Journal de bord vidéoludique 2023

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Je suis resté imperméable à la narration de Solar Ash (2021), un titre mélancolique qui a pour objectif de nous raconter la fin d’un univers. En fait, je trouve qu’il tient difficilement la comparaison face à The Pathless qui aborde plus subtilement des thèmes similaires. Toutefois, le dernier né de Heart Machine (Hyper Light Drifter) a un magnifique atout dans sa poche : il a le flow que devrait avoir un jeu Sonic. Rei, notre héroïne, se meut drôlement bien. Elle flotte tel un fantôme sur la surface molletonnée de cette drôle de planète aux teintes saturées. C’est fluide, vif et ça répond au doigt et à l’œil ! Le jeu s’offre même quelques séquences de bravoure quand le level-design joue avec la verticalité. On retrouve, le temps d’un court chapitre, la grâce d’un jeu de glisse, en évoluant de rail en rail pour espérer arriver au sommet en un seul morceau. Malheureusement – et cela rejoint mon premier point –, malgré cette fluidité remarquable, Solar Ash est aussi un jeu passe-partout. Il n’arrive pas suffisamment à se démarquer des autres descendants des créations de Fumito Ueda et de Jenova Chen.

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50 niveaux… Est-ce que vous vous rendez bien compte de la dinguerie !? Astérix & Obélix : Baffez-les tous ! (2021) propose 50 niveaux ! On parle quand même d’un beat’em up… Et il ne s’agit pas ici de n’importe lequel, mais bien d’un beat’em up qui se contente du minimum syndical côté gameplay. Pour vous donner une petite idée, le jeu propose deux combos en tout et pour tout, un pour Astérix et un autre pour Obélix. Autrement dit, proposer 50 niveaux avec une telle recette, c’est juste complètement irrationnel. Et pour sûr que les joueurs et les joueuses repartiront avec un mauvais souvenir de ce Baffez-les tous ! une fois terminé ; on peut facilement le considérer comme trop long, paresseux et juger qu’il s’étire bien plus que nécessaire. Malgré tout, je dois bien l’avouer, je ne trouve pas cet Astérix & Obélix : Baffez-les tous ! désagréable. On peut même dire que, parfois, le soft arrive à m’amuser en me forçant à me déplacer à travers les différentes arènes blindées de Romains pour ne pas recevoir de lance(s) perdue(s) ou de coups de pied dans le dos. Je dirais même que le titre favorise, malgré lui, les déplacements plutôt que l’action. La production est plus ou moins sauvée par sa plastique réussie qui rend honneur au trait d’Uderzo.

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Si les environnements dans lesquels on évolue sont minéraux, Cocoon (2023) se définit avant tout par sa dimension organique. Malgré des embûches par dizaines, souvent synonymes de petites énigmes, la progression reste limpide, d’une fluidité exemplaire. Il est par exemple rare de buter plus de cinq minutes sur une seule et même épreuve, et pourtant, le jeu ne donne jamais l’impression d’être trop facile ou de nous prendre par la main. Autrement dit, Cocoon offre un parfait équilibre de ce point de vue. Là où je suis un peu plus sceptique, c’est au niveau du rythme : la fin est soudaine ! Même si je ne suis pas client des productions qui s’étendent pendant des heures durant, pour moi, Cocoon se termine trop rapidement : il n’a pas le temps de délivrer son plein potentiel et donc de rendre son concept inoubliable. Quand débarquent les crédits de fin, on en ressort alors avec un petit goût amer en bouche.

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Dans un monde idéal, Disney Speedstorm et DreamWorks All-Star Kart Racing (2023) auraient pu être complémentaires : le titre de Bamtang réussi là où celui de Gameloft échoue. Disney Speedstorm est magnifique, soigné dans le moindre détail, mais manque aussi cruellement d’inventivité. Ce n’est pas le cas de DreamWorks All-Star Kart Racing qui a pour vraie qualité sa fantaisie. En plus d’être variés, les différents tracés sont bien dessinés, avec des virages serrés, des raccourcis bien dissimulés ou non, des passages sous l’eau et d’autres dans les airs. Le problème, c’est qu’excepté son imagination, le titre n’a pas grand chose pour lui : rien n’a été pensé pour rendre la formule accessible aux plus jeunes ; pire, le jeu vient constamment mettre des bâtons dans les roues des débutants. Le level-design induit en erreur, pousse à privilégier les hauteurs alors qu’il est conseillé de garder ses quatre roues bien ancrées au sol pour rouler à pleine puissance, et tout ce qui touche aux objets est complétement foutraque. Un titre qui loupe sa cible donc !

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Goldorak : Le Festin des Loups (2023) manque d’une direction et ne fait pas nécessairement les bons choix artistiques pour représenter la démesure de son héros. Il opte pour une caméra à l’épaule comme le ferait n’importe quel TPS – ce qui n’a aucun sens – et s’embête jamais à mettre en place une échelle cohérente, humaine : on a alors la curieuse impression d’évoluer sur des maquettes pas toujours très bien ficelées. Mais le titre reste malgré tout une expérience honnête, respectueuse du matériau d’origine et sait même se montrer plaisant lorsque qu’il fait parler les poings. En cherchant la simplicité, Goldorak : Le Festin des Loups retrouve l’essence des premiers beat’em up 3D. Et comme le jeu souhaite avant tout jouer avec la nostalgie des joueurs et des joueuses en ressuscitant une saga disparue, on peut dire que le pari est réussi.

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Pensé comme un jeu à la carte, Alan Wake II (2023) propose deux visions différentes de notre médium, tout en restant cohérent – ce qui démontre déjà d’une certaine maîtrise. Tout l’arc de l’inspectrice Saga Anderson est, disons, plus conventionnel : il reprend les bases d’Alan Wake premier du nom, et en profite pour soigner ses atours. Ce segment donne véritablement l’impression d’évoluer dans un espace ouvert et aux dimensions réalistes. L’agencement des lieux et la manière de les aborder – en toute liberté donc –, rappellent notamment celle de Resident Evil 2 Remake, ce qui est plutôt une bonne chose, étant donné l’efficacité du titre de Capcom. La partie avec Alan, quant à elle, s’adonne à des expérimentations hypnotiques et transforme son récit en une œuvre transmédiatique pour mieux explorer les méandres de l’esprit tourmenté de l’écrivain et questionner ce qui tient de la fiction ou du réel. J’aurai qu’une seule chose à reprocher à Alan Wake II : il est plus bavard que nécessaire, il a tendance à ré-expliquer à plusieurs reprises ce que l’on avait déjà compris. Dans tous les cas, Alan Wake II incarne aujourd’hui mon jeu de l’année 2023.

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Dans un monde idéal, Party Animals (2023) aurait pu améliorer la recette proposée par Gang Beasts en corrigeant tout simplement ses manqués… Spoiler, ce n’est pas le cas ! Si Party Animals arrive bel et bien à combler les erreurs du jeu de Boneloaf Games en débarquant avec un meilleur univers visuel et un mode Online qui tient la route – le plus gros problème de Gang Beasts –, il arrive malheureusement à oublier les fondamentaux. Party Animals se contente vraiment du minimum syndical côté gameplay : il y a seulement deux touches, une pour frapper et une autre pour saisir, alors qu’il aurait vraiment fallu reprendre toutes les idées de sa référence, soit octroyer une touche pour chaque bras, pour ouvrir le champ des possibles. La faute à ce gameplay manquant de fond, les situations peinent à se renouveler d’une partie à une autre, et l’ennui pointe vite le bout de son nez.

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Marvel’s Spider-Man 2 (2023) est sorti trop tôt, beaucoup trop tôt. Rien ne justifiait l’arrivée de cette suite : aucun bond technologique, aucune idée marquante, aucune vision globale, si ce n’est de prendre la même direction que les films Marvel. Avant même de lancer le jeu, j’étais réticent quant à l’idée de me retaper une troisième fois – en 5 ans – la même formule, et bien évidemment, ça n’a pas loupé. Au bout de quelques heures seulement, j’étais déjà las de me balancer de buildings en buildings, de survoler une ville que j’ai mainte fois survolée et de revoir exactement les mêmes combos et autres finish-moves. Le jeu a même l’indécence de faire moins bien que ses prédécesseurs à ce niveau là, la faute à un level-design plus terre-à-terre et à des séquences d’infiltration réduites à peau de chagrin. Marvel’s Spider-Man 2, c’est donc le jeu pop-corn par excellence, celui qu’on englouti sans s’en rendre compte, si ce n’est si l’ennuie pointe le bout de son nez. Et pour qu’il devienne nécessaire, il aurait dû patienter dix bonnes années pour nous mettre une claque visuelle comme en 2018.

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Outre une incroyable playlist et de nombreuses références au cinéma américain, et plus particulièrement à celui de De Palma, Grand Theft Auto : Vice City (2002) n’a pas grand-chose à raconter ni à offrir. Le jeu se contente des acquis de son aïeul lancé un an plus tôt pour transposer la recette à succès dans une toute nouvelle ville, la fameuse Vice City. Malheureusement, cette dernière s’apparente plus à un simple terrain de jeu qu’à un véritable monde taillé sur mesure. La carte est bien moins inspirée, la faute à une construction en miroir de ses deux parties et à de gigantesques zones laissées-pour-compte qui parsèment une bonne partie de la map. Le seul vrai argument de Vice City par rapport à son prédécesseur, c’est qu’il expédie son « scénario » en cinq petites heures pour mieux se concentrer sur l’aspect bac-à-sable, ici prenant tout son sens grâce à l’arrivée de petites entreprises à acheter et à gérer.

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Journey (2012) doit se contempler comme une peinture. Derrière les couleurs pastel, les teintes estompées, les paysages majestueux, les interactions et même le sable se cache une infinité de symboliques qui renvoie constamment à une même idée : la mort, ou plutôt, la vie ! Même la dimension multijoueur a été pensée pour raconter quelque chose : chaque rencontre peut représenter un ou une ami(e), un ou une camarade, un époux ou une épouse, ou même un amour unique. À partir de là, difficile de voir autre chose en Journey qu’un magnifique chef-d’œuvre, inoubliable, qui peut en plus se vanter d’avoir inspiré bon nombre de productions vidéoludiques : Jusant et Death Stranding pour les plus récents, mais aussi RIME, ABZÜ ou encore OMNO. Journey c’est donc la preuve vivante que le jeu vidéo est un art à part entière. À faire et à refaire !

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Le hérisson bleu qui a fait un départ fulgurant sur MegaDrive a bien du mal à se faire une place dans le paysage vidéoludique depuis l’avènement de la 3D. Et si Sonic Superstars (2023) essaye de rectifier le tir, sachez qu’il se prend, lui aussi, les pieds dans le tapis. Outre la variété des environnements, rien ne va dans ce nouvel épisode qui a pour première ambition de moderniser la formule. Les différentes nouveautés apportées pour aller dans ce sens sont bien trop timides. Pour tout vous dire, on peut faire l’intégralité de Sonic Superstars sans même utiliser l’une des fonctionnalités inédites, les fameux pouvoirs Émeraudes. Notons également que le mode multijoueur, pourtant mis longuement en avant pendant la période marketing du jeu, est parfaitement injouable, et que l’ensemble manque cruellement d’idées. Un épisode de plus à éviter donc !

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DON’T NOD, anciennement Dontnod, a bien mérité sa nouvelle appellation : Jusant (2023) prouve que le studio est enfin capable de s’éloigner de la formule « Life is Strange » pour offrir une proposition différente, mais surtout réussie. Si le soft ne brille pas par son originalité – étant donné qu’il reprend beaucoup de ses références (Journey en tête) – ni par son gameplay qui effleure tout juste le monde de l’escalade, il fait de ce gigantesque phare naturel, un univers captivant. Jusant a une vraie maîtrise de la narration environnementale : chaque lieu déserté, chaque bâtisse abandonnée, chaque objet oublié témoignent d’une vie passée. Ces souvenirs d’autrefois sont au service d’une grande histoire : Jusant est avant tout une réécriture de la Tour de Babel – épisode biblique qui montre la prétention de l’homme à vouloir égaler la puissance divine –, pour la transformer en une fable écologique moderne et maîtrisée.

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Drôle malgré lui, Le Crime de l’Orient-Express (2023) peut vous procurer de francs moments de rigolades, ou au contraire vous horripiler par sa bêtise constante. Entre des dialogues absolument lunaires, : « J’enseigne au Royaume-Uni. – Oh, c’est en Angleterre n’est-ce pas ? », des situations abracadabrantes, des énigmes mal intégrées et des animations complètement cassées, cette énième adaptation du grand classique de la littérature anglaise a bien du mal à rendre honneur au roman auquel il s’inspire. Il y a heureusement quelques fulgurances ici et là, grâce à l’arrivée d’un personnage inédit – Johanna Locke –, et de la mise en place d’une dernière ligne droite qui révèle ce que le jeu aurait dû être : d’un coup apparaît des casse-têtes originaux et vraiment bien sentis où il faut obligatoirement faire coopérer nos deux protagonistes jouables pour avancer, à croire que deux équipes différentes ont travaillé sur ce même projet.

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Sans surprise, Hot Wheels Unleashed 2 Turbocharged (2023) est dans la stricte continuité du premier opus sorti deux ans plus tôt. Il débarque toutefois avec une poignée d’ajustements qui font la différence. Et c’est surtout ça que l’on retiendra. Avec Turbocharged, fini les situations crispantes qui pouvaient gâcher l’ambiance et place au fun, sans désagrément. Les courses s’enchainent sans que la physique ou la caméra fassent des siennes – ce qui change drôlement la vie – et on se laisse happer par notre collectionnite aiguë, qui est toujours l’un des points forts du soft. Dans un soucis de variété, le jeu propose également quelques petites nouveautés, avec l’arrivée d’activités inédites et de plusieurs types de véhicules supplémentaires (moto, quad, Monster Truck), mais on ne vas pas se mentir, c’est plus de l’ordre du cosmétique que de l’indispensable. Autrement dit, si vous avez apprécié le premier opus, vous pouvez être sûr d’aimer cette suite, et ce, malgré un sentiment de déjà-vu.

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Contrairement à Steep qui se présente comme une véritable lettre d’amour au monde de la glisse, Riders Republic (2021) a la curieuse manie de ne jamais comprendre les disciplines qu’il représente. Une course de vélo, une descente en skis, une session en snow ou en skateboard ne partagent pas la même philosophie, et par essence, ne peuvent pas bénéficier de la même approche, et pourtant Ubisoft Annecy l’a fait : chaque sport se manipule de la même manière. À partir de là, il y a forcément des activités maltraitées (le wingsuit, le ski et le snowboard) et d’autres favorisées, à commencer par le vélo qui offre de très bonnes sensations, surtout en vue à la première personne. En plus de vouloir tout faire, quitte à mal faire, Riders Republic ne récompense jamais l’expérimentation, pire, il rend le tout frustrant, la faute à ces gameplay uniformisés donc, mais aussi à ce terrain de jeu balisé qui a peur de laisser le joueur dans l’inaction. Le titre impose constamment son hyperactivité et sa pluie d’activités pas toujours bien senties, passant ainsi l’aspect contemplation de Steep complètement à la trappe. Dommage !

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Tout porte à croire que MK11 n’était qu’un heureux accident… Après avoir compris et sublimé le versus fighting en soignant aussi bien le fond que la forme, la saga phare de NetherRealm Studios retourne à ses travers. Mortal Kombat 1 (2023) – un jeu que je soupçonne être sorti à la va-vite pour des questions financières – favorise à nouveau l’aspect « spectacle » au détriment du reste. Roi de l’esbroufe, le titre camoufle sa rigidité par des effets clinquants omniprésents et un gameplay sous caféine, contrairement à Street Fighter 6 qui a fait le judicieux choix de temporiser l’action. Ce parti-pris étonnant accentue les défauts et souligne d’autant plus le manque de travail au niveau du chara-design et des animations, qui se sont dégradées. Même l’image en prend un coup, la faute à un filtre granuleux qui vient la détériorer, des éclairages inégaux et une direction artistique impersonnelle ; il suffit de comparer le positionnement de la caméra virtuelle entre MK11 et MK1 pour voir le gouffre qui sépare les deux jeux. La seule chose que Mortal Kombat 1 peut se vanter de faire mieux que son aîné, c’est le mode Histoire. Ce nouveau récit à hauteur humaine fait évoluer le joueur en même temps que ses personnages, et ça, c’est vraiment une bonne idée.

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Le problème, ce n’est pas que Starfield (2023) est un Skyrim dans l’espace, c’est qu’il est un Skyrim dans l’espace en moins bien. Dans sa quête de l’infiniment grand, Starfield en oublie l’infiniment petit. Les terrains de jeu s’agrandissent, oui, mais au détriment du détail. On a donc 1000 planètes à explorer, mais combien sont intéressantes ? Combien valent Diamond City ou Blancherive ? Aucune ! 95% des planètes ne sont que des gigantesques cailloux, pratiquement lisses, qui abritent une base abandonnée et quelques animaux extraterrestres rappelant les débuts de No Man’s Sky. Et s’il est difficile de ne pas d’abord succomber au charme de certaines villes, elles aussi se révèlent factices. Rien n’est organique. On n’a pas le temps de poser pied à terre que les différentes quêtes explosent aux visages. On est constamment sollicité, ce qui laisse peu de place à la curiosité. Les PNJ, quant à eux, occupent simplement l’espace pour faire illusion. Il suffit de jeter un œil à New Atlantis, une ville gigantesque mais fantomatique, pour s’en rendre compte. Starfield est broyé par sa démesure. Pour tenir, il est obligé de lisser ce qui donnait de la consistance à Skyrim, Fallout 3 et 4. Et c’est pour moi ce qui en fait le plus mauvais jeu Bethesda, et ce, malgré une nette amélioration des phases de combat.

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En dehors du fait que House of Ashes (2021) profite de magnifiques animations que j’aimerais retrouver dans n’importe quel TPS – on a véritablement l’impression d’être dans un film d’action –, notez que la production est aussi la meilleure création signée Supermassive Games, et ce, depuis bien longtemps – en même temps, vous allez me dire que ce n’est pas très difficile (et vous avez raison). En fait, en faisant le choix de ne pas mettre une énième fois en scène des adolescents, House of Ashes arrive à entrer plus rapidement dans le vif du sujet. Honnêtement, ça fait du bien ! Bien évidemment, tout n’est pas parfait, il y a notamment un manque de variété au niveau des décors et des situations – sûrement à cause d’un manque de budget flagrant –, la fin est un poil expéditif, et un personnage en particulier est plus qu’agaçant… Heureusement que ce dernier, dans ma partie, a vite trouvé la mort !

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À force d’être en rupture avec les codes – et même avec ses propres codes – pour se sentir différent, Inscryption (2022) loupe le coche. En abandonnant sa première formule au profit d’une autre, le jeu s’auto-s’aborde. On a l’impression de perdre au change. Pire, on en vient à regretter les premières heures qui avaient tout pour plaire : une approche originale, entre rogue-like et jeu de rôle papier, des visuels réussis et une ambiance énigmatique qui tient en haleine. Le côté mystérieux d’Inscryption est d’ailleurs pour moi l’une des plus grande force du soft, mais encore une fois, tout se perd à la fin de l’Acte I. D’un coup, d’un seul, le titre révèle trop d’informations, ce qui casse complètement le mystère. Le jeu ne sait jamais faire dans la demi-mesure, soit il transforme radicalement sa proposition, ce qui a le don de déstabiliser et de décevoir, soit il en dit trop. Ce malheureux combo me fait penser qu’Inscryption aurait gagné à être plus terre-à-terre, ou plutôt de se contenter d’une seule et unique idée : la première, qui est définitivement la meilleure. Un jeu au potentiel gâché donc.

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À l’image d’un Tetris ou encore d’un Pac-Man, Shotgun King (2023) est un titre au langage universel qui parle aussi bien aux hardcore gamers qu’aux joueurs d’échecs chevronnés et aux nouveaux venus qui n’ont jamais touché à un jeu vidéo. Un constat plutôt paradoxal, puisque le jeu d’échecs vidéoludique de PUNKCAKE Délicieux emprunte aux rogue-like, un genre connu pour sa difficulté retorse. C’est justement là que le soft frappe fort : une simple aide que l’on peut activer (ou non) permet de changer l’expérience du tout au tout. Dans un premier temps, on peut pester sur le fait que Shotgun King perd ce qui fait le sel du jeu d’échecs, en mettant l’observation, la patience et la réflexion de côté. Mais en désactivant l’aide, on a le résultat inverse : le titre ressemble à un parfait mélange entre un jeu de stratégie au tour par tour et un véritable casse-tête. Comme tout rogue-like qui se respecte, le tout est en plus hautement addictif et donne sans cesse envie de se surpasser. Si pour finir, je peux vous donner un petit conseil, privilégiez la version PC, qui profite d’une meilleure ergonomie.

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En plus de proposer des personnages haut en couleur, Red Dead Redemption II (2018), malgré des longueurs, décrit avec brio un monde sauvage en perdition. Cet univers, au sens du détail démesuré, transpire la poussière, dévoile des séquences dantesques et comporte encore et toujours des graphismes à couper le souffle. En dehors des missions un peu trop scriptées à mon goût, les scènes d’action sont absolument sublimes. Elles mettent en avant une violence crue, reflet de cette époque, en mettant à disposition des joueurs de nombreux moyens pour prendre d’assaut un camp ennemi : approche furtive, système de combat au corps-à-corps complet, arsenal varié et option Sang-froid qui permet de ralentir le temps et de gagner en précision. Les réactions des ennemis sont, quant à elles, extrêmement crédibles. Les visages se déforment sous le poids de nos phalanges et la colère comme la souffrance se lisent dans leurs yeux. Autrement dit, les séquences s’enchaînent, mais ne se ressemblent jamais.

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Si le « multijoueur » peut être au service d’un concept, d’un discours, parfois, il peut aussi faire figure de véritable cache-misère. Fortnite, avant d’être ce qu’il est devenu – un jeu événementiel –, n’était qu’un Messenger interactif géant et gratuit qui permettait de retrouver ses amis le soir. The Texas Chainsaw Massacre (2023) me fait malheureusement le même effet… Si j’ai pris mon pied sur le jeu, c’est parce que j’étais bien accompagné. La dimension sociale a pris le dessus sur mon activité de joueur. Mais que se passe-t-il lorsque l’on retire cette dimension ? Le château de cartes s’écroule ! Il ne reste alors plus qu’une production superficielle, qui n’a que l’aura de sa licence comme plus-value. En jouant en solo, on se rend tout simplement compte que The Texas Chainsaw Massacre enferme rapidement ses joueurs dans une forme de routine. Grosso modo, c’est un Dead By Daylight avec du budget, mais qui se paye le luxe de tourner encore plus rapidement en rond, la faute à l’absence de données aléatoires. Tous les objets importants sont posés exactement à la même place d’une manche à l’autre. Conclusion, toutes les parties se ressemblent.

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N’ayons pas peur des mots, c’est franchement con ! Mais malgré tout, ça fonctionne. En même temps, Kill It With Fire (2021) se donne du mal pour aller au bout de sa connerie, et rien que pour ça, je dis chapeau. Entre un détecteur de mouvement façon Alien Isolation, des étoiles ninja, un M16, du C4 et même une arme nucléaire, le jeu de Casey Donnellan propose toujours plus d’idées, et donc de possibilités, pour venir à bout de ces êtres rampants et inoffensifs que sont les araignées. La recette marche tellement bien que je n’ai pas lâché le pad avant de voir les crédits de fin, alors qu’honnêtement je ne pensais pas m’attarder sur le jeu au-delà d’une poignée de minutes. Vous l’avez compris, si vous ne savez pas quoi faire un dimanche d’après-midi pluvieux et que vous n’avez pas envie de partir dans une aventure longue de plusieurs heures, c’est Kill It With Fire qu’il vous faut.

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Sous ses airs de jeu enfantin, Tchia (2023) a tout d’un grand. Il fait ce que beaucoup de productions normalement destinées aux adultes s’interdisent de faire, en mettant l’emphase sur l’exploration. Notre héroïne, pour se repérer dans l’espace, a pour seuls outils une vieille boussole et une carte format papier, qui ne comporte bien évidemment pas la mention « vous êtes ici ». Tout le merveilleux de la découverte se fait alors ressentir, et ce, malgré le fait que le jeu succombe un peu trop aux sirènes du remplissage : 90% des activités principales et secondaires se contentent de coffres à ouvrir et de camps ennemis – pas très palpitants – à vider. Mais la force du titre réside de toute façon ailleurs : Tchia, c’est avant tout l’amour du partage ! Le jeu en fait le cœur de son récit, via ces offrandes qu’il faut remettre aux chef·fe·s des différents villages, et Awaceb, son objectif. Avec Tchia, le studio nous fait découvrir une langue néo-calédonienne – le drehu –, des musiques incroyables et toute la richesse d’une culture. Tchia, c’est donc un voyage que je recommande chaudement !

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Pourtant simple transposition en trois dimensions de GTA 2 – on y retrouve ses idées et même son sound-design –, GTA III (2001) s’impose comme une véritable révolution vidéoludique : c’est simple, toute la formule Grand Theft Auto est enfin là. Décomplexé, le titre de Rockstar Games dévoile un univers cohérent, vivant, qui fait tout pour ne jamais casser l’immersion et offrir une liberté sans pareil. La ville de Liberty City, malgré sa taille modeste, frappe par son réalisme et sa construction qui, aujourd’hui encore, donne une impression d’immensité. On adore s’y perdre, du fait de l’absence de véritable carte, et se mélanger avec ses habitants qui n’hésitent pas à semer le chaos. Le cycle jour/nuit, qui est aussi un exploit pour l’époque, tout comme la météo évolutive, contribue grandement à donner vie à cette métropole en dévoilant des ambiances variées. S’il manque quelque chose à ce GTA III, en dehors de vraies mécaniques pour les gunfights, c’est bien au niveau de l’écriture. Contrairement à ses suites, le titre manque de dérision et fait de son histoire biberonnée au film noir un simple prétexte pour relier les missions. J’ai envie d’ajouter que GTA III est un peu GTA IV avant l’heure. Les deux titres partagent la même ambition finalement : représenter une « réalité » et la rendre la plus crédible possible. La conduite des véhicules a une approche réaliste par exemple, et le parcours de notre anti-héros ne s’éloigne pas tant de celui de Niko Bellic.

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Reboot du Reboot ! Si Gears 5 (2019) donne de la consistance à ses personnages, il fait aussi le choix d’oublier ce qui avait déjà été écrit. Cela donne l’impression que la saga est en roue libre, qu’elle peut à tout moment déconstruire tout ce qui a été battit. Mais malgré son envie de ré-écrire l’histoire, côté gameplay, ça ne bouge pas d’un iota (encore une fois). On se retrouve alors avec un gameplay bête et méchant qui consiste une fois de plus à tuer tout le monde et tout détruire sur son passage. Et les rares fois où le titre essaye de sortir des sentiers battus, c’est pour mieux échouer. Toutes les phases – beaucoup trop nombreuses – en zone semi-ouverte cassent le rythme, dispersent les enjeux et dévoilent aux yeux du monde toute la superficialité du soft. Pour moi, Gears 5 incarne tout simplement l’épisode de trop, celui qui n’a malheureusement pas grand chose à offrir.

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Tout comme pour Magic Orbz, j’aime comment Shatter (2009) détourne le casse-brique traditionnel… Sauf que ce dernier le fait intelligemment. Il en profite pour ré-inventer tout le vocabulaire du genre pour constamment surprendre le joueur. Il change l’axe de la caméra, déforme les règles, ajoute des mécaniques inédites – notre vaisseau est un aimant qui peut attirer ou repousser les briques – et emprunte régulièrement au shoot’em up. Franchement, c’est du tout bon ! Surtout qu’il propose par la même occasion un voyage aussi bien auditif que visuel, grâce à une bande-son électronique mémorable qui colle parfaitement à l’univers et à direction artistique minimaliste qui, aujourd’hui encore, fait mouche. Une fois devant Shatter, il est tout simplement impossible de décoller de son siège avant de voir les crédits de fin, tant la production de Sidhe maitrise à la perfection son sujet.

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Ce n’est pas pour rien qu’il existe d’un côté des jeux vidéo et de l’autre des jeux de plateau… Et cette énième adaptation du Monopoly prouve une fois de plus que les deux supports sont difficilement compatibles. Que ce soit l’interface de jeu qui ne permet jamais d’avoir une vision d’ensemble, ou le trop grand nombre de temps morts – les pions contrôlés par l’I.A. prennent clairement leur temps, tout comme les différentes animations –, rien n’a été pensé pour faire de ce Monopoly Plus (2014) un vrai objet vidéoludique. C’est simple, il est bien plus agréable de ressortir l’une des versions du vrai jeu de société, plutôt que de se farcir ces menus indigestes, cette I.A. dont on a peine à croire qu’elle joue vraiment avec le hasard, ou ces nouvelles règles qui permettent d’avoir le monopole du plateau en deux ou trois tours seulement. Un titre à éviter, vraiment !

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Même si je sais pertinemment que je ne fais pas face à une grande œuvre, j’ai toujours apprécié Magic Orbz (2009) pour son enrobage – plutôt joli – qui nous éloigne du casse-brique traditionnel. Mais force est de constater qu’en dehors de sa mini-prouesse technique et de son univers tout en 3D, le titre n’a pas grand chose à offrir. Le tout est fortement perfectible : il y a un gros manque d’idée, la physique est souvent aléatoire, les rebonds parfois incompréhensibles, et surtout, le contenu est réduit à peau de chagrin. Magic Orbz ne propose que deux types d’environnements, et seul l’un d’eux vaut le détour. Pour davantage de contenus, il faut bien évidemment se tourner vers les nombreuses extensions du soft. Malheureusement, à l’heure où j’écris ces lignes, elles ne sont plus disponibles à l’achat (étant donné que le titre est seulement disponible dans l’offre PlayStation Plus Premium).

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Inspiré, vraiment ! Pinball Heroes (2013) rend hommage aux héros de l’univers PlayStation d’une très belle manière. Chaque table – représentant à chaque fois une franchise différente – est fidèle à son inspiration, aussi bien dans les défis qu’elle propose que sur le plan artistique ; les visuels comme la bande sonore reprennent les codes des différentes licences (Uncharted, Fat Princess, Pain, WipEout et bien d’autres). Par contre, Pinball Heroes manque d’un brin de précision pour être un excellent jeu de flipper. Il est par exemple impossible de jauger convenablement la puissance de ses frappes, ce qui réduit considérablement les possibilités, et la difficulté est plus que variable d’une table à l’autre. Pour vous donner une petite idée, sur certaines, il est possible d’enregistrer un score qui s’élève à plusieurs millions, et sur d’autres, il est plus que difficile d’atteindre les 100.000 points.