Films vus en Novembre 2024

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Phillips et Phoenix inventent le Blockbuster punk.
Un doigt d'honneur cinématographique flamboyant.

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Il y a des films auxquels on ne comprend pas grand chose et qui irritent (INLAND EMPIRE, par exemple) ou, pire, qui indiffèrent dans un grand "flop" bruyant (THE STRANGERS).
Et puis, il y a les films discrets auxquels on ne comprend strictement rien, qui s'excusent presque d'exister et qui fascinent au point qu'à peine terminés, on voudrait les revoir tout de suite... comme EARWIG.
Sublime objet esthétique et passionnant voyage sonore, à la narration éclatée.
Pas besoin de se demander trop longtemps pourquoi EARWIG fonctionne aussi bien ; il suffit de se poser 15 minutes devant le seul (et excellent) bonus présent sur l'édition physique du film pour comprendre, il suffit d'entendre les 3 influences majeures de la cinéaste au moment de la confection du film :
- JEANNE DIELMAN, 23, QUAI DU COMMERCE, 1080 BRUXELLES de Chantal Akerman,
- QUAND L’EMBRYON PART BRACONNER de Kōji Wakamatsu,
- ERASERHEAD de David Lynch.
"Ce n'est pas le but qui compte, c'est le chemin."
EARWIG est d'autant plus fascinant que le film sera différent selon qui le regardera. Il y autant de EARWIG qu'il y a de spectateurs.
Rarement un(e) cinéaste aura aussi bien saisi le monde des rêves que Lucile Hadzihalilovic (même David Lynch).

Note pour plus tard : Double programme du feu de Dieu avec AMER.

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En 2 sorties coup sur coup, de 2 inédits absolument remarquables, Roboto Films s'impose indéniablement comme le meilleur éditeur de Blu-ray français du moment.
Mise en scène intelligente, cadrages parfaits, photo superbe, bande-son imparable, bref Teruo Ishii au sommet de son Art pour un immense film de commande et un grand film de genre.

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Grangier était la cible favorite de Truffaut-critique, qui ne se gênait pas pour descendre en flèche le moindre film du cinéaste-artisan français par excellence, dénonçant à longueur de textes, le fameux "cinéma français de papa", celui des studios etc.
Après avoir enchaîné les films de Grangier (comme je l'ai fait ces derniers jours), une chose est sûre, on ne peut pas être plus loin de la vérité sur un cinéaste que Truffaut-critique l'était sur le Grangier des années '50, qui était donc tout SAUF un "cinéaste de studio" à cette époque-là.
Ah ça, c'est sûr, le cinoche du père Grangier devait lui faire tout drôle à l'apprenti-cinéaste petit bourgeois ?!
De deux choses l'une, soit Truffaut-critique était un critique de très mauvaise foi qui ne voyait pas forcément tous les films qu'il défonçait allégrement, soit Grangier lui avait fait des sales coups dans une vie précédente (... soit, Truffaut-critique était tout simplement un petit con, c'est possible aussi).
Toujours est-il que LE SANG À LA TÊTE est un formidable Thriller social français. Une adaptation quasi parfaite de Simenon (en même temps, pour rater une adaptation cinématographique de Simenon, il faut y aller... comme pour Elmore Leonard et quelques autres) et un admirable film sur les classes sociales, la province, les petites gens, comme la plupart des réalisations que j'ai pu voir de Grangier.
Et après avoir commencé (à tort) par 125, RUE MONTMARTRE, il apparaît aussi clairement que Gabin était l'acteur idéal pour incarner les personnages principaux des films du cinéaste (plus que Ventura, en tout cas).
Le soin apporté aux choix des décors, cette France des années '50 montrée comme aucun cinéaste ne le faisait, le soin apporté à ce casting incroyable, l'enchaînement des scènes imparable, les choix d'adaptation (et de trahison du texte original) absolument géniaux, TOUT dans LE SANG À LA TÊTE est réfléchi et réussi (ou presque) jusqu'au final d'une modernité folle (1956 et voilà un film sur la tromperie tout sauf misogyne, soit à peu près le contraire de 99% de la production hexagonale sur le sujet depuis que le cinéma existe).
Non, vraiment, Tavernier a raison : quel film ?!
Quant à Truffaut-critique... bref... passons.

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Là où Rupert Wyatt suivi de Matt Reeves pataugeaient dans la semoule, en complexifiant inutilement une histoire de SF simple qui avait prouvée sa force et son efficacité ; là où aucun des deux ne trouvaient de point de vue, préférant les empiler jusqu'à l'overdose, comme dans une mauvaise série télévisée ; là où les deux cinéastes multiplier les enjeux jusqu'à noyer leur discours dans un mille-feuilles trop sucré ; bref, là où les deux compères échouaient lamentablement à donner un nouveau souffle à l'une des plus grandes histoires de SF, Ball (j'en suis le premier scié) et son excellent scénariste Friedman parviennent à trouver le ton juste, instaurer une âme, développer des thématiques universelles et surtout, tisser un discours éminemment politique en filigrane (comme Friedman l'avait déjà fait avec LA GUERRE DES MONDES de Spielberg - en faisant oublier le TRÈS médiocre film de 1953).
Au delà de la beauté du geste de cette épure à gros budget, de l'émotion ressentie devant un Blockbuster intelligent, humble et épique à la fois, c'est dans l'humanité de ses personnages de synthèse (il y avait déjà de ça dans le premier AVATAR) et dans la simplicité absolu de son récit (la base, bien que beaucoup de cinéastes semblent l'avoir oublié ces 20 dernières années) que ce NOUVEAU ROYAUME construit son éclatante réussite.
La simplicité...
Quelle horreur de gros mot ?!
Évidemment, personne ne se sera gêné pour lui reprocher.
Pourtant...
Quelle force, à partir d'un script aussi simple... comme une évidence.
Et quelle ampleur, obtenue grâce à la gestion du temps de Ball et Friedman, si sûrs et si sereins. 2h30 qu'on voudrait voir durer le double, alors qu'on sait très bien qu'il pourrait parfaitement en durer 1h40. C'est aussi là qu'est sa force.
Finalement 2024 aura donné au Blockbuster, trois de ses plus magnifiques représentants depuis 10 ans (nous lavant des interminables pensums prétentieux de Villeneuve et consorts), en suivant tous trois les mêmes préceptes : simplicité narrative, clarté du point de vue, efficacité du concept, beauté des images, montage de l'action.
Merci à George Miller, Todd Phillips et donc... Wes Ball (qui l'eût cru ?).
Vous nous avez bien lavé les yeux.
2024 était votre année !

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Comme si le Ferrara des années '90 refaisait TURNER & HOOCH avec un zeste d'Harmony Korine dedans.
Aucun cinéaste n'a jamais montré le "vrai" Los Angeles comme Stalberg Jr le fait ici. Et certainement pas dans un DTVoD destiné aux plateformes bling-bling de streaming. C'est absolument fascinant.
MUZZLE est très certainement le BZ de l'année.

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Ça devrait être interdit d'écrire des dialogues aussi hilarants, d'engager des comédiens aussi parfaits, de choisir aussi bien ses décors et de filmer Paris avec autant d'aisance.
Et il n'est même pas interdit de préférer LE CAVE SE REBIFFE aux TONTONS FLINGUEURS.

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Le duo magique du meilleur film de Gus Van Sant (GERRY) se reforme sur un script de l'un des deux (Casey Affleck) et sous la caméra de Doug Liman (décidément, en pleine possession de ses moyens de metteur en scène et bien décidé à prouver que CHAOS WALKING était un simple accident de parcours).
Le résultat ?
Un 'Buddy movie' absolument hilarant, à la rythmique imparable et d'une fluidité folle, avec un casting de maboul, entre les frères Coen (pour le casting, les personnages, la fluidité) et Shane Black à son meilleur (pour la dynamique du duo vedette, les dialogues, les vannes, le trente-sixième degré et le côté complétement désabusé), rien que du bonheur, donc !

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Direct dans le Top 20 des meilleurs refaisages.
Visiblement, le microcosme du cinéma n'était pas prêt, ni même les "fans" (à la petite semaine) du cinéaste, d'ailleurs.

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La bonne surprise que voilà !

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Avec LE MANGEUR D'ÂMES, Maury & Bustillo illustrent avec cœur et malice, l'expression qui veut que ce soit dans les vieux pots...
Consciencieux et modestes, ils parviennent à donner une âme à leur vision malgré un budget plus que restreint. Comme quoi, quand on n'a pas les moyens, c'est toujours bien... d'être doués.

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Les vieux rois du cool.
Un bon moment de cinoche, bien calibré, avec une poignée de plans qui tabassent leur race (ce directeur photo' ?!).
Et si, en plus, on compare ce qui est comparable, soit les DTVoD entre eux, alors WOLFS fait définitivement partie du haut du panier (pas du "très haut du panier", Jon Watts est aux commandes, ce n'est pas Soderbergh ou Sorkin, mais tout de même).
Sans forcément vouloir dire grand chose, ça pose juste une limite psychologique au dézingage facile et inutile d'un DTVoD dont le seul but est d'être cool et de nous faire passer un moment cool avec 2 vieux-beaux pétés de thune, ultra cools.
Et puis, être cool même quand on est ringard, c'est encore plus cool.
Parce que oui, le répertoire de la chanteuse Sade, est ringard pour plein de monde, mais moi ça me rappelle de doux moments de mon adolescence.
Donc, WOLFS, c'est cool, les acteurs sont cools, la photo est cool, la mise en scène est cool et la musique est ULTRA cool.
'N'en déplaise.
"Smooth operatoooor, la-la-la-la, la-la, Smooooooth operator..."

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Joli exercice de Mashup d'ALIEN, ALIEN RÉSURRECTION et PROMETHEUS.
ROMULUS ne se hisse pas au niveau d'un ROGUE ONE mais effleure le réalisme esthétique d'un Gareth Edwards à plusieurs reprises (notamment dans la première demi-heure) et quand il se laisse aller au remplissage de son très strict cahier des charges (dans la seconde partie du film), Fede Álvarez se retrouve clairement dans son élément (outrancier et gore), tant visuellement que thématiquement.
Voilà un cinéma B, simple mais efficace qui manque au paysage cinématographique contemporain, trop souvent occupé à péter plus haut que son cul depuis un moment.
Merci donc aux Álvarez, Gillett, Bettinelli-Olpin et West pour leurs plaisirs simples.

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Un "Film de routier" aux dialogues qui m'auront fait rire aux éclats, une bonhommie, une tendresse pour la "classe sociale d'en bas", et des décors naturels assez formidables.
Tout comme dans LE CONVOI de Peckinpah, il ne se passe pas grand chose dans GAS-OIL, et c'est presque ça qui est bien.
Grangier et Audiard prennent leur temps, baguenaudent et décrivent avec truculence un univers auquel le spectateur aimerait appartenir après 90 minutes et c'est bien là que réside la plus belle réussite du film et peut-être même le plus beau compliment qu'on pourrait lui adresser.

Très bon choix pour un double ou triple programme "Film de routier".

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Xavier Gens a eu son FARANG.
Jean-François Richet a eu son MAYDAY.
Florent-Emilio Siri, quant à lui, aura donc eu son ELYAS. Et il envoie du pâté !
Plus ambitieux, plus anxiogène, foutrement bien mis en scène, intraitable dans ses choix jusqu'au-boutistes et, malgré quelques couleuvres scénaristiques et autres "passages obligés" de la Série BZ (d'aucun parleront hâtivement de "clichés"), ELYAS avoine sa mémé au fusil d'assaut.
Décidément, le "Roschdy Zem movie", c'est autre chose que les "Liam Neeson/Vincent Lindon movies" !

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Viens prendre ton coup de bambou chez le père Ozon.
Hélène Vincent, Josiane Balasko, Sophie Guillemin et Pierre Lottin sont épatants.
Tout (position de la caméra, axes de prises de vue, mise en scène globale) est à la bonne distance, dans la bonne tonalité ; Ozon fait preuve d'un minutieux et très discret travail, qui porte indubitablement ses fruits.
Cette discrétion n'est pas la moindre de ses qualités, d'ailleurs. C'est peut-être même la marque des plus grands, de savoir s'effacer (en surface) devant son sujet quand il est suffisamment puissant et que l'on a confiance en soi.
On pourrait crever de chagrin devant le résultat, face à un scénario aussi lourd de pathos, de déprime, de tragédie, de non-dits étouffants, de conflits intérieurs larvés et il n'en est rien. C'est même presque tout l'inverse (un peu comme jadis, devant l'extraordinaire MADADAYO) et c'est bien la plus belle réussite du film.

NB : Je ne sais pour quelle raison mais j'ai beaucoup pensé à TROIS JOURS ET UNE VIE pendant la séance. Les 2 films semblent se répondre mutuellement, même si le Boukhrief est moins réussi, plus "classique" dans sa forme.
Si les 2 films n'ont pas grand chose à voir formellement, le cœur de leur intrigue et le moteur même de leurs scripts respectifs sont similaires : le poids des secrets.

[ salle ]

Annotation :

Encore un exemple de (fausse-vraie) suite meilleure que l'original (le remake de THE HOUSEMAID du même réalisateur en 2010)... même si cela ne veut pas dire grand chose.
Le manichéisme est poussé à l'extrême, Im Sang-Soo convoque Brecht en choisissant l'approche outrée Shakespearienne, ça passe ou ça casse.
Débarrassé de ses (mauvais) tics de metteur en scène, dès le premier quart d'heure (ouf !), le coréen, appliqué, tisse sa toile de beaux plans et dirige ses comédiens de mains de maître (ils sont tous parfaitement tragiques) et, soucieux de ne pas commettre les mêmes erreurs que Coppola, Gray et tant d'autres avant lui, il a le bon ton d'éviter la "fresque-à-la-con" comme on en voit au moins une fois par mois depuis la sortie du film et de boucler sa satyre en moins de 2 heures (re-ouf !).

Annotation :

Merci à Spectrum Films pour la découverte.
Même si le choix d'en faire une édition Premium est plus que discutable, nuisant au film lui-même.

Annotation :

Ce qui serait bien, c'est que Margaret Qualley arrête un peu de montrer son cul (qu'elle a fort joli, là n'est pas la question) à tout bout de champ et qu'elle commence à choisir des rôles un peu plus exigeants.
À part ça, le dernier Lánthimos signe le retour aux formules fétiches de son auteur, sorte de Solondz plus doué visuellement (le genre de cinéaste-laborantin qui n'aime rien de plus au monde que de torturer ses personnages, la bave aux lèvres et le slip tendu, un peu comme ces gamins tortionnaires qui brûlent les ailes des insectes qu'ils ont capturés), après un formidable PAUVRES CRÉATURES qui laissait pourtant espérer qu'un palier avait été franchi dans son cinéma qui tournait en rond (certaines mauvaises langues diraient "à vide").
Il n'en est rien.
Retour à la facilité préfabriquée et à ses sempiternelles obsessions : la soumission, le sadisme et le masochisme.
Heureusement, sa troupe de comédiens-cobayes volontaires se montrent toujours très professionnelle et puis l'homme a du talent pour instaurer de bonnes ambiances malaisantes et faire de belles images, c'est toujours ça.
Et surtout, à force d'exagérations et de baroque outrancier, on se bidonne quand même beaucoup, pour peu que l'on soit un peu sadique aussi.
KINDS OF KINDNESS n'est peut-être pas la meilleure comédie de l'année, mais le film reste régulièrement hilarant. Il faut dire qu'Emma Stone sait y faire.

Annotation :

Tout est bien dans ÉCHEC AU PORTEUR, tout SAUF le produit final, autrement dit tout... SAUF le film.

Le casting est excellent.
Les décors sont incroyables. On n'a jamais vu la banlieue parisienne des années '50 au cinéma comme la filme Grangier.
Les multiples citations aux Films Noirs et aux Films expressionnistes allemands tombent toutes très justes.
La caractérisation de chaque personnage, brossée par petites touches, témoigne d'un oeil aiguisé.
Les moments de tensions fonctionnent bien.
La minutie documentaire avec laquelle le cinéaste dépeint les différents métiers qu'il filme (on pense à Jules Dassin ou à certains des polars d'Anthony Mann) apporte au matériau une véritable plus-value.
Ces minorités, souvent invisibles ailleurs dans le cinéma français de l'époque ou trop caricaturales, ces multiples classes sociales sont toutes décrites avec une acuité folle.
L'introduction, la conclusion, tout est formidable.
Tavernier a raison.

Tout SAUF le script, SAUF le scénario, SAUF le résultat final.

Et après avoir vu 125, RUE MONTMARTRE, un constat s'impose : quand Grangier s'échinait à adapter l’œuvre d'écrivains ayant obtenu le Prix des Bouquinistes des Quais de Seine, il ne faisait décidément pas ses meilleurs films, bien au contraire !

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Comme quoi, s'attendre au pire, peut parfois sauver un film...
LE FLIC DE BEVERLY HILLS 4 n'est donc pas le pire épisode d'une série de suites plus ou moins dispensables.
Et même si ce n'est pas difficile de faire mieux qu'un film de John Landis, il faut le préciser, ne serait-ce que par simple honnêteté intellectuelle.

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Meilleur que le précédent (qui était une bouse intersidérale), le projet de RIDE OR DIE de fusionner FAST & FURIOUS avec HAWAÏ 5-0 fonctionne (plus ou moins selon les séquences) à l'énergie.
Devant la multiplication des scènes d'action décérébrées, filmées en POV, façon 'shoot 'em up' sous ecsta', sans plus aucune tentative de faire exister des personnages, mettre son cerveau sur pause devient alors un pré-requis obligatoire pour tenir les 2 heures de ce tir au pigeons de fête foraine.

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De jolis moments... noyés.

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Bon dodo.

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Parfois, il y a des chefs-d’œuvre qui dorment dans les catalogues des grands studios.
Et parfois, les éditeurs vidéo nous vendent certains navets comme des chefs-d’œuvre. Thoret aime bien faire ça et il n'est pas le seul.
JOE est un parfait exemple du faux "chef-d’œuvre" qui aurait mieux fait de rester au fond d'un tiroir.
Le pire, c'est que certains plongent la tête la première.
Non, JOE n'est pas un chef-d’œuvre oublié. C'est juste un film lambda du Nouvel Hollywood, comme il en sortait treize à la douzaine tous les mois aux USA, à l'époque.
Filmé n'importe comment (il faut voir le carnage) avec des effets à 2 balles (il faut voir le meurtre du hippie), incarné sans talent (Doyle est terriblement mauvais dans son rôle, on n'y croit pas une seule seconde) et raconté mollement (l'enchaînement des scènes, les dialogues, rien ne fonctionne)... bref, JOE fait beaucoup de peine.

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Trop prévisible et ennuyeux.

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Du Fitoussi, pur jus.

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Il y a eu l'Apiculteur (THE BEEKEEPER), voilà maintenant le Maçon ?!
C'est n'importe quoi.
Hollywood ayant horreur du vide, comme dame Nature, il faut bien remplacer les héros du BZ quand ils sont trop vieux, décédés ou qu'ils ne rapportent plus de pépètes. Donc "au revoir" Bruce Willis, Steven Seagal, John Cusack, "au revoir" les catcheurs, et "bonjour" Frank Grillo ou... Aaron Eckhart.
Autant, Eckhart et son corps étaient "faits" pour les "Shoot'em up en POV" comme WORLD INVASION: BATTLE LOS ANGELES et 64 MINUTES CHRONO ; autant le voir dans ce genre de bouses fait de la peine.
Entre ce BRICKLAYER, le suivant (THE SPY CODE) et le précédent (CHIEF OF STATION)... sans oublier I, FRANKENSTEIN, autant dire que le spectateur dérouille.
Reste à voir AMBUSH, MUZZLE et RUMBLE THROUGH THE DARK... tout un programme.
Moralité : c'est toujours dur de suivre la carrière d'un acteur qu'on aime bien, une fois que ses agents lui font prendre la voie boueuse du DTVoD BZ au rabais, pour qu'il puisse payer ses divorces / les traites de ses maisons / les hautes études de ses enfants ou petits-enfants !
Et il en a encore 5 comme ça, à venir pour 2025-2026 !?

PS : Ah et pour Renny Harlin ?
Il est revenu de ses contrats chinois, les poches bien pleines (comme les footballeurs partis en Arabie Saoudite) mais la filmographie en lambeaux.
Il filme ce BRICKLAYER en mode automatique, foire le montage de TOUTES les scènes d'action mais parvient à inscrire le film comme une nouvelle date importante du 7° Art !
Comment ?
C'est simple : en réalisant la scène de dialogue en voiture sur fond vert la plus hideuse jamais vu encore sur un écran. Et quand on sait que c'est devenu une spécialité du cinéma d'action depuis 2010 à peu près, c'est très très fort.
Il faut la voir pour y croire.
Même Robert Rodriguez, seul dans son garage sur SPY KIDS 28, ferait mieux !

Annotation :

Qu'est ce que c'est mou et prévisible.
Le pire c'est que le spectateur ne ressent jamais l'emprise tyrannique du père sur la famille, pourtant voulue par le scénariste (si on en croit les interviews et le synopsis officiel), hormis dans l'intro'... et encore, il faut le dire vite.
Et puis 2h13...
Bref, voilà du cinéma préfabriqué sans réelle émotion et au casting hyper décevant.
Du Fast food d'IA avant l'heure, nullissime de A à Z.
IA... A24... tiens, tiens...