Enchantement du classique - quelques classiques!

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Ce graduel date d'~1170
Dans la première partie (du début à 3 min 20 environ), on entend la voix supérieure (teneur) ou vox immensurabilis* chanter la mélodie grégorienne en longues notes tenues, tandis que les trois autres voix forment un bloc homogène, se servent de ces longues notes comme appui et chantent le texte de manière très expressive, rapide et en rythme ternaire. Interviendra ensuite le chant soliste, puis un nouvel organum assez développé (2 min 30 environ) ; vient maintenant une partie avec des valeurs plus brèves à la voix supérieure (clausules), puis un nouvel organum de 2 min 30 environ, et le chant soliste vient conclure le chant.

Comme les chants du graduel, cette pièce vocale est chantée en répons : un chanteur soliste alterne avec un autre groupe de chanteurs. À ce moment, ils sont placés sur les marches (gradus) de l’église, ce chant fait partie du graduel.

Chose étonnante, on n'entend pas encore d’accord parfait (du style do-mi-sol) en conclusion d’une partie ou à la fin de la pièce, mais souvent un accord de quinte (fa-do-fa) qui sonne creux, mais fascinant, dépaysant, unique ! Et l’unité de temps est ternaire (équivalant à une noire pointée aujourd’hui), mode rythmique parfait au Moyen Âge !

Le grand changement par rapport au chant dit « grégorien » (plus ancien) qui ne connaissait pas la pulsation régulière, l’organum de Pérotin utilise des valeurs de notes mesurées (en longues, brèves, semi-brèves…) : la musique commence donc à être divisée de manière symétrique, régulière, mathématique pourrait-on dire. L’impression d’éternité divine, d’uniformité que vous pourriez avoir vient du fait que ce chant (tout comme le chant grégorien) n’évolue pas dans le temps, il ne connaît pas de progression dramatique avec un début, un milieu et une fin et des thèmes que votre mémoire pourrait identifier.

https://www.youtube.com/watch?v=3oaRM1uDsw8

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Chantée par les templiers, ces « moines soldats » tenus aux offices qui assuraient la sécurité des lieux saints, cette antienne porte en elle les anciens chants de l’Orient chrétien, mais aussi les traditions grecques, arméniennes, coptes. Cette antienne est extraite du manuscrit du Saint-Sépulcre de Jérusalem, troisième quart du XIIe siècle.

Le texte de l’antienne Crucem tuam est centré sur la résurrection du Christ dont il est rappelé qu’il a vaincu la mort en s’étant soumis au supplice de la croix. Elle pouvait être chantée en dehors de la liturgie pour affermir la foi des chevaliers. Un chant à l’aspect martial qui cherche à fortifier l’âme des combattants avant qu’ils se mettent en ordre de bataille pour défendre la paix.

Le tempo est paisible et résolu, empreint de sobriété et de gravité ; le chant inspire le calme et l'assurance. Les voix sonnent avec fermeté et puissance pour symboliser la marche inexorable du soldat de Dieu que rien ni personne ne pourra faire reculer. Dans tous les cas, c’est la sérénité et non l’agressivité qui domine.

"Il a subi la Sainte Croix
Qui a rompu les forces du mal,
Ceint de puissance,
Il est ressuscité le troisième jour.
Alléluia.

Le Christ a été ressuscité
Et il vint à l’esprit de son peuple
Qu’il a racheté par son sang.
Alléluia.

Le Christ a été ressuscité
La pierre qu’ont rejetée les bâtisseurs
est devenue la pierre angulaire.
Alléluia"

https://www.youtube.com/watch?v=LU4rN_rDaNQ

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Le roi de Castille Alphonse X, dit le Sage, (1221-1284) a supervisé ce qui est devenu un monumental recueil de chansons monodiques du Moyen Âge occcidental. Santa Maria, strela do dia est l'une de ces 427 chansons en langue galicienne.
Composée entre 1250 et 1280, cette Cantiga est une œuvre mystique mais non destinée à la liturgie. On l’interprétait peut-être lors de fêtes en l’honneur de la Vierge, en l’accompagnant parfois de danses.
Dans le prologue à cette oeuvre, le roi Alphonse X a écrit : « L’art du troubadour exige de l’entendement et de la raison, et bien que je ne possède pas ces facultés au degré que je voudrais, j’espère que Dieu me permettra de dire un peu ce que je désire. Et ce que je désire, c’est que la Vierge fasse de moi son troubadour. »

Les quatre manuscrits des Cantigas de Santa Maria sont les plus importants recueils de chansons monodiques de la littérature médiévale en Occident. Ils sont très richement enluminés et illustrés, avec en majorité de magnifiques représentations de musiciens.
les Cantigas ne sont pas écrites en castillan, mais en galaïco-portugais. En 1293, peu de temps après la mort d’Alphonse le Sage, on a recensé quelque vingt-six artistes salariés, comprenant aussi des danseuses. De passage à la cour du roi, des troubadours ont également apporté leur contribution à ce monument de poésie et de musique riche de 427 chansons monodiques espagnoles mystiques.
Dix pourcents de ces Cantigas sont des cantiques de louange ou hymnes à la Vierge. De nombreux thèmes musicaux ont été recueillis dans les différentes provinces espagnoles et même les pays voisins (Laon, Chartres, Rocamadour, Canterburry, Soissons), certains thèmes provenant de troubadours. Une fois mélodies et récits de miracles recueillis, il ne restait plus à l’équipe de spécialistes (lettristes, miniaturistes, experts en notation musicale) qu’à fixer par écrit les Cantigas.

https://www.youtube.com/watch?v=HuPLZdfteEY

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« Étoile resplendissante » appartient au recueil du Livre vermeil de Montserrat réalisé au XIVe siècle à destination des pèlerins se rendant à l’abbaye de Montserrat en Catalogne, un des hauts lieux de la piété mariale de la péninsule Ibérique. Il s’agit d’un chant qui se danse en ronde, rescapé d’un précieux volume largement réduit en cendres lors d’un incendie qui avait ravagé le monastère en 1811, pendant la guerre d’indépendance espagnole.
Les styles musicaux utilisés sont antérieurs à 1399 – ils remontent jusqu’à l’an mil – tandis que les langues utilisées sont le catalan, l’occitan ou le latin.

https://www.youtube.com/watch?v=-_TfMx-hf1M&list=PLXyRSgTq0lDn2F6sPiaFAJ6Ue4sthCXVw

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Une chanson du XVe siècle: https://www.youtube.com/watch?v=WtkUZetMn2U

Suivre l'histoire mouvementé de cet air célèbre sur ma liste: https://www.senscritique.com/liste/l_aventure_d_un_air_celebre_une_jeune_fille/3624351

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Il s'agit d'un motet à quatre voix, composé en 1436 par Dufay pour l’inauguration, le 25 mars, du dôme de la cathédrale de Florence par le pape Eugène IV. Son manuscrit est conservé à Modène. Le titre du motet provient du nom de la cathédrale elle-même : Santa Maria del Fiore.

Il a été composé par Guillaume Dufay en un des fers de lance de la grande école polyphonique franco-flamande. Il a accompagné son évêque au concile de Constance et fut remarqué pour la beauté de sa voix par un prince. De fil en aiguille, il se retrouva chantre à la chapelle papale en 1428. Il a composé pour la plus haute autorité de l’Église catholique romaine pour laquelle il réalise une synthèse de l’Ars nova, la « contenance angloise » et la mélodie italienne.

Dans les années 1970, des chercheurs commencent à voir un lien direct entre les proportions architecturales de la cathédrale de Florence, et les proportions numériques du motet de Dufay, découverte qui fut cependant remise en question en 1994.

La mélodie (ou cantus firmus) de ce motet est empruntée à l’introït Terribilis est locus iste utilisé pour la consécration des églises. Les premières lignes du texte de Dufay font référence à une rose en or ouvragée une semaine avant l’inauguration pour décorer le maître-autel, un cadeau du pape Eugène IV à la cathédrale et à la cité de Florence.

https://www.youtube.com/watch?v=hGW2HL35kqY

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Cette oeuvre fut composée pour célébrer la victoire française à la bataille de Marignan (1515)

Écrite dans le ton de fa, parfois transposée en la majeur, cette chanson à quatre voix mixtes dans sa version originale se décline en quatre parties. La première partie transforme l’auditeur en spectateur d’un combat en train de se préparer. Le texte – une suite d’octosyllabes à rimes plates – développe un contrepoint en imitations et sonneries d’accords parfaits dans le style d’une fanfare. La déclamation se fait plus rapide dans le style narratif propre à Janequin, assez unique dans son art de la varier, ainsi que le tempo, dans un style qui oppose sections binaires et ternaires. Au total, le combat se transforme en spectacle distrayant et très vivant, ponctué de quelques cris (« Alarme… Suyvez la couronne ! ») à l’arrivée du roi, sur un tempo de marche (« la fleur de lys, fleur de haut prix »). La troisième partie représente la bataille proprement dit, avec ses successions et mélanges d’onomatopées, de bruits divers, de cris (« Tost à l’estandart… à mort à mort… courage ») sur fond de bruits d’armes (« von von patipatoc… trique trac… zin… zin ») et autres batteries de tambours françaises et suisses. Ainsi, l’auditeur ne perd pas une miette du déroulement du combat jusqu’à la retraite – quatrième partie – et la victoire finale du camp français.

https://www.youtube.com/watch?v=CSD2NCKsEuQ

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Chanson polyphonique (à quatre voix) sur un poème de Clément Marot (1497-1544), extraite du recueil 37 Chansons nouvelles à quatre parties édité à Paris par Pierre Attaingnant en 1528.

Une chanson bien connue des luthistes qui l’ont fait passer sous le manteau entre 1529 et 1554, de Paris à Louvain et de Venise à Séville.

"Tant que vivray en âge florissant
Je serviray amour le dieu puissant
En faits en dits, en chansons et accords
Par plusieurs jours m’a tenu languissant
Mais après deuil m’a fait réjouissant
Car j’ai l’amour de la belle au gent corps
Son alliance, c’est ma fiance
Son cœur est mien, le mien est sien
Fy de tristesse, Vive liesse
Puisqu’en amours
Puisqu’en amours j’ai tant de biens !
Quand je la veux servir et honorer,
Quand par écrits veux son nom décorer,
Quand je la vois et visite souvent,
Les envieux n’en font que murmurer,
Mais notre amour n’en saurait moins durer,
Autant ou plus en emporte le vent.
Malgré envie toute ma vie
Je l’aimeray et chanteray
C’est la première, c’est la dernière,
Que j’ai servie
Que j’ai servie et serviray."

https://www.youtube.com/watch?v=I7MriaYZhuU

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Danse rapide pour couples du début du XVIe siècle, légèrement sautée, constituant l’un des éléments de la basse danse. Popularisée par Pierre Attaingnant dans un recueil qu’il publia en 1530, elle a subsisté sous forme d’une gaie chanson à boire.
Contrairement à la danse haute, plus vive et sautillante, la basse danse est une danse de couple, lente et majestueuse, qui apparaît dans les cours européennes au début du XVe siècle pour disparaître à la fin du XVIe siècle.

« L’air du tourdion et l’air d’une gaillarde sont de mesmes, et n’y a différence sinon que le tourdion se danse bas et par terre d’une mesure légère et concise : Et la gaillarde se danse haut d’une mesure plus lente et pesante : Tandis que vous faites bien de demander l’air d’un tourdion : Car quand les airs sont connus par le danseur, et qu’il les chante en son cœur avec le joueur d’instrument, il ne peut faillir à les bien danser. » (Thoinot Arbeau, 1520-1595, dans son ouvrage Orchésographie)

https://www.youtube.com/watch?v=rxlwCTOuTSs

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Chanson datant de 1534 à quatre voix (contre-ténor, ténor, baryton et basse) au texte plein d'humour.
En un peu plus d’une minute, Passereau anime pour nous une scène comique plus vraie que nature : on y entend quatre commères qui cancanent sur le pas de la porte. Chacune d’elle vante à qui mieux mieux les qualités de son époux (« il ne me courrouce, ne me bat aussi / il fait le ménage, il donne aux poulailles, et... je prends mes plaisirs »).
Les voix rendent très bien l'atmosphère de cancanage, on se croirait dans un poulailler!
Cette chanson a été très populaire et a fait le tour de l'Europe.

https://www.youtube.com/watch?v=nGRSuXqvDrE

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Célèbre ode de Pierre Ronsard extraite du Premier livre des Odes, 17, mise en musique par Guillaume Costeley et publiée en 1570.

En avril 1545 lors d’une grande fête à la cour de France. Le jeune Pierre de Ronsard, 20 ans, rencontre la fille d’un banquier italien, Cassandre Salviati, âgée de 13 ans seulement. Un amour platonique naît, mais il n’aura jamais de suite car Ronsard est clerc tonsuré (donc promis à l’Église). Le lendemain, la jeune fille quitte précipitamment le château et épousera plus tard un seigneur. Il subsiste de cette histoire une sublime ode, mise en musique par Guillaume Costeley dont beaucoup connaissent les paroles depuis leurs années de lycée...

https://www.youtube.com/watch?v=jQgwWFpHj4c

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L'Orfeo est considéré comme l'un des premiers opéra, il reprend le mythe d’Orphée et Eurydice. Il fut créé le 24 février 1607 pour l’ouverture du Carnaval au Théâtre de la Cour de Vincent Ier de Mantoue.

La toccata est flamboyante, elle était jouée trois fois avant le lever du rideau en ouverture de L’Orfeo.

Toccata : vient de l’italien toccare qui signifie « toucher », cette pièce est écrite pour instruments à clavier (orgue, clavecin) dans une structure très libre, proche de l’improvisation.
« Toucher » l’instrument signifie tout d’abord « prendre contact avec lui ». Puis, plus tard, épater la galerie, faire une brillante démonstration de son talent pour montrer toutes les possibilités de l’instrument.

https://www.youtube.com/watch?v=mjpFi9bn1do

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L'un des morceaux les plus sublimes que je connaisse. Je ne peux l'entendre sans avoir la chair de poule!

Le titre vient de l'incipit du Psaume 50. Cette musique a été composée vers 1638 elle a été conçue pour neuf voix a cappella, réparties en deux chœurs de 5 et 4 voix. Les versets pairs sont psalmodiés par le premier chœur tandis que les versets impairs sur un canevas polyphonique assez simple sont chantés et librement ornementés par le second. Après une dizaine de minutes, les deux petits ensembles vocaux ne font plus qu’un pour chanter les deux derniers versets du psaume.

Cette musique est si belle que le pape prend la décision de ne la faire chanter que deux jours par an : lors des matines du mercredi et vendredi de la Semaine sainte. Elle était interprétée dans la Chapelle Sixtine suivant un rituel durant lequel les prêtres éteignaient progressivement les cierges dans la salle. Il était interdit de la chanter en dehors de cette période ou de ce lieu, sous peine d’excommunication. Les partitions étaient enfermées à clefs et était est défendu de les recopier ou de les sortir du Vatican.

En 1770, Mozart assiste à ces fameuses cérémonies. Il n’a alors que 14 ans, mais c’est déjà un génie de la musique. Le 11 avril, en rentrant après avoir assisté à la première représentation, il est capable de retranscrire de mémoire le morceau. Quelques jours plus tard, après la deuxième cérémonie, il rectifie certains détails. Il n’écrit toutefois pas les fioritures, les ornements. Ce qui nous empêche encore aujourd’hui de connaître exactement l’œuvre d’origine. Elle échappe à ce moment au Vatican.

Au cours des siècles, le Miserere d'Allegri a connu des modifications dues à des ornementations vocales et à diverses interprétations. Son manuscrit original n'a jamais été retrouvé. Les notes aigues qui étaient réservées aux castrats sont chantées aujourd'hui par deux voix de sopranos.

https://www.youtube.com/watch?v=36Y_ztEW1NE

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Récit en musique pour solistes, chœur à six voix (SSATTB) et ensemble instrumental avec continuo (orgue, basse de viole et théorbe) de la nativité du Christ d’après Luc 2 (1-21) et Mathieu 2 (1-23), mis en musique pour le culte. Composition avant 1660, création à la chapelle du duc Johann Georg II à Dresde pour le service religieux du 25 décembre 1660, publication de la partition en 1664, derniers remaniements en 1671.

Shütz avait 86 ans quand il a composé cette œuvre.

Cet oratorio nous offre un récit complet des événements accompagnant la naissance de Jésus, de la double adoration des bergers et des mages, en passant par la fuite en Égypte, le massacre des Innocents et le retour de la Sainte Famille. L’épine dorsale de cet oratorio nous est donc fournie par les seules Écritures de l’office de Noël.
La partition repose globalement sur le ton de fa, celui de l’atmosphère pastorale, tandis que les récitatifs exhalent encore le parfum modal du mode grégorien de fa.

https://www.youtube.com/watch?v=eYHgOwdZqYk

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La Marche pour la cérémonie des Turcs est extraite du Bourgeois gentilhomme, une comédie-ballet de Molière avec des intermèdes musicaux de Lully.

L'œuvre fut créée le 14 octobre 1670 par la troupe de Molière au château de Chambord devant la cour et Louis XIV.

https://www.youtube.com/watch?v=Sy-yugPw_X8

Le téléfilm Le Bourgeois gentilhomme de 1968 de Pierre Badel est une bonne mise en scène des divers ballets de cette pièce. https://www.senscritique.com/film/le_bourgeois_gentilhomme/13518762

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Qui ne connaît pas ce Prélude de Charpentier? Thème d'ouverture de l'Eurovision!

Marc-Antoine l’a composé en août 1692 pour l’église Saint-Louis à Paris où il était maître de chapelle, afin de célébrer la bataille de Steinkerque. L’œuvre réapparut au XXe siècle – dans une version un brin pesante sur instruments modernes – pour la cérémonie de couronnement de la reine Elizabeth II.

Cette introduction instrumentale a une forme de rondeau (avec un refrain et des couplets) pour chœur, solistes et orchestre. Elle précède le premier verset du Te Deum chanté par la basse solo.

https://www.youtube.com/watch?v=iwU37osOkQA

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Superbe canon de Pachelbel (~1700), qui a commencé à être connu à partir de 1960, grâce à l'interprétation de l'orchestre Jean-François Paillard. Depuis, il n'a cessé d'être décliné en de multiples interprétations et variations.

Cette pièce commence toute en sobriété et retenue avant de se montrer de plus en plus exubérante.

https://www.youtube.com/watch?v=H1L4sVxuKZg

Annotation :

Cette variation sur l'air célèbre de La Folia a été composée en 1701.

Danse d’origine ibérique teintée de 32 variations pour viole de gambe et basse continue (théorbe ou clavecin), suggérant le raclement des guitares. Son dédicataire fut Philippe d’Orléans, frère du roi également appelé « Monsieur ».

https://www.youtube.com/watch?v=34K5-u5eMGA

Liste sur La Follia : https://www.senscritique.com/liste/la_follia_un_hit_venu_du_moyen_age/3854695

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La Toccata et fugue en ré mineur a été composée entre 1703 et 1707.

La toccata (de l'italien toccare toucher), est une pièce musicale pour instruments à clavier de style improvisé et virtuose — arpèges, traits, pédale, etc. Originellement destinée à permettre à un instrumentiste de prendre contact avec un instrument, cette forme dérive ensuite pour devenir une démonstration du talent de l'interprète et permettre de faire apprécier les qualités de l'instrument.

Klaus Eidam avance l'hypothèse que l'œuvre de Bach a été écrite afin de mettre à l'épreuve la mécanique des orgues ainsi que le son et la jouabilité de l'instrument. En effet, on a souvent affirmé qu'avant de jouer sur un instrument, Jean-Sébastien Bach tirait tous les jeux de l'orgue afin d'en évaluer la puissance et la suffisance de vent produite par les soufflets. La toccata et fugue BWV 565 de Bach aurait été une œuvre créée à l'origine pour le clavecin puis transposée à l'orgue pour augmenter l'effet spectaculaire.

https://www.youtube.com/watch?v=ho9rZjlsyYY

Annotation :

Fragment d’une messe plus importante composée entre 1714 et 1716 pour la fête de la Visitation : contralto, deux sopranos solos, chœur mixte à quatre voix (soprano-alto-ténor-basse – SATB) et ensemble instrumental comprenant trompette, hautbois, cordes et basse continue.

À l’Ospedale della Pietà, Vivaldi ne pouvait compter surtout que sur des voix féminines. Pourquoi s'est-il lancé à composer ce Gloria pour voix mixtes soprano-alto-ténor-basse ? On sait aujourd'hui que ces jeunes filles lisaient la musique comme elles respiraient, et qu’elles étaient aussi habituées à transposer à vue (chanter une mélodie à x notes plus haut ou plus bas). Celles à qui on avait distribué les parties de ténor et de basse le faisaient couramment, ce qui permet d’envisager un chœur et des solistes exclusivement féminines !

https://www.youtube.com/watch?v=Tu6yiS1Q3dA

Le Gloria de Vivaldi chanté par un choeur exclusivement féminin: https://www.youtube.com/watch?v=2SpFavnwh0Q

Annotation :

Rondeau à deux temps publié en 1722.

Le titre est évocateur. Tic-toc-toc évoquant les doigts qui s'entrechoquent sur le clavier. Mais pour ce qui est des "Maillotins", on ne connait pas la signification. S'agit-il des maillets avec lesquels les enfants jouaient au temps de Couperin ou d'une arme militaire, mais le morceau n'a rien d'une marche militaire.
Cette pièce a été écrite pour clavecin qui se jouait sur deux claviers.

https://www.youtube.com/watch?v=wPWMlozkn58

Annotation :

Mouvement final de la Suite en si mineur BWV 1067 pour flûte traversière solo et ensemble instrumental (cordes et continuo) composé à Coethen (1720-1723) ou Leipzig (1723-1750). Les experts bataillent encore à ce sujet...

La Badinerie conclue la Deuxième Suite en si mineur. Avant elle, Bach innove en faisant doubler la partie du premier violon par une flûte traversière. Six mouvements après, la flûte s’émancipe du violon pour affirmer pleinement son rôle de soliste.

https://www.youtube.com/watch?v=Kl6R4Ui9blc

Annotation :

Le célèbre Presto Tempo impetuoso d’estate pour violon solo et ensemble instrumental à cordes avec continuo est le troisième mouvement de concerto intitulé L’Été (L’Estate, en italien). L’opus 8 est dédicacé à un comte bohémien, Wenzel von Morzin, qui les acheta à Vivaldi pour l’orchestre privé de sa résidence de Prague. Publié à Amsterdam à la fin de 1725, il a été écrit entre 1717 et 1721 alors que Vivaldi avait accepté un poste à Mantoue, financé par des mécènes.

En composant les Quatre Saisons, le but affiché de Vivaldi était de confronter « l’harmonie et l’invention ». Pour cela, il accompagne sa musique de quatre poèmes – des sonnets – décrivant le déroulement des saisons, une esquisse de ce qu’on appellera plus tard « musique à programme » : les vendangeurs s’enivrent, les patineurs dérapent, le feu crépite. Dès la publication, c’est un succès : Londres et Paris s’arrachent Le Quattro Stagioni et un des plus fameux orchestres de l’époque – le Concert spirituel – les interprète à Paris au début de 1728.

https://www.youtube.com/watch?v=IB5OsPwQVRA

Annotation :

La Danse des sauvages, en réalité intitulée Danse du Grand Calumet de la paix, constitue la scène finale de l’opéra-ballet Les Indes galantes de Jean-Philippe Rameau (1683-1764) sur un livret de Louis Fuzelier. Elle fut créée en août 1735. De nos jours, elle fut redécouverte puis rejouée en 1957 à l’Opéra royal du château de Versailles en présence de la reine d’Angleterre.

Cette danse a été transcrite par Rameau lui-même dans son Troisième livre de pièces de clavecin (1728) sous le titre Les Sauvages.

https://www.youtube.com/watch?v=jy9S4HIaIq8

Info complémentaire de Turandot : "On trouve aussi le titre Entrée des sauvages, entrée étant ici à prendre dans le sens de "scène"?, et sauvage dans le sens XVIIIème siècle , qui n'implique aucune idée de sauvagerie, seulement un état de nature (vu d'Europe...)."

Annotation :

On a longtemps cru que la pittoresque Symphonie des Jouets avait été composée par Leopold Mozart, ou bien Joseph Haydn qui, selon la légende, l’aurait composée puis dirigée pour les enfants de son patron lors d’une soirée de Noël. C’ést faux ! Elle est maintenant attribuée à Edmund Angerer (1740-1794), moine bénédictin des Alpes bavaroises.Ce n’est qu’après avoir découvert en 1992 la plus ancienne copie de cette partition signée par Angerer que l’authentification put avoir lieu.

Cette courte symphonie en do majeur est composée de trois mouvements, au titre original « Musique de Berchtesgaden » (Berchtoldsgaden-Musik)

Les accessoires – qui ne sont pas réellement des jouets – entrent les uns après les autres : la crécelle, l’appeau-coucou et ses deux notes (sol-mi) bientôt imité par les cordes, et le triangle. Plus tard : l’appeau-caille, le sifflet à eau-rossignol (du nom de cette petite flûte qui imite un gazouillis d’oiseau), la trompette-jouet qui ne peut jouer qu’une seule note, sans même parler de la crécelle-hochet ou du tambour d’enfant. Le reste des instruments est beaucoup plus classique avec cordes (premier et second violon, pas d’alto, violoncelle et contrebasse), de même que l’harmonie assez statique qui classe cette clairement cette symphonie du côté des musiques de divertissement.

Allegro: https://www.youtube.com/watch?v=rd55UYPgbo8
Minuetto: https://www.youtube.com/watch?v=OonAoyMnqt0
Finale (Presto): https://www.youtube.com/watch?v=VFd_ab38Wkk

Annotation :

La Réjouissance est une des danses les plus célèbres pour orchestre de plein air (sans cordes), extraite de la Musique pour les feux d’artifice royaux HWV 351 de Haendel. Elle a été créée en 1749.

En octobre 1748, la longue guerre de Succession d’Autriche prend fin. Le roi d’Angleterre George II décide de célébrer cette paix dans le faste. Haendel est chargé d’écrire une musique « populaire » qui accompagnera un magnifique spectacle pyrotechnique pour lequel Louis XV prête ses meilleurs artificiers. Le roi exige qu'il n'y ait aucun instrument à cordes, mais uniquement des instruments martiaux.
Le projet du spectacle est grandiose: une roue tournante doit mettre le feu à une autre roue tournante et ainsi de suite, tandis qu'une technique spéciale doit faire apparaître 18 tableaux dont le tableau culminant représente le roi accordant la paix à Britania.
Mais le spectacle est un vrai fiasco, la crachin londonien tombant sans pitié durant le spectacle... Les fusées refusèrent de partir, tandis que le public se moquait! Une fusée décidée enfin à partir mit le feu à un pavillon et le maître artificier, italien au sang chaud s'énerva et tira son épée contre un représentant du roi ce qui lui valut d'être jeté immédiatement en prison!
Haendel redonna sa Fireworks Music un mois plus tard dans un hospice pour enfants trouvés dont il était l'un des bienfaiteurs. Cette fois-ci il ajouta les instruments à cordes que le roi lui avait refusé et le spectacle fut une grande réussite!

https://www.youtube.com/watch?v=mpTeslni6tA

Annotation :

Ce morceau composé ~1770 fut redécouvert au début des années 1960 par le claveciniste Rafael Puyana, ce Fandango est attribué sans certitude au Padre Soler. Ce morceau de clavecin espagnol encore baroque est très imprégné du style du grand Domenico Scarlatti. Une partition gorgée de soleil qui appelle irrésistibelemnt un autre instrument du Sud, la guitare !
https://www.youtube.com/watch?v=q13W_HcLkNM

Annotation :

"Dans un petit ruisseau brillant / Jaillit dans une hâte joyeuse / Une truite enjouée / Qui passa comme une flèche." Il s'agit du début du poème de Christian Schubart, prisonnier politique, qu'il écrivit en captivité entre 1777 et 1783. Un joli début qui se termine plus tragiquement puisque la truite finit au bout d'une ligne du pêcheur...
Deux ans plus tard, Shubert reprend ce thème dans le quatrième mouvement de son quintette D. 667, également nommé La Truite.

https://www.youtube.com/watch?v=oeV_XXDuH3s

Annotation :

Ode à la joie — appelée également Hymne à la joie — est un poème de Friedrich von Schiller écrit en 1785. Il est surtout connu comme finale du quatrième et dernier mouvement de la 9e Symphonie de Beethoven, devenu l'hymne officiel de l'Union européenne.

https://www.youtube.com/watch?v=iLSAWqSmAZk

Annotation :

Cette symphonie est la plus célèbre des symphonies de Mozart. Premier mouvement – 299 mesures – de la Symphonie en sol mineur K. 550 (qui en comporte quatre) composée à Vienne en quelques semaines durant l’été 1788, par Mozart alors âgé de 32 ans. Création possible à Leipzig le 12 mai 1789, ou bien les 16 et 17 avril à Vienne sous la direction de Salieri. Publication en 1794.

Mozart a composé cette symphonie dans une période difficile: l’Autriche est en guerre contre l’Empire ottoman et lui-même est dans une période morose alors qu'il traverse des soucis financiers.

https://www.youtube.com/watch?v=-hJf4ZffkoI

Mouvement final : https://www.youtube.com/watch?v=fMD6Dyh8NM8