interprète lors de ce concert.

Né à Paris en 1987 de parents chinois, Liu vit aujourd’hui à Montréal. S’il a pris part à maintes compétitions dès le plus jeune âge, c’est sa victoire au concours Chopin qui va définitivement lancer sa carrière en 2021. Une distinction qui l’inscrit dans la lignée d’illustres prédécesseurs tels que Krystian Zimerman ou Martha Argerich. Bruce Liu n’utilise pratiquement pas les pédales de son instrument, mais ses doigts sur les touches forment chaque son, chaque nuance, avec une incomparable finesse. Des ornements cristallins subliment une basse implacable et les notes s’envolent avec une incroyable légèreté, frôlant la perfection. Sa passion du détail et son côté caméléon forcent l’admiration : Bruce Liu ne cesse d’évoluer entre de multiples couleurs, registres et émotions. Le programme de ce concert souligne la diversité des modes d’expression des compositeurs et emporte le public dans des univers plus ou moins changeants, aux accents tantôt lyriques, tantôt dramatiques.

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Difficile de passer à côté de l’oratorio Le Messie de Haendel tant cette œuvre a été jouée depuis sa création en 1741. Nombreux sont ceux qui, d’ailleurs, connaissent le thème "Hallelujah" sans le savoir.

Écrit en seulement trois semaines, Le Messie de Haendel met en musique le destin du Christ tout en subtilités symphoniques et chœurs somptueux. Une vaste fresque interprétée au Festival de Pâques d’Aix-en-Provence, pour les amoureux de musique classique et qui offre le matériau idéal au Chœur accentus et à l'Insula Orchestra. Ils subliment ici quatre solistes d’exception, sous la direction musicale de Laurence Equilbey, qui, très attaché à l’esthétique historique sonore de l’œuvre, lui insuffle énergie et mordant.

Le ténor anglais Stuart Jackson, en sa qualité de conteur musical, se charge d’introduire l'oratorio, suivi de la basse américaine Alex Rosen. Le contre-ténor polonais Jakub Jozef Orlinski et la soprano française Sandrine Piau complètent avec maîtrise ce bouquet international de solistes.

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Le cycle des répons était chanté pendant l'Office des Ténèbres, la cérémonie liturgique de la Semaine Sainte qui illuminait les églises les mercredi, jeudi et vendredi saints. De nombreux compositeurs se sont emparés de cette liturgie. Ce fut le cas aussi de Tomás Luis de Victoria (1548-1611), l'un des plus célèbres compositeurs de musique sacrée de la fin de la Renaissance. Le répertoire du compositeur espagnol, qui a aussi été prêtre, chef de chœur et organiste, est exclusivement religieux, et la musique qu’il a composée pour le cycle des répons est reconnue comme l'un des grands exemples de la polyphonie espagnole de la Renaissance.

Pendant l’Office des Ténèbres, seuls quinze cierges représentant les onze apôtres, les trois Marie et Jésus-Christ éclairaient les églises, et ils étaient successivement éteints après chaque psaume. À la fin, seul le cierge principal restait allumé, rappelant la mort du Rédempteur. L'ensemble Cantoría reprend ce rite et le remet au goût du jour. Tout au long du concert, au fil des motets et des plains-chants, les bougies s'éteignent plongeant la basilique San Miguel quasi dans l’obscurité. De quoi se laisser porter…

Filmé le 1e avril 2024

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Le concert débute avec l’ouverture de La Fiancée vendue (Prodaná nevěsta). Elle est suivie par une sélection d’airs, de duos, d’ensembles, de préludes et d’interludes instrumentaux tirés des plus belles compositions de Smetana. Parmi celles-ci figure La Fiancée vendue, sans doute le plus célèbre opéra tchèque, joué partout à travers le monde. Des extraits d’autres œuvres, comme Libuše ou Le Baiser, résonneront également dans la salle du Théâtre national.

Pour célébrer cet illustre anniversaire, quatre chefs d’orchestre se relaient au pupitre. Robert Jindra, directeur de l’Opéra du Théâtre national de Prague, a convié trois confrères mondialement reconnus : Tomáš Netopil, directeur musical du Théâtre Aalto d’Essen, Rastislav Štúr, ancien directeur musical du Théâtre national de Slovaquie, et Jiří Rožeň, qui a fait ses débuts aux États-Unis au sein du Seattle Symphony Orchestra en 2023.

Bedřich Smetana, né Friedrich Smetana, voit le jour le 2 mars 1824 à Litomyšl, en Bohême. Dès l’âge de 4 ans, il prend des cours de violon et de piano. Plus tard, il se lance dans des études de piano et de composition. Toutefois, sa carrière professionnelle ne débute qu’en 1866, lorsqu’il est nommé premier chef d’orchestre du Théâtre provisoire de Prague, futur Théâtre national tchèque. En 1868, Bedřich Smetana marque l’histoire de ce lieu avec la première représentation de son opéra Dalibor, avant d’inaugurer le Théâtre national en 1881 avec son opéra solennel Libuše. Depuis, on considère cet édifice de style néo-Renaissance comme un édifice phare de la Prague du XIXe siècle. Le Théâtre national est ainsi devenu un monument emblématique de la culture tchèque et fait figure de contrepoids symbolique au château de Prague.

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Depuis ses débuts en 2009 au festival Young Euro Classic, l’orchestre des jeunes MIAGI est connu pour ses prestations inoubliables qui dénoncent en creux les inégalités liées à l’origine ethnique. En été 2024, MIAGI se produit à Berlin avec un groupe de jazz, le saxophoniste Anders Paulsson et un ensemble de percussions. Sous la direction de David Panzl, 60 musiciens présentent des œuvres de compositeurs européens, américains et sud-africains.

Pendant deux semaines et demie, les meilleurs orchestres de jeunes du monde entier interprètent au Young Euro Classic un répertoire classique européen ainsi que des musiques nouvelles de leurs pays d’origine. Depuis la création du festival berlinois en 2000, le succès ne se dément pas : 178 orchestres venus de 59 nations, 260 chefs de renom, 26 544 jeunes instrumentistes, un Prix européen de composition décerné à 24 reprises et 172 nouvelles œuvres à la clé.

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Programme :

Sergueï Prokofiev - Symphonie n° 1 en ré majeur, op. 25 (1916-1917)

Robert Schumann - Concerto pour violoncelle et orchestre en la mineur op. 129 (1850)
Felix Mendelssohn - Symphonie n° 4 en la majeur op. 90 (1833)

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Né en 1945 à Tbilissi, Elisabeth Leonskaja est considérée comme l’une des plus grandes pianistes du monde. Tout au long de son époustouflante carrière, la musicienne a démontré une affinité toute particulière avec le répertoire romantique.

Pour ce concert aixois, c’est donc tout naturellement qu’Elisabeth Leonskaja interprète deux œuvres de Schubert : la Sonate pour piano en ré majeur et la Sonate pour piano en si bémol majeur. Ces deux partitions, composées respectivement en 1825 et en 1828, brillent littéralement par leur dimension solaire, radieuse.

Programme :

Franz Schubert - Sonate pour piano en ré majeur, D. 850 "Gasteiner"
Franz Schubert - Sonate pour piano en si bémol majeur, D. 960

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Cet ensemble instrumental baroque, dirigé par Julio Caballero, est spécialisé dans la musique française du XVIIe et XVIIIe siècles. Il est reconnu par la critique comme étant l'un des meilleurs ensembles émergents. Ses interprétations nous ramènent à la musique de la cour de Louis XIV avec un traitement intensément réaliste des émotions exprimées dans la musique, rapprochant le discours religieux et les sentiments humains.

El Gran Teatro del Mundo fait vibrer la basilique de San Miguel de Madrid avec un choix d’œuvres de Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), dont les Litanies de la Vierge, représentatives du génie créatif et de la ferveur du compositeur français. L’œuvre de Charpentier compte un ensemble impressionnant de près de 400 motets religieux dont la qualité musicale et spirituelle fait aujourd’hui de lui un compositeur majeur de la musique sacrée. De son temps, il subissait l’autorité écrasante d’un certain Lully qui ne voyait pas d’un bon œil l’intérêt que Molière et Louis XIV portaient à la musique de Charpentier.

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C’est à La Havane et dans une famille de musiciens qu'Ana Carla Maza voit le jour. Très jeune, la jeune cubaine se met à la musique. Si elle commence par le piano, c’est rapidement le violoncelle qui devient son instrument de prédilection. Après un premier déménagement en Espagne, c’est à Paris qu'elle pose ses valises pour rejoindre le Conservatoire. Quelques années plus tard, la musicienne se lance dans une carrière solo et publie Solo Acoustic Concert – son premier album – en 2016.

En 2024, la discographie d’Ana Carla Maza compte quatre albums. C’est en particulier Caribe, publié en 2023, qui a motivé le passage de la Cubaine devant le public des Concerts Volants. Dans cet opus, la compositrice fait ici une nouvelle déclaration d’amour à l’Amérique latine, à sa musique et à ses figures féminines. Une œuvre à la fois très référencée et très personnelle où la musicienne passe du violoncelle seul à tout un sextet latin-jazz.

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Le pianiste Tanguy de Williencourt s’associe au Quatuor Modigliani pour interpréter le Quintette pour piano et cordes en la majeur opus 81 de Dvorák à la Folle Journée de Nantes.

Après de longues années de gestation, c’est en 1887 qu’Antonín Dvorák met un point final à son Quintette pour piano et cordes en la majeur. Le maître est alors en pleine période slave, la musique traditionnelle d’Europe centrale et de l’Est imprègne donc profondément son travail de composition.

Rêverie, puissance, mélancolie, tendresse, lyrisme… De nombreuses couleurs et émotions parcourent les quatre mouvements de ce quintette. Cette partition, écrite par un Dvorák en pleine maîtrise, est en cela l’une des plus belles œuvres pour musique de chambre du compositeur, et un incontournable du répertoire romantique.

Programme :
Antonín Dvorák - Quintette pour piano et cordes en la majeur opus 81

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Trois immenses compositeurs voient le jour en 1685 : Jean-Sébastien Bach, Domenico Scarlatti et Georg Friedrich Haendel. La pianiste Anne Queffélec célèbre ce merveilleux cru en interprétant des œuvres piochées dans le répertoire de ces trois mastodontes du répertoire baroque.

En plus de leur année de naissance Bach, Scarlatti et Haendel ont en commun un goût pour le voyage et le métissage : Bach l’Allemand s’est laissé imprégner par les styles français et italiens, Scarlatti l’Italien a largement puisé son inspiration du côté de l’Espagne et du Portugal tandis que Haendel (le plus italiens des compositeurs allemands) a profondément marqué la création musicale britannique.

C’est cette créativité bouillonnante et sans frontière emblématique du XVIIème siècle que souligne ici Anne Queffélec.

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La première partie de ce concert est consacrée à la musique baroque française. Portée par Salomé Gasselin et Corinna Metz à la viole de gambe, Jonathan Zehnder au théorbe et Emmanuel Arakelian à l’orgue, elle donne en effet à entendre des compositions de Louis Couperin, Jacques Boyvin ou encore Louis de Caix d'Hervelois.

D‘Antonio Vivaldi à Giulio de Ruvo en passant par Giulio Taglietti, le second volet du programme nous fait basculer de l’autre côté des Alpes. Un voyage en Italie permis par Hanna Salzenstein au violoncelle baroque, Thibaut Roussel au théorbe, Alberic Boullenois à la basse d’archet et Justin Taylor au clavecin.

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La Symphonie n° 9, op. 125 de Ludwig van Beethoven est incontestablement l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la musique classique. Pour célébrer le 200e anniversaire de sa création, le 7 mai 1824 au Kärntnertortheater de Vienne, ARTE a imaginé un ambitieux projet artistique. L'œuvre sera jouée le soir du mardi 7 mai 2024 simultanément à Leipzig, Paris, Milan et Vienne. Chaque concert sera capté en direct et chacun de ses quatre mouvements sera interprété par quatre prestigieuses formations musicales. Du premier au quatrième mouvement, chacun d’entre eux sera joué depuis chacune des quatre villes européennes afin d’offrir depuis les quatre lieux sa restitution intégrale. Entre chaque mouvement, Barbara Rett et Christian Merlin interviennent pour apporter des informations sur l’œuvre et les interprètes de ce concert anniversaire.

Hymne à l’entente des peuples
L’Orchestre du Gewandhaus, placé sous la direction d'Andris Nelsons, ouvre à Leipzig, avec le premier mouvement, une soirée se poursuivant avec l'Orchestre de Paris, qui, sous la baguette de Klaus Mäkelä, interprète le deuxième mouvement depuis la Philharmonie de Paris. Le troisième mouvement est dirigé par Riccardo Chailly avec l'Orchestre du théâtre de la Scala de Milan. Pour le quatrième, dont l'"Ode à la joie", qui sublime l'entente entre les peuples, est le joyau choral, ARTE retourne dans la ville de la première exécution de la Neuvième : Vienne. Quatre solistes – la soprano Rachel Willis-Sorensen, la mezzo-soprano Tanja Ariane Baumgartner, le ténor Andreas Schager et le basse Christof Fischesser – sont accompagnés par le Chœur de l’Académie de chant de Vienne, dirigé par Heinz Ferlesch, tandis que l’Orchestre symphonique de Vienne est placé sous la direction de Petr Popelka.

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Concert donné par l'orchestre philharmonique de Radio France à l'occasion de l'anniversaire des 100 ans de la naissance de Maurice Jarre

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Composées entre 1724 et 1726, ces arias particulièrement profondes et contemplatives constituent les dernières pièces que le compositeur allemand, devenu sujet anglais, a consacré à des textes rédigés dans sa langue maternelle. Ils sont signés de la plume du poète Barthold Heinrich Brockes qui, comme Haendel, avait étudié à Halle-sur-Saale, en Allemagne.

Par la beauté des textes et le charme mélodique, ces pépites du répertoire musical baroque invitent à la fois au divertissement et au recueillement méditatif. Écrites pour soprano, flûte/violon et basse continue, elles expriment, dans l'intimité la plus absolue, la présence du divin dans tout ce qui nous entoure : Deus est omnia.

La voix d'Ana Vieira Leite, l'une des jeunes sopranos les plus demandées sur la scène baroque européenne, et l'ensemble Concerto 1700 offrent une interprétation pure et cristalline de cette œuvre clé de la musique du XVIIIe siècle tirée de l'oubli au XXe siècle. Il est d’ailleurs fort probable que ces airs allemands étaient uniquement destinés à un usage privé, peut-être pour témoigner de la nostalgie de Haendel pour la terre où il était né 40 ans plus tôt.

Filmé le 16 février 2024 au festival international de musique sacrée FIAS de Madrid, Espagne.

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Chaque année, le Festival de musique du Schleswig-Holstein investit quelques lieux insolites du land le plus septentrional d’Allemagne. Des églises, granges, fermes, chantiers navals accueillent environ 200 spectacles. À Lübeck, la jeune violoncelliste Anastasia Kobekina présente "Venice", un programme italianisant très éclectique, aux côtés de l'Orchestre de chambre de Bâle.

Fondé en 1986, le Festival de musique du Schleswig-Holstein a révolutionné l’expérience festivalière en Allemagne et au-delà en invitant des pointures telles que Leonard Bernstein et Yehudi Menuhin à se produire dans des corps de fermes et des granges. Désormais, même les endroits plus reculés de cette région agricole située entre la mer du Nord et la Baltique se transforment en scènes de concert durant les mois d’été.

La violoncelliste russe Anastasia Kobekina est l’une des artistes internationales invitées à présenter "Venice", une thématique phare du festival. Adepte du foisonnement musical du XVIIIe siècle, elle étudie depuis peu le violoncelle baroque. Pour elle, Venise est bien plus qu’une ville, c’est un personnage à part entière. Les concertos pour violoncelle de Vivaldi illustrent parfaitement le côté mythique et mystérieux de la cité des Doges. Lübeck, ville portuaire surnommée "La Venise du Nord", est l’écrin idéal pour une visite imaginaire de la Sérénissime. Les variations de Niccolo Paganini sur l’air populaire napolitain "O Mamma Cara" dans "Le Carnaval de Venise" sont l’occasion pour Anastasia Kobekina de montrer l’étendue des modes de jeu au violoncelle : sons harmoniques flûtés, glissandi, démanchés effrénés, extensions à des notes plus aiguës…