ExpériMENTAL !

Annotation :

Période: avant-garde des années 20: première avant-garde française, dite impressionniste

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: première avant-garde française, dite impressionniste

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: seconde avant-garde française, dite picturale

" Je suis encore persuadé que le rythme, c'est-à-dire l'articulation d'unités de temps, constitue la sensation par excellence que peut procurer toute expression du mouvement dans l'art du cinéma. " Hans Richter

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: seconde avant-garde française, dite picturale

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: seconde avant-garde française, dite picturale

"J'ai pensé que c'était l'objet négligé, mal mis en valeur qui était succeptible de remplacer le sujet. Partant de là, ces mêmes objets qui me servaient en peinture, je les ai transposés à l'écran, leur donnant une mobilité et un rythme très calculés pour que tout cela fasse un tout harmonieux". (Fernand Léger)

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: seconde avant-garde française, dite picturale

Classique du film expérimental, Anemic Cinema est une apothéose de la rotation : 7 minutes de plans fixes montrent successivement 19 disques rotatifs. Empruntées à Rrose Sélavy, 9 boutades comme "Inceste ou passion de famille à coups trop tirés", "Esquivons les ecchymoses des esquimaux aux mots exquis", "Avez-vous mis la moelle de l'épée dans le poêle de l'aimée?" alternent avec 10 disques à spirales mesmérisantes.

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: troisième avant-garde française, dite documentaire

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: troisième avant-garde française, dite documentaire

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: troisième avant-garde française, dite documentaire

Annotation :

Période: Période: avant-garde des années 20: troisième avant-garde française, dite documentaire

Oeuvre expérimentale:

Le documentaire de Dziga Vertov est défini comme une oeuvre expérimentale car le réalisateur a fait le choix de ne pas avoir recours au schéma traditionnel qui est un scénario, des intertitres, des décors, des acteurs et des scènes visuelles. Son film a pour but de créer un nouveau langage cinématographique universel.

Ciné-oeil:
Dans son documentaire, le réalisateur utilise la théorie du ciné-oeil (kinoglaz en russe). Elle consiste à combiner l'objectif de la caméra et le cadreur, appelé kinok, qui filme et monte les images .

Tournage:
Le tournage de L'Homme face à la caméra s'est déroulé dans les villes de Kiev et Odessa en Ukraine et Moscou en Russie.

Nombre de plans:
Pour son film, Dziga Vertov a tourné 1700 plans, un nombre assez inhabituel dans le monde du cinéma et encore plus dans celui du documentaire.

Un film familial:
Au cadrage, Dziga Vertov a fait appel à son frère Mikhaïl Faufman et pour l'assister au montage, à sa femme Yelizaveta Svilova.

Annotation :

2nde grande catégorie de films expérimentaux: les films surréalistes bien que René Clair soit habituellement associé à la première avant-garde

Annotation :

2nde grande catégorie de films expérimentaux: les films surréalistes

Annotation :

2nde grande catégorie de films expérimentaux: les films surréalistes.

Les débuts au cinéma:

Après un court-métrage intitulé Jean Cocteau fait du cinéma, ce film d'avant-garde est la deuxième incursion de Jean Cocteau dans le monde du Septième Art. L'artiste attendra ensuite plus de dix ans pour revenir à la réalisation avec La Belle et la Bête.
Financé par le Vicomte

Comme L' Age d'or de Luis Buñuel, le film a été financé par le Vicomte Charles de Noailles.
Un projet de dessin animé

Initialement, Charles de Noailles avait suggéré à Cocteau de faire un dessin animé.

Annotation :

2nde grande catégorie de films expérimentaux: les films surréalistes

Annotation :

2nde grande catégorie de films expérimentaux: les films surréalistes
pape du cinéma expérimental, qui parait bien anodin avec ses chaises faisant l'amour en comparaison à "Le sang d'un poète" et "Meshes of the Afternoon"

Annotation :

Héritier des avant-gardes: Après les années 20, le travail sur la pellicule prolonge les essais de la seconde avant-garde picturale

Annotation :

Héritier des avant-gardes: Après les années 20, le travail sur la pellicule prolonge les essais de la seconde avant-garde picturale

Annotation :

Héritier des avant-gardes: Après les années 20, le travail sur la pellicule prolonge les essais de la seconde avant-garde picturale. Yantra atteint à la splendeur colorée de l'inorganique.

Annotation :

L'avant-garde documentaire moderniste se transforme en avant-garde politico-sociale

Annotation :

L'avant-garde documentaire moderniste se transforme en avant-garde politico-sociale

Annotation :

Cinéma undergound américain. Avec Walden, Jonas Mekas ouvre le genre du film autobiographique qui quittera le domaine exprimental même si on en trouve des traces dans Hapax Legomena I : Nostalgia (Hollis Frampton, 1971) ou Hôtel Monterey (Chantal Akerman, 1972) qui jouent surtout sur la durée et la sérialité.

Annotation :

quelques traces d'expérimental

Annotation :

quelques traces d'expérimental

Annotation :

renouvelle le cinéma expérimental avec Andy Warhol, Stan Brakhage et Jonas Mekas

Annotation :

Film qui explore des formes à l'écart de celles qui peuvent être reprises par d'autres cinéastes.

La narration
En faisant un film-enquête sur Charles Forster Kane, Orson Welles se donne les moyens de casser la narration. Pas de récit linéaire pour retracer la vie de Kane mais des flash-backs et des témoignages qui sont imbriqués de façon non chronologique et suivant les différents points de vue des personnages.
Un hommage d'Otto Preminger

Otto Preminger rendra hommage à Citizen Kane en faisant du mot Rosebud, prononcé par Kane avant sa mort, le titre d'un film : Rosebud en 1974.

La particularité des objectifs
Orson Welles fit installer des objectifs avec grand angle sur les caméras, ce qui donna une profondeur de champ exceptionnelle pour l'époque. Cela a obligé le chef opérateur à utiliser parallèlement des courtes focales pour que l'image reste nette en arrière et premier plans. L'utilisation fréquente de la contre-plongée a également forcé le chef opérateur à faire venir la lumière du sol.

Inspiré de William Randolph Hearts:
Orson Welles s'est inspiré du magnat de la presse William Randolph Hearst pour le personnage principal de Charles Foster Kane. Hearst avait eu pour maîtresse l'actrice Marion Davies dont il avait soutenu la carrière comme dans le film. Autres points communs, la mégalomanie, le pouvoir, la fortune considérable, la possession de plusieurs journaux et d'un château. Mais Orson Welles n'entendait pas s'attaquer à la personne de Hearst. Il avait surtout l'intention de critiquer toute une classe sociale de dirigeants parvenus et mégalomanes.

L'un des meilleurs films au monde:
Ce film figure dans toutes les listes compulsant les meilleurs films de l'Histoire du cinéma. Il est même élu "meilleur film de tous les temps" en août 2002 par 108 réalisateurs et 144 critiques internationaux consultés par la revue britanique Sight and Sound du British Film Institute.

Les décors
Lors du tournage, Orson Welles utilisa des trucages dans les décors. Il fit ajouter des peintures trompe l'oeil en transparence pour faire des jeux de perspective et installer des faux-plafonds.
Le titre

Le titre initial du film devait être American.

Les plans-séquence:
Le réalisateur fait une utilisation exceptionnelle des plans-séquence pour l'époque au détriment du gros plans et du champ contre champ. Le plan-séquence permet une plus grande fluidité du film et une liberté de mouvement pour les comédiens.

Annotation :

film qui explore des formes à l'écart de celles qui peuvent être reprises par d'autres cinéastes.

Pourquoi un plan séquence ?

Alexandre Sokurov explique son intention d'exposer L'Arche russe en un seul plan-séquence dans le musée de l'Ermitage : "(...) le producteur Andreï Deriabine m'a proposé de participer à un projet important qui serait basé sur l'Ermitage. Il connaissait ma grande admiration, ma révérence presque religieuse envers ce musée. J'ai eu alors une idée, mais elle était très coûteuse et extrêmement difficile à réaliser. L'idée était de tourner le film, disons, sans reprendre son souffle".
Un défi technique

L'Arche russe a été tourné en une seule fois le 23 Décembre 2001 dans le musée de l'Hermitage de Saint Petersbourg. Aucune coupure, et donc aucun montage, n'ont été nécessaires pour présenter le film. Néanmoins, aucune erreur durant le tournage n'était permise, aussi bien pour les acteurs que pour les techniciens. Cet exploit n'avait encore jamais été réalisé auparavant.

Une technologie de pointe

Pour pouvoir répondre au défi technique de tourner un film sans aucune coupure, Aleksandr Sokurov a dû se mettre à la pointe de la technologie numérique, les moyens de tournage classiques ne répondant pas à de telles exigences. C'est lors du Marché de Cannes en 2000 que le metteur en scène a découvert un tout nouveau genre de caméra numérique, avec un excellent rendu visuel et qui permet de tourner un film d'une heure et demie en une seule prise.

4 nominations en 2002 au Festival de Cannes: Palme d'Or, Grand Prix, Prix du Jury et Prix de la mise en scène.

Annotation :

films qui explorent des formes à l'écart de celles qui peuvent être reprises par d'autres cinéastes.

Un film en trois dimensions:

Après avoir mis en perspective le phénomène de la 3D dans le segment "3- Désastres" de l'énigmatique 3X3D, l'octogénaire Jean-Luc Godard a entrepris de tourner Adieu au Langage en 3D, son premier long-métrage filmé en relief.

Tournage en Suisse

Jean-Luc Godard a tourné son Adieu au Langage en Suisse, un pays qu'il connait bien puisque le cinéaste vit actuellement à Rolle, une commune du canton de Vau, et a obtenu la nationalité suisse à sa majorité. Le réalisateur a notamment filmé quelques séquences de son long-métrage en 3D sur les quais de Nyon, au bord du Lac Léman.
Deux touches-à-tout

Sur le tournage d'Adieu au Langage, Jean-Luc Godard a fait appel à deux collaborateurs qu'il connaît bien : le premier, Jean-Paul Battaggia, qui avait déjà oeuvré comme directeur de production sur le documentaire Notre musique (2004) et Film Socialisme (2010). Le second : Fabrice Aragno, directeur de la photographie sur Film Socialisme. Les deux hommes ont fait office d'assistants réalisateurs mais pas que. Véritables touches-à-tout, ils ont apporté leur contribution à la partie technique du film et ont veillé au bon déroulement du tournage.

RECOMPENSES:

Prix du Jury au Festival de Cannes en 2014
1 nomination - Prix Louis Delluc en 2014

Annotation :

1 nomination à Les Toiles Contemporaines en 2012 - Le Cinéma de répertoire