Une histoire de musique electronique

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1887
Erik Satie - gymnopedies

Les Gymnopédies sont des pièces éthérées qui sont parfois considérées comme des précurseurs de l'ambient. Brian Eno, pionnier de ce mouvement musical, a cité Erik Satie comme une de ses influences majeures.

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1907
Debussy - cloches à travers les feuilles

Peu à peu, la musique accumule des tensions et les sons
de sonnerie passent des sonorités stridentes et plus douces à des sons plus intenses et plus ondulants. La matière submergée à partir de l'ouverture revient et la pièce se ferme dans une brume hypnotique de sons clignotants.

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1908
Charles Ives - the unanswered question

The Unanswered Question est la première oeuvre du 20e siècle
qui utilise la spacialisation du son comme un élément majeur
de la composition.

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1920
Russolo - chorale

Pour Russolo, le bruit se distingue des autres sons
par "ses vibrations confuses et irrégulières. Il en organise des concerts grâce à ses bruiteurs. Etranges instruments dont on a conservé les plans et des photographies, les bruiteurs reproduisaient différents types de bruits. Le premier construit, l'éclateur, reproduisait le bruit du moteur à explosion, pouvant varier de ton sur deux octaves. Viennent ensuite un crépiteur,
un bourdonneur et un strideur, qui composent un orchestre
capable d'interpréter les œuvres de Russolo réunies dans la
"Spirale des bruits: réveil à la capitale, on dîne à la terrasse
du casino, rendez-vous d'autos et d'aéroplanes".

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1920
Edgard Varese - Ameriques

Avec sa pièce pour grand orchestre Amériques, composée entre 1918 et 1921 et créée à Philadelphie le 9 avril 1926 par l'Orchestre
de Philadelphie dirigé par Leopold Stokowski, Edgar Varèse
s'affirme véritablement comme l'architecte des sons inouïs.

Mais, bien que Varèse mette à profit de nouveaux moyens techniques capables de produire des sonorités jamais entendues (nouveaux modes d'attaque, Amériques n'est pas pour autant une œuvre bruitiste mais bien un morceau de musique pure, le bruit n'étant pour Varèse qu'un « son en formation ». L'œuvre, saluée par des sifflets et des huées, ne fera malheureusement que conforter les détracteurs de Varèse :
« Symphonie pour voiture de pompiers et marteaux piqueurs »
lira-t-on dans la presse. De plus, abusé par le titre, le public croyait à un hommage à l'Amérique ; à ce malentendu, Varèse répondra qu'il ne considérait pas ce titre « comme descriptif d'un endroit géographique, mais plutôt comme symbolique des découvertes de nouveaux mondes sur la Terre, dans l'espace ou, encore, dans l'esprit des hommes ».

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1923
henry cowell - the aeolian harp

Compositeur, professeur, éditeur, Henry Cowell fut une
figure centrale de l'avant-garde américaine des années 1920/1930. Il œuvra pour la promotion d'une musique contemporaine ouverte à toutes les expérimentations et influença ainsi John Cage, Joe Meek et Pink Floyd.

Certaines de ses compositions polyrythmiques pour piano étaient humainement injouables. En 1930 il en vint à travailler avec Leon Theremin et à créer le Polyrythmophone ou Rhythmicon, instrument à clavier permettant de produire et de paramètrer simultanément seize rythmes périodiques, soit, en quelque sorte la première "boîte à rythmes".

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1924
George Antheil - ballet mécanique

Ballet Mécanique (1924), a été une tentative du compositeur américain George Antheil, du peintre Fernand Léger
et du réalisateur Dudley Murphy pour offrir une expérience
multimédia avant qu'il y ait eu Même un nom pour lui.

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1931
Edgard Varese - ionisation

Pourquoi les percussions, pourquoi Varèse choisit-il cette formation insolite qui, d'ailleurs, le resta longtemps après Ionisation?
On a souvent affirmé qu'il utilisa les percussions à défaut de sons
électroniques que, en d'autres termes, il apprécia leur
originalité dans le domaine du timbre.

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1939
john cage - imaginary landscape

Cette œuvre marque un grand tournant dans l’univers musical
de l’époque. En effet, c’est la première pièce de musique
électronique vivante ( la musique n’est pas préenregistrée en studio mais exécutée en direct).

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1945
miklos rosza - Spellbound

According to Miklós Rózsa, David O. Selznick, the producer and Alfred Hitchcock, the director asked for “a big love theme coupled with the strange sound for the paranormal.” As such, Rózsa penned one of the most sumptuous love themes in film score history and introduced the unique sound of the musical instrument the Theremin to illustrate the paranormal.

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1947
jerry murad - peg o my heart

l'ingenieur du son bill putman utilise pour la 1er fois une salle
réverbérante pour obtenir l'effet particulier de peg o my heart enregistre en 1947par jerry murad and the harmonicats. par la suite il sera le premier à isoler le chanteur dans une cabine séparée avec un casque, ce qui évite que son micro ne capte les autres instruments

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1947
Harry Revel - Perfume Set To Music

En 1936, Harry Revel, compositeur de musiques pour Broadway
et Hollywood, se trouvait au bar du George V à Paris lorsqu'il
sentit de divins effluves émanant d'une ravissante jeune femme,
un "parfum de rêve qui se transposa en thème mélodique dans ma tête", ainsi qu'il le raconta. Interrogée, la dame révéla le nom de sa fragrance - Toujours Moi - et se tint près du piano pendant que le compositeur esquissait ce thème.

Harry Revel eut alors l'idée de composer toute une suite inspirée
de différents parfums, mais après quelques essais, il abandonna...

Dix ans plus tard, il assista à une première musicale où figurait
un nouvel instrument, le thérémine. Il eut le déclic:
cette sonorité nouvelle était la clé qui lui manquait pour
réussir à transcrire en musique la qualité éthérée du parfum.

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1948
pierre schaeffer - 5 etudes de bruit

Quand Pierre Schaeffer crée en 1948 ses fameuses Études de bruits, personne ne peut imaginer la portée de cet acte, probablement un des plus importants pour l’évolution des musiques à venir. Utopie, révolution, concept sans lendemain, quelle que soit la valeur accordée à l’époque à la musique concrète naissante, cette dernière aura depuis intégré tous les champs de la musique, aussi bien populaire (le hip hop bien sûr) que savante (la musique acousmatique par exemple). Dès ses origines, la musique concrète a contribué à un questionnement essentiel, qui court sur tout le XXe siècle, sur la nature des sons musicaux, sur le sens à accorder à des notions telles que rythme et mélodie et sur la pratique instrumentale.

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1948
les paul - lover

Paul a joué tous les instruments sur ces «multiples»,
comme il l'a mentionné, y compris la batterie et la percussion,
la quasi-basse, la guitare rythmique, la guitare principale
et plusieurs guitares supplémentaires qui ont joué à
double vitesse et par conséquent ont été lancées une
octave plus haut. Ces enregistrements sans précédent
ont bluffés des millions de personnes - (professionnels de l'industrie du disque comme le public) lors de leur publication en 1948.

Tous les enregistrements se sont fait chez lui dans un garage "transformé" en studio. il invente l'enregistrement mulitpiste en transformant un tour de coupe en enregistreur et en utilisant des disques acetate vierge.

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1948
john cage - sonates et interludes pour piano préparé

Clusters : groupe de notes frappées au piano par la main à
plat ou le poing, ou encore l'avant-bras, soit dans une ou
plusieurs régions du clavier, soit par glissades.

Par extension, toute combinaison de sons rapprochés formant
des « grappes sonores » plus ou moins compactes, par
opposition aux sons distincts d'un accord.

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1949
pierre henry - symphonie pour un seul homme

Schaeffer n'était pas un créateur de sons. Aussi bien les Études de bruits de 1948, que la Suite 14 avaient été composées avec des sons trouvés plutôt qu'avec des sons façonnés. Et précisément il recherche à ce moment-là quelqu'un qui puisse
l'aider à créer de la matière première pour sa symphonie.

La rencontre de Pierre Schaeffer avec Pierre Henry, en 1949, est, de ce point de vue, providentielle. Pierre Henry est, lui, un
inépuisable créateur de sons. Il avait déjà entrepris à cette
époque des recherches personnelles sur des lutheries expérimentales. Il amenait avec lui la technique du piano préparé.

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1951
stockhausen - kreuzspiel

L'idée de base dans KREUZSPIEL est que les membres
d'un ensemble de 6 notes élevées et les membres d'un ensemble de 6 notes basses traversent (vers le haut et vers le bas) sur une gamme de 6 octaves. Les ensembles se rencontrent peu à peu dans le registre du milieu, puis se déplacent vers l'extérieur.

La structure de cette idée est venue à Stockhausen presque
spontanément et complètement formée dans sa forme, mais sans les détails élaborés. Ce travail, qu'il considérait comme sa première composition "réelle", a également marqué ses premières étapes dans la musique "point", c'est-à-dire manipuler des notes pour suivre des modèles basés davantage sur des processus astronomiques ou biologiques, plutôt que de former des motifs mélodiques thématiques.

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1952
john cage - 4'33''

4’33’’ est une partition de musique avant-gardiste souvent décrite comme « quatre minutes trente-trois secondes
de silence », mais qui est en fait constituée des sons de
l'environnement, que les auditeurs entendent lorsqu'elle
est interprétée.

Vers la fin des années 1940, John Cage visita la chambre insonorisée de l'université Harvard. Il s’attendit à « entendre » le silence lorsqu’il entra dans la chambre, mais comme il l’écrivit plus tard : « J’entendis deux bruits, un aigu et un grave. Quand j’en ai discuté avec l'ingénieur en charge, il m’informa que le son aigu était celui de l’activité de mon système nerveux et que le grave était le sang qui circulait dans mon corps. » C’est à ce
moment qu’il réalisa l’impossibilité de trouver le silence quel que soit l’endroit et qui le mena à composer 4'33".

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1952
karlheinz stockhausen - etude

En janvier 1952, Stockhausen se rendit à Paris
pour étudier avec Olivier Messiaen et, en mars,
il s'était familiarisé avec des compositeurs comme
Pierre Boulez , Jean Barraqué et Michel Philippot
qui travaillaient avec la musique concrète
au Club d'Essai de Pierre Schaeffer .

À partir de novembre, Stockhausen a pu travailler dans le studio,
mais seulement pour l'enregistrement et le catalogage des sons naturels, principalement des instruments à percussion.

En décembre, enfin, Stockhausen était autorisé à faire sa
propre pièce. En utilisant des sons enregistrés à partir
d'un piano préparé , il a coupé la bande en petits morceaux,
a mixer les morceaux ensemble et a superposé les résultats. Cela implique de prendre le segment d'attaque de chaque son et de le répéter pour produire un son relativement constant.
Le résultat a ensuite été transposé à l'aide d'une machine
de transposition appelée phonogène.
L'ensemble du processus a été realise sur douze jours,
conclu le 15 décembre 1952.

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1952
Pierre Boulez - etude 1 sur un son / etude 2 sur 7 sons

en 1951, au Groupe de recherche de musique concrète récemment fondé par Pierre Schaeffer, il rencontre Stockhausen et Jean Barraqué. Boulez ne trouve pas son compte dans la musique concrète (qu’il juge sévèrement de «marché aux puces des sons») ni dans la musique électronique (sa seule œuvre à inclure une partie électronique sur bande, Poésie pour pouvoir, ne figure pas à son catalogue), mais y fonde des amitiés solides.

En 1953, il dirige les « Concerts du Petit Marigny » qui deviennent en 1954 « Le Domaine Musical » spécialisé dans la musique contemporaine. Il est alors indispensable d'offrir aux jeunes compositeurs un cadre où ils puissent s'exprimer et nouer un contact avec un public qui ignore pratiquement tout des bouleversements que connaît la musique, les organisations de concerts établies, déroutées par les théories nouvelles, n'inscrivant pas ces compositeurs à leurs programmes.

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1952
Luening - fantasy in space
Ussachevski - sonic contour
Luening - low speed

A l'automne 1951, un "enregistreur" à bande Ampex est livré au
département de musique de Columbia. Ussachevsky écrit :
«Ouvrir l'emballage, découvrir l'enregistreur, c'etait comme ouvrir la boite de pandore"

« On me demande souvent : c'est quoi la musique sur bande
et comment est-elle fabriquée? La musique sur bande magnétique est une musique composée directement
avec du son Au lieu d'être écrit d'abord sur le papier et plus tard
jouer avec des instruments. Tout comme le peintre peint son image directement avec des couleurs, le musicien compose sa musique directement avec le ton .... "

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1953
Les Paul et Mary Ford apparaissent sur "Omnibus" d'Alistair Cooke (23/10/1953) pour dissiper les rumeurs selon lesquelles leurs est fausse, uniquement faites avec des gadgets électrique.

Ils effectuent deux démonstrations de leurs techniques d'enregistrement ( Il utilise ses célèbres appareils Ampex modèle 200 (1 pouce) avec une tête de lecture d'enregistrement supplémentaire pour créer le 1er système multi-piste.

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1953
Olivier Messiaen - timbres durees

Pierre Schaeffer sur Timbres-durées

Pierre Schaeffer : Messiaen est doué de cette oreille, plein de cette curiosité... Son écoute des oiseaux lui a révélé, probablement, plus de combinaisons sonores, plus de secrets de la musique que l'enseignement de bien des Maîtres.
Marie-Claire Patris : Je comprends qu'il aime la musique concrète.
PS: Et moi, je comprends seulement aujourd'hui la phrase surprenante qu'il prononça il y a bientôt dix ans en entrant dans ce studio. Moi, tout fier de mon matériel sonore, je m'apprêtais à le voir architecturer je ne sais quelle Turangalîla de sons concrets, mais je fus déçu. Il murmura, avec ce mélange
de naïveté et de malice que nous lui connaissons bien : "je voudrais le moins de sons possibles".
M.-C. P. : il faut avouer que c'était décevant.
P.S. : « Presque pas de sons », disait-il.
M.-C. P. : Et alors ?
PS : Ne comprenant pas très bien ce qu'il voulait, je laissais Pierre Henry, qui avait été son élève, lui fournir ce « presque pas de sons » qu'il demandait. et cela a donné Timbres-durées.

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1953
Stockhausen - kontrapunkte

Kontra-Punkte pour 10 instruments est l'un des principaux travaux
de composition en série. "L'une des idées de base de la pièce est
que les 10 instruments sont initialement introduits sur un pied
d'égalité - avec des tons individuels« ponctuels ». Mais pendant la pièce, les instruments individuels disparaissent un par un, tandis que les parties instrumentales restantes deviennent progressivement plus continues les unes avec les autres...

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1954
Edgard Varese - déserts

«J’ai choisi comme titre Déserts parce que c’est un mot magique qui suggère des correspondances à l'infini.
Déserts signifie pour moi non seulement les déserts physiques,
du sable, de la mer, des montagnes et de la neige,
de l’espace extérieur, des rues désertes dans les villes,
non seulement ces aspects dépouillés de la nature,
qui évoquent la stérilité, l’éloignement, l’existence hors du temps, mais aussi ce lointain espace intérieur qu’aucun télescope ne peut atteindre, où l’homme est seul dans un monde de mystère et de solitude essentielle » (Varèse).

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1954
iannis xenakis - metastaseis


Metastasis est une œuvre orchestrale du compositeur grec
Iannis Xenakis,la première œuvre qu’il compose en utilisant
entièrement des procédés mathématiques, entre 1953 et 1954.
Xenakis se fait donc ici le pionnier de la «musique massique»
dont le principe est de développer des agglomérats de sons
constituant des masses sonores évolutives et non un développement par parties qui s'enchevêtrent de manière imprévisible comme le proposait la musique sérielle.

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1955
Elvis - At sun

Sam Phillips à l'aide d'une console de mixage renvoie la voix d'elvis
à la fois dans le magnétophone qui enregistre le master mais aussi
dans un 2eme appareil qui enregistre la voix a son tour puis
la réinjecte dans l'enregistrement final ce rajout se fait avec un
petit retard du a la distance entre la tête d'enregistrement
et la tête de lecture et crée un léger écho.

Cet effet va être la marque de fabrique du king.

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1956
Stockhausen - gesang der junglinge

À la fin de l'été de 1955, Karlheinz Stockhausen, qui avait
rejeté quelques année auparavant la musique concrète en la
qualifiant d'expérience sans issue, décide de tenter une
première fusion entre sons concrets et sons électroniques
avec Gesang der Jünglinge (« Chant des adolescents »), qui,
au départ, devait être une pièce de musique sacrée : Stockhausen pensait à une messe qu'il souhaitait créer dans la cathédrale de Cologne ; le bureau diocésain ayant rejeté cette proposition, le projet se transformera en une sorte de "concert live" électronique, créé à Cologne le 30 mai 1956. Extrait du chapitre III du Livre de Daniel, le texte enregistré par une voix d'enfant reprend les premiers vers du cantique de louanges des trois adolescents protégés par Yahvé et sauvés des flammes. Stockhausen mêle la voix humaine à des sons électroniques de toute nature : sons sinusoïdaux purs, sans harmoniques, mais aussi bruits blancs (sons complexes dont le spectre est continu et uniforme en fonction de la fréquence). En combinant ces sons très divers, il superpose de nombreuses couches sonores avec des textures très travaillées.

Indice de la complexité de son travail : sur les vingt minutes
prévues, treize seulement seront prêtes pour le concert de création. Composée pour cinq groupes de haut-parleurs répartis dans l'espace autour et au-dessus des auditeurs, cette œuvre constitue véritablementl'acte de naissance de la musique électroacoustique et marque une des premières manifestations de la musique électronique spatialisée.

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1956
BOF - Forbidden planet

La bande originale de Forbidden Planet (1956) est aujourd'hui
reconnue comme une pièce maitresse dans l'histoire de la musique electronique.

la bande son était différente de ce que le public avait entendu
auparavant dans un film.

Louis et Bebe expliquent:
Nous concevons et construisons des circuits électroniques qui
fonctionnent d'une manière similaire à la façon dont les formes de vie inférieures fonctionnent psychologiquement. Pour Forbidden Planet - comme dans tout notre travail - nous avons créé des circuits individuels et particulier pour chaque thèmes et pour chaque motifs sonore, plutôt que d'utiliser des générateurs de sons standard.

Nous avons été ravis d'entendre les gens nous dire que les sons
de Forbidden Planet leur rappellent leurs rêves.

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1956
Moondog More Moondog

Au milieu des années 50, époque à laquelle ces enregistrements
ont été produits par le label de jazz Prestige, Louis Hardin,
alias Moondog, n’a en effet qu’une quarantaine d’années,

En tenue de viking (ou apparenté), il passe alors ses journées
dans les rues de New York à jouer une musique singulière,
la sienne, élaborée aux sons d’instruments de son invention
qu’il s’amuse à mêler aux bruits du quotidien.

De ces sonorités et d’influences qui touchent autant au jazz
qu’à la musique classique, médiévale ou nord-amérindienne,
le musicien construit donc un langage inédit – brut, répétitif,
percussif, profond –, dans lequel le compositeur Philip Glass
en personne verra les origines du minimalisme américain.