Les films - 2024

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L'accueil critique unanime me semble vraiment exagéré... J'aurais aimé m'abstenir de toute comparaison avec la fabrication du comté, qui, dans le film, échoue d'abord faute de présure, puis se révèle "immangeable" car bien trop jeune et manquant d'affinage - mais la tentation est trop grande : non l'ensemble peine à prendre, mais il manque cruellement d'ampleur et de caractère. En dépit de l'accent jurassien et d'un dépaysant décor de fermes et fruitières, on s'ennuie vite dans cette intrigue de fable fort bien balisée, dont les replis et les ressorts sont des plus prévisibles. Tout glisse comme sur des roulettes et ne semble même pas avoir vraiment besoin de spectateur. Le regard est certes à bonne distance, mais un peu fade et sans enjeu - sinon gentiment déconstruire - et c'est finalement le plus drôle - les réflexes patriarco-machistes latents chez Totone et la bande qui l'entoure, écumant les bals de village et sillonnant en 50cc les brumeux paysages du Jura (que les frères Larrieu, un peu plus tôt dans l'année, avaient filmé avec une autre ambition).

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Poignant film "à dispositif" sur la force de l’image animée en situation de guerre : comme moyen de prendre sur le vif, de saisir l'expérience au plus près du traumatisme vécu ; comme moyen au contraire de s'en distancier, d'y introduire de l'humour, d'y poser un regard personnel et critique. Après la diffusion d'une dizaine de courts films amateur réalisés à Sarajevo pendant le siège, J-G Périot revient sur les lieux des tournages avec les réalisateurs, qui y revisionnent leurs films, y exposent leurs motivations : une large gamme d'attitudes qui vont de la stricte volonté d'archiver et de témoigner, à celle d'expérimenter, sous l'effet de terribles contraintes, des formes originales. 30 ans après, dans un printemps ensoleillé et verdoyant, l'épreuve du temps est particulièrement saisissante ; là encore les attitudes et les réactions à cette brusque irruption du passé traumatisant sont très diverses. Le pessimisme sur lequel se clôt le film, du haut des sommets entourant Sarajevo, annule brusquement ce passage du temps, et restitue leur brûlante actualité à ces images lointaines d'une ville martyrisée : "La guerre perdure. La paix, telle que représentée au cinéma, n'existe pas".

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Inutile de le cacher, ça fait un peu peur, au début : ces plans fixes, cette froideur. Et puis arrive, tout à trac, la confession de l'instituteur délaissé, qui saisit littéralement, au milieu d'un paysage poignant. C'est un vrai beau film de paysages : paysages ferroviaires, paysages de nuit, sur cet axe Essen-Paris qui, parcouru en train, réveille de sombres démons. J'ai souvent pensé, durant la projection, à Sebald, que je lis en ce moment, pour l'errance, les chambres d'hôtel ouvertes sur la nuit, les gares, la Belgique, le sort de l'Allemagne, la cicatrice qu'a laissée l'expérience de la destruction. Tout cela est bien sûr loin d'épuiser le film, et ne dit rien du visage d'Aurore Clément, de ses silences, de ses sourires et de ses inflexions. De la difficulté d'établir un contact sincère avec les êtres, du désir de fuite, de la frustration sexuelle, un moment distraite par l'expérience homosexuelle, dont la confession à sa mère, dans la chambre d'hôtel, toutes lumières éteintes, est l'un des nombreux moments bouleversants du film. Il faut impérativement que je continue à découvrir Chantal Akerman !

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Le propos est naturellement inattaquable et la démarche de Rasoulof des plus salutaires ; le résultat ne m'a hélas pas vraiment convaincu. La dimension allégorique du film (rejouer au sein d'une famille, comme dans une réduction à l'état chimiquement pur, les mécanismes patriarcaux, la logique paranoïaque du régime des mollahs et la peur qui régit tous les comportements) y est pour beaucoup : je n'ai pas trop de sympathie pour les films dont les personnages sont trop souvent réduits au rang de marionnettes, au service d'un scénario cadenassé. Celui-ci, d'ailleurs, tend à se styliser à l'extrême, peut-être jusqu'à la caricature.
Si le film, en effet, gagne indéniablement en tension dans son très surprenant dernier tiers - après deux segments de drame familial en huis clos assez conventionnel - en flirtant avec le thriller, voire le film horrifique, c'est aussi hélas le moment où il se ferme, se fige dans un registre allégorique assez lourd, se coupant d'une réalité sociale qui, jusqu'à lors, par le biais des archives amateur, réactivait régulièrement la force du propos.

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Rétrospective Rozier, j'en profite ! (Je suis à deux doigts de mettre 9 à Adieu Philippine)

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Malgré son caractère un peu inégal, dû à l'enchaînement de sketches fermés à l'iris, le film trouve son unité dans le ton juste qu'il parvient à maintenir, entre la farce potache et la fable cynique. Cela tient beaucoup au personnage de Marcelo, très bien dessiné et forcément attachant, à la peinture à peine forcée des luttes d'ego au sein du microcosme universitaire, qui interrogent finement la question de la transmission, de la fidélité au legs d'un maître à penser dont il s'agit de trouver le successeur.
Mais au-delà de la réjouissante comédie universitaire, le plus intéressant est la dimension politique du film. Que peut un "professionnel de la philosophie" dans le monde contemporain ? Où est sa juste place ? Fonctionnaire donnant à l'université, année après année, les mêmes cours sur Hobbes et Rousseau ? Lorsque l’État, failli à cause des aberrantes politiques économiques que l'Argentine, décidément, subit à l'envi, cesse de le payer, comment continuer ? En se vendant aux caprices d'une vieille femme richissime, contraint de jouer au directeur de conscience, quitte à tomber dans le ridicule le plus achevé ? En assurant des ateliers philo dans les quartiers défavorisés de la capitale ? En prônant la désobéissance ? En se retirant dans les montagnes andines, auprès d'une communauté autogérée ? Lors de la belle séquence finale, le film opte pour un dénouement doux-amer, qui, pour Marcelo, esquisse la possibilité d'une réconciliation tout à la fois avec lui-même, avec son maître et avec le monde.

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Y étant allé sans connaître ni le cinéma des Larrieu, ni le roman de Pierric Bailly, j'ai été agréablement surpris : le film déjoue les pièges du mélo, avec sa construction resserrée et elliptique, sa mise en scène stylisée, l'allure si singulière de ses personnages. Incarnés par des comédiens au jeu très "campé", parfois même un peu monolithique, ils jouent chacun une note qui s'harmonise avec le reste d'une composition où chaque personnage a ses raisons. Et pourtant une part de leur comportement demeure mystérieux, échappe à l'explication : la trame se troue de dissonances, se déchire même avec l'absence de Jim. J'ai été très sensible, je crois, à ce mélange d'obstination et de laisser-aller, de colère et de fatalisme qui caractérise le personnage d'Aymeric, que la "gentillesse" têtue, sombre parfois, de Karim Leklou, sa gravité rentrée, expriment de très belle manière. Et puis ce regard légèrement décalé, a priori loin de tout naturalisme, s'ancre aussi dans des paysages précis, magnifiquement rendus à l'écran, et scrute un parcours personnel, celui d'Aymeric, qui est celui d'un travailleur d'aujourd'hui, précaire, oscillant entre la montagne et la grande ville, qui tente de bâtir sa vie, de la reconstruire, inlassablement, malgré les arythmies de l'existence et les plaies mal refermées de la mémoire, qu'un rien suffit à rouvrir.

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Le baroque de la scène d'ouverture et le flash-forward qui s'ensuit sont séduisants, tout comme l'idée de la captivité renversée : celle de ces femmes épouses de détenus, prisonnières des trahisons commises par leur mari. Et pourtant, le scénario multiplie lourdeurs, incohérences et faiblesses, entremêlant sans convaincre le genre du portrait de femme, l'argument sociologique (qui rappelle forcément La Cérémonie) et le thriller (assez expédié). Il serait de rigueur de louer le jeu des deux actrices, s'il ne contribuait pas à l'ennui de ce film dispensable : Huppert est on ne peut plus huppertienne, tandis que le personnage d'Hafsia Herzi se révèle beaucoup moins intéressant que dans le récent Borgo, par exemple. Le scénario ne cherche jamais à déplacer ses personnages, pantins au service d'une diatribe qui se veut chabrolienne, mais fait un peu l'effet d'un pétard mouillé.

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Curieusement, tandis que les livraisons de HSS s'avèrent, d'année en année, de plus en plus ténues, ses partis-pris esthétiques se font de plus en plus tranchés. Ici, le choix du floutage me semble réussi, puisqu'il est curieusement absent du souvenir que je garde du film... Comme si l'effet l'emportait sur le dispositif : impression d'un effacement progressif (comme le blanc qui semblait dévorer peu à peu l'écran dans Hotel by the River), du drôle de fatalisme triste et lumineux qui empreint les films récents de HSS, d'où sexe et soju sont désormais bannis, et qui préfèrent explorer, non sans amertume, l'impuissance d'aimer et celle de filmer.

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Rarement vu film aussi déconcertant, touchant à tous les genres et dont chaque scène vient prendre la précédente à contrepied... Du coup, l'impression est forcément mitigée : alors que le projet de Patrick Tam peine à prendre forme, l'émotion du spectateur échoue à se cristalliser. Les moments de comédie adolescente sont finalement les plus attachants, et certaines jolies scènes révèlent un art très sûr du montage et du jeu quasi chorégraphique avec l'espace (dans le bus, par exemple). L'arrière-plan géopolitique (le film appartient à la Nouvelle Vague hongkongaise) et les enjeux narratifs de la deuxième moitié m'ont totalement échappé, mais ce quatuor amoureux et indolent fait souffler un vent de liberté déjà un peu amer (les corps très présents, l'érotisme latent, un désir inassouvi d'Occident). Reste que le finale abrupt et sanglant laisse un peu perplexe...