Les meilleurs films de 1993 selon Marius Jouanny

Annotation :

Je découvre enfin le film de Spielberg sur la Shoah, dont j'attendais énormément. J'ai beau tenter de faire la part des choses entre mes attentes et ce que le film est réellement, j'arrive au constat suivant : il est quasiment parfait. 3h 15 de pur génie, un face à face inoubliable entre Liam Neeson et Ralph Fiennes, une volonté de coller au plus proche de l'effroyable vérité. Il n'est pas édulcoré comme "La Vie est Belle" et se veut beaucoup plus solennel que "Le Pianiste", tous deux d'excellents films soit dit en passant.

"La Liste de Schindler" pourrait paraître trop académique pour être érigé au rang de chef-d'oeuvre du cinéma : il n'en est rien, car Spielberg multiplie les effets de mise en scène éblouissants et audacieux. Il y a bien deux ou trois plans qu'on pourrait critiquer mais cela serait vain. Le film devrait par ailleurs être étudié en cours d'histoire de collège/lycée tellement son réalisme implacable et l'émotion qu'il transmet en fait un indispensable pour tout cinéphile, et même un indispensable pour tout être humain.

Annotation :

Encore un film improbable et étonnant par rapport au style habituel de Scorsese : il faut définitivement très peu le connaître pour lui reprocher de faire toujours la même chose. Ici, il est très viscontien et rappelle aussi James Ivory dans ce portrait intensément romantique de l’aristocratie new-yorkaise du XIXème. Certes, le programme narratif est entièrement convenu, au bout de 20 minutes il est aisé d’anticiper les deux heures qui vont suivre. Mais l’intérêt n’est pas là : film le plus pictural du cinéaste « Le Temps de l’innocence » est d’une beauté de chaque instant, non pas pour une fois dans les mouvements de caméras mais dans la contemplation lascive et enivrante du plan fixe. Le triangle amoureux qui se tisse trouve alors tout mon attachement, même si encore une fois toutes les postures sont archi-revues. Scorsese trouve finalement des limites dans un formalisme qui ne s’aventure pas très loin dans sa critique sociale marquée par cette débauche de somptuosité, ces plats à n’en plus finir et ces rapports sociaux viciés. Il n’atteint pas « Le Guépard » dans ce domaine, tout comme dans le thème du désir perpétuellement inassouvi il ne parvient pas non plus au sommet de « Mort à Venise ». Pas de quoi bouder néanmoins une réalisation somptueuse, une narration parfois un peu longuette mais emportée par une voix-off sublime, et surtout une ardeur mélodramatique sans concession.

Annotation :

Il y a un souffle jubilatoire dans ce film qui nous rappelle bien qu’il est réalisé par John McTiernan. Une écriture riche et astucieuse, une mise en scène parfaitement maîtrisée et le soucis de ne pas prendre le spectateur pour un con. C’est pas courant, dans le cinéma d’action hollywoodien, ici pastiché avec délectation à travers la série de films fictifs John Slater qu’un garçon va voir en boucle dans son cinéma de quartier à New-York. La machine à rêve va alors fonctionner à plein régime, puisqu’il se retrouve projeté dans l’univers de ces films, pour en relever tous les tics narratifs et de langage. Il ne s’agit pas que de se moquer vainement ici, mais de rendre hommage, à travers une armée de références pas toujours très subtiles. Il faut en effet bien avoué que les séquences peuvent s’avérer un peu longue et les idées narratives pas développées jusqu’au bout : ainsi, quand Slater aka Schwarzy passe dans le monde réel et perd ainsi son omnipotence de héros de film d’action, cela ne l’empêche pas systématiquement de se battre comme dans un film d’action. McTiernan tombe ainsi parfois dans la facilité, mais il varie tellement ses pistes de narration (figure du père de substitution, critique du marketing…) qu’il est difficile de bouder son plaisir.

Annotation :

Rien que pour son générique de début, qui est un éloge à l'inventivité du montage, ce "grand détournement" vaut le détour. Hazanavicius déploie là déjà toute l'ingéniosité d'un humour à la croisée des chemins entre parodie, pastiche et hommage bienveillant à des codes visuels du cinéma, qui feront tout le charme des "OSS 117". Ici, le cinéma américain des années 50 à 70 est retourné dans tous les sens pour un plaisir cinéphile régressif. Mais comme avec "OSS 117", les scènes sont inégales, et certaines tombent dans la blague trop facile et trop appuyée. C'est très frustrant car le potentiel du film est bridé par ces passages à vide, mais c'est aussi le signe que le reste est très plaisant.