La Rochelle ma belle : juillet 2013

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"La copie numérique que nous avons découverte en avant-première est d’excellente qualité. Rien à voir avec celle, toute rouge, que le festival avait dénichée en 2011 pour sa rétrospective David Lean. La « Madame Bovary » en version irlandaise a retrouvé tout son lustre et son âpre beauté.


Et Sarah Miles ? Elle se sent si bien à La Rochelle qu’elle a chaussé les charentaises (rouges). Heureuse surtout de voir ce film, qui lui valut une nomination aux Oscars, sortir de l’oubli. « La critique l’avait éreinté en 1970. Je crois qu’il lui était impossible, après « Docteur Jivago » et « Lawrence d’Arabie », de dire que David Lean avait signé un nouveau chef-d’œuvre. Il en a été tellement meurtri qu’il n’a plus rien tourné pendant quatorze ans.»

Sarah Miles raconte un tournage dantesque dans la presqu’île de Dingle. La pluie, chaque jour, le froid, le vent. « David Lean avait choisi cette côte parce qu’elle est réputée pour ses tempêtes. Mais pendant deux ans, il n’y en a pas eu, les gens n’avaient jamais vu ça ! Alors, la fameuse scène de la tempête, il est allé la tourner en Afrique du Sud. Il a repeint le sable, les rochers et on ne voit pas la différence ! »

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"Au-delà des genres auquel il semble appartenir (film de sabre, mais aussi comédie sentimentale et parfois burlesque, critique sociale, fresque picaresque), il reste plus que jamais un sens du tragique dans les Sept Samouraïs qui justement épargne au film de se laisser enfermer dans une des catégories qu’il représente. La beauté ravageuse de ces soldats condamnés à l’oubli, vestiges crépusculaires d’un monde qui agonise, continue aujourd’hui encore d’exercer une fascination mystérieuse, parce que peut-être inaltérable."

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"Quelques longueurs n’enlèvent pas à ce film sa force brutale, sa poésie paradoxale.
Et c’est la poésie d’une époque qui ne renaîtra plus".

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"Célèbre titre de la veine irlandaise de son auteur, L’Homme tranquille (The Quiet Man, 1952) est le film du retour au pays natal, et peint un tableau idyllique de l’Irlande. Le Technicolor rutilant magnifie les paysages campagnards, les vertes prairies, tandis que Ford ne lésine pas sur le folklore, avec la description attendrie d’une petite communauté villageoise, de personnages pittoresques, et se laisse aller à son goût légendaire pour les scènes homériques de beuveries et de bagarres."

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http://www.youtube.com/watch?v=wlEt1VkAiqk

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http://www.dailymotion.com/video/xw4awk_l-etroit-mousquetaire-de-max-linder-extrait_shortfilms

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http://www.youtube.com/watch?v=gn2Sjo4TyTY

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"On est la presse, on ne paie jamais". Cette réplique du Gouffre aux chimères est en fait une antiphrase. Chuck Tatum, le répugnant personnage principal de ce film très noir, finira par payer ses crimes de journaliste, et au prix fort. Tourné en 1950, distribué en 1951, Le Gouffre aux chimères renvoie à une époque où les articles étaient tapés à la machine, dictés par téléphone à des sténographes, et lus dans des journaux imprimés sur du papier."

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"Ce troisième film de Billy Wilder change radicalement la donne et, comme Le Faucon maltais (The Maltese Falcon) de John Huston trois ans auparavant, fait véritablement repartir le genre sur de nouvelles bases, lui ouvrant des espaces narratifs encore inexplorés et oh combien passionnants ! Depuis, le film noir l’a repris à son compte des milliers de fois mais (avec Citizen Kane dans un autre registre) c’est vraiment Assurance sur la mort qui a lancé la mode de la voix off et du flashback pour briser la linéarité du récit policier et du suspense.

Suspense qui ne repose plus désormais forcément sur l’identité du coupable (puisque nous le connaissons ainsi que son échec final dès les premières minutes par l’intermédiaire du soliloque recopié ci-dessus) mais sur le pourquoi et le comment de l’assassinat."

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"Ariane est l’adaptation d’un roman de Claude Anet (Ariane, jeune fille russe) dans lequel la jeune héroïne entretient une relation passionnelle avec un homme d’âge mûr. Ce pitch est l’occasion pour Wilder et Diamond de dresser un portrait au vitriol du mâle américain et de dénoncer l’aliénation de l’individu dans la société moderne.

Ici, l’individu en question n’est autre qu’Ariane, à la fois soumise à l’autorité paternelle et à celle de son amant. Afin de se défaire de cette double emprise, elle utilisera le mensonge, jouera sur les apparences et devra faire preuve de beaucoup de malice. La voir ainsi manipuler Flanagan, ce riche industriel blasé des histoires d’amour, est un véritable plaisir pour le spectateur. Peu à peu, le récit montre comment les rôles s’inversent (la jeune innocente devient manipulatrice, tandis que le vieux séducteur retrouve des émotions d’adolescent) jusqu’à trouver un équilibre qui les verra finalement se dévoiler avec franchise."

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"C’est au moins la troisième adaptation cinématographique de la pièce de Charles McArthur et de Ben Hecht, pas la toute meilleure même si elle n’est pas mal du tout.

Comme les autres, elle raconte comment Walter Burns, le rédacteur en chef d’un grand journal de Chicago, piège son meilleur chroniqueur judiciaire, Hildy Johnson, qui veut quitter le métier pour se marier. Comment il le force à continuer à travailler pour lui. La première adaptation signée Lewis Milestones (de 1931 avec Adolphe Menjou et Pat O’Brien) est peu connue chez nous."

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"Irma La Douce est l’adaptation d’une comédie musicale française qui avait eu un certain succès à Broadway. Billy Wilder a choisi de l’adapter en comédie pure, c'est-à-dire en enlevant toutes les chansons.

Hélas, il n’est pas parvenu à trouver le bon rythme. Le film semble beaucoup trop long, avec certes de nombreux bons moments de comédie mais c’est le côté plutôt fleur bleue de cette histoire qui ressort le plus et le film semble souvent s’enliser. Jack Lemmon nous fait pourtant un beau numéro, son travestissement en lord anglais de bonne famille est assez brillant. Le Paris de carton-pâte, avec sa collection de clichés sur les français, est plutôt amusant ; le technicolor assez criard le rend encore plus pittoresque. Plus court, on peut imaginer ce que le film aurait pu être plus enlevé. Tel qu’il est, Irma La Douce paraît bien loin des meilleures comédies de Billy Wilder."

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"A côté de quelques grands films à suspense se déroulant dans un train, domaine dans lequel Hitchcock s’était particulièrement illustré, il faut compter avec ce Narrow Margin.

Si ce film n’a pas la l’humour et la malice d'Une femme disparaît, il a pour lui un grand sens du rythme, une concentration sans relâche sur son sujet et une très belle gestion de l’espace, d’autant que la plupart des plans réalisés ont du se révéler d’une grande complexité dans leur exécution. Richard Fleischer signe l’un des plus beaux fleurons du thriller de série B. Une petite œuvre qui connut un franc succès à sa sortie et qui eut une influence certaine sur la production filmique et télévisée."

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"En japonais, le mot karakara renvoie à une carafe dont on se sert pour la liqueur awamori; signifiant "vide vide", ce mot se veut la reproduction du son de la boule que l’on glisse dans la carafe pour indiquer qu’elle est vide. Rencontré tout juste après la projection de Karakara, chaudement accueilli par les festivaliers, Claude Gagnon (Keiko, Kenny, Kamataki) expliquait qu’il avait trouvé amusant de se servir de ce mot, car c’est en buvant de l’alcool que Pierre (Gabriel Arcand) retrouve goût à la vie. En quelque sorte, karakara correspond à son vide intérieur."

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"Native du Pérou, fille d’exilés juifs d’Europe orientale, ayant acquis la nationalité néerlandaise dans les années 1970 et étudié en France et en Italie, il y a chez Heddy Honigmann une prédisposition à ce que son œuvre soit aussi autant ouverte au monde. Elle filme ainsi au Pérou (Métal et Mélancolie et El Olvido), en France (L’Orchestre souterrain et Forever), au Brésil (O Amor natural), aux États-Unis (Dame la mano), aux Pays-Bas (Crazy). Et il importe surtout de constater que la localisation se trouve toujours élargie à un ailleurs.

Ainsi, L’Orchestre souterrain fait émerger un peuple cosmopolite des entrailles du métro parisien, tandis que Dame la mano est entièrement basé sur un contrechamp invisible – Cuba – exerçant une très forte pression. Quant à Forever, c’est le monde qui semble s’inviter dans les allées du cimetière, jusqu’à ce qu’un Sud-Coréen formule son vibrant hommage à Marcel Proust dans sa propre langue – que la cinéaste ne comprend pas et qui n’est pas sous-titrée. Dans Crazy, les témoignages de Casques bleus néerlandais hantés par leurs missions dialoguent avec des archives visuelles déplaçant le film sur les théâtres d’opération : au Rwanda, en ex-Yougoslavie pour beaucoup, au Cambodge ou encore au Liban."

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"Dès les premiers plans de Tony Manero, le Chilien Pablo Larrain nous happe, nous intrigue, et ne nous lâchera plus. Nul besoin de choses très sophistiquées pour faire un bon film, au fond : une voleuse égarée, un motel désert dans la nuit, un drôle de jeune homme… Ici, tout est posé dès le début.

Contexte historique : le Chili sous la dictature de Pinochet, en 1978, au moment où la vague disco vient balayer le bon vieux tango argentin. Glissez-y un homme médiocre, sans relief mais fantasque : Raúl Perata, un cinquantenaire tellement fasciné par un film qu’il décide d’en devenir le personnage principal. Ensuite, suivez-le, ne le lâchez jamais, partout où il va, vit… tue peut-être."

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"On reste bien dans de la fiction – le réalisateur traite le choc de culture entre la morale traditionnelle, catholique, et des thèmes comme le couple libre, l’homosexualité, la drogue, l’adultère (le film a provoqué un débat de société au Chili), greffé sur un canevas générationnel vieux/jeunes. Le père est un architecte raisonnable, sur le mode du il faut que ça tienne debout, le fils est un architecte plein d’idéaux, sur le mode du je me construis un destin.

Mais, quoique fictionnel, le film approche en même temps les parti-pris du cinéma direct : il capture ce qui advient devant la caméra, au moment où cela advient. Le temps n’est donc pas dilué, les comédiens n’ont donc pas le temps de styliser leur jeu, ils livrent beaucoup d’eux-mêmes, le tournage laisse donc la place à de l’imprévu – le réalisateur part « à la chasse » de ce qui n’est pas écrit, maîtrisé à l’avance. La méthode est participative (toute l’équipe prend des initiatives), curieuse (est filmé ce qui n’est pas connu), risquée à beaucoup d’égards."

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"La Sagrada Familia, le premier film de Sebastián Lelio, était insolent et remuant. Ce Noël est, au contraire, d'une infinie douceur : il fait bon s'y lover... Alejandro et Aurora, deux étudiants, passent les fêtes de fin d'année, seuls, dans la maison familiale abandonnée de la jeune fille.

Alors que la tension s'installe entre eux et qu'Alejandro est sur le point de partir, les jeunes gens découvrent la présence d'Alicia, une fugueuse de 16 ans, cachée dans la remise. Quand on a des plaies d'enfance à panser, on est plus fort à trois qu'à deux..."

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"C’est un film qui ressemble à sa réalisatrice: Plein de cœur, profondément humain, et un peu foutraque. Si l’apprivoisement d’Henri et Rosette se traîne et leur relation s’avère trop lunaire, leur road-movie final au bord de la plage émeut."

Vu en présence de Yolande Moreau à La Rochelle

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"Au-delà du clin d’oeil du prénom Suzanne, qui était déjà celui du personnage de Sandrine Bonnaire dans A nos Amours (1983), on retrouve de Pialat un goût pour les longues séquences de confrontations ou de dévoilements affectifs plutôt justes. La faible stylisation de la mise en scène tend à ancrer le film dans un réalisme qui domine l’esthétique du cinéma d’auteur contemporain."

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"Suwa, suwa... Encore un de ces réalisateurs plébiscités par les plus grands du cinéma qui produit des films d'un ennui mortel. Si au moins le son était bon.
Bref, 1h30 de dilemme profond : quitter cette séance soporifique ou rester par respect."

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"De l'annonce du diagnostic, au long cheminement dans la lutte contre la maladie, le film suit le combat d'un homme comme un autre victime d'une maladie qui menace tout un chacun.

On n'est pas là pour s'amuser, on le comprend très rapidement. L'approche se veut clinique, froide, réaliste. Voilà ce qu'il se passe lorsque cela arrive à l'improviste. Le réalisateur évite le pathos, plongeant le spectateur dans le combat avec les espoirs et les déceptions. Le film remue et dérange, il n'est pas forcément agréable à regarder mais correspond à une certaine réalité que l'on ne peut refouler. Une épreuve dont il faut prendre la mesure avant de s'y atteler : moi je l'ai trouvé sinistre !"

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http://www.youtube.com/watch?v=sFdfB5gedb8

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http://www.youtube.com/watch?v=o8M3Yfk07Wo

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http://www.youtube.com/watch?v=eIqdOm_uO7s

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http://www.youtube.com/watch?v=DjJe3zPAYkg