Les meilleurs films de Bong Joon-ho selon abscondita

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Snowpiercer, Le Transperceneige est le premier film tourné intégralement en anglais du réalisateur d'origine coréenne Bong Joon Ho. La dimension internationale du film a fait que le réalisateur n'a pas pu, contrairement à son habitude, tourner dans sa langue maternelle.

Snowpiercer, Le Transperceneige est le dernier film tourné en pellicule en Corée par son réalisateur Bong Joon Ho. Le metteur en scène défend le tournage en pellicule : "J’aime la sensation, le grain, j’ai appris ce métier en portant de lourdes piles de bobines à l’école et ma mémoire tactile y est très sensible". Cependant, les studios de développement en Corée n'existant plus, les réalisateurs coréens vont tous devoir se tourner vers le numérique.

Fan de bande-dessinée, le réalisateur Bong Joon Ho lit plus régulièrement des mangas (Japon) ou des comics (Etats-Unis) que de la BD franco-belge. Questionné à propos du choix de l'adaptation de cette oeuvre, il répond : "Quand je l’ai ouvert, j’ai découvert qu’il s’agissait de l’histoire d’un train. Or, je suis littéralement obsédé par les trains (...) c’est un espace confiné, un lieu qui représente un challenge en termes de mise en scène. (...) Le Transperceneige m’apparaissait comme une oeuvre qui m’était destinée. Un geste du destin, un film né du hasard."

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"J'ai souhaité faire un film qui creuse au plus profond de ce qui est brûlant et puissant, comme au coeur d'une boule de feu. Dans ce sens, Mother est un défi sur le plan cinématographique pour moi, car mes films précedents étaient tous des histoires qui tendaient à l'extension: si une affaire de meurtre me conduisait à parler des années 80 et de la Corée, et que l'apparition d'une monstre (The Host), me poussait à parler d'une famille, de la société coréenne et des Etats-Unis, Mother est, au contraire, un film où toutes les forces convergent vers le coeur des choses. Traiter de la figure de la mère, c'est du déjà-vu mais je vois ce film comme une nouvelle approche et j'espère qu'il sera également perçu ainsi par les spectateurs, comme quelque chose de familier mais d'étranger." (Bong Joon-Ho)

L'actrice Kim Hye-Ja a 70 ans dont 47 de carrière d'actrice. Pour les Coréens, elle n'est pas une personne mais La Mère, une sorte d'icône. Elle a toujours interprété la figure de la mère qui aime à l'infini et qui se sacrifie pour ses enfants mais le réalisateur a vu en elle une autre facette. Une énergie hystérique et une sensibilité que personne n'avait vues auparavant en elle. L'histoire du film a été construite pour faire surgir la force et le caractère destructeur de l'actrice. Le contraste ou déséquilibre entre la silhouette frêle de l'actrice et cette violence qu'elle porte en elle, est le symbole qui est au cœur du motif cinématographique de Mother.

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Bien qu'étant essentiellement un film de monstre, The Host possède aussi une dimension comique comme l'explique le réalisateur : "Les situations les plus désastreuses ont toujours des aspects tragiques et comiques. Comme les héros du film sont plutôt pathétiques, il était inévitable qu'ils connaissent des situations loufoques. (...) Je n'ai pas consciemment cherché à faire une comédie. Si un tel désastre arrivait en Corée, je suis certain que cela pourrait créer des situations similaires à celles décrites dans le film."

"La créature est surnaturelle, mais ça se passe de nos jours, dans un endroit qui existe réellement, avec des personnages ordinaires. Je pourrais comparer ça à Signes de M. Night Shyamalan. L'histoire de ce dernier se passe dans des champs de maïs, soit un endroit banal et familier, alors qu'au centre de l'intrigue se trouvent des extraterrestres. L'histoire est décrite d'une façon très réaliste et c'est pareil dans mon film." (Bong Joon-Ho)

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A votre avis, à quoi s’attend le spectateur qui paie son billet pour aller voir un film de Bong Joon-ho ?

Je ne sais pas à quoi il peut s’attendre, mais je crois pouvoir dire qu’il aura presque à coup sûr autre chose… J’essaie que chaque film amène un truc nouveau, étrange, tordu même, dans le bon sens du terme. Il y a l’envie de trouver à chaque fois un ton ou un registre qui ne soit pas complètement familiers, l’espoir de réussir quelque chose de rare, mais qui touche du doigt une part d’humanité. Mes films sont faits par un Homme, ils parlent de l’Homme, l’Homme est au cœur de l’expérience.

Tous, pourtant si différents, ont en commun de fonctionner comme des fables.

En vous entendant le dire, je les ai vus tous défiler dans ma tête, et je me suis mis à opiner du chef… Alors j’imagine que ça doit être vrai. Même si ce n’a jamais été une démarche intentionnelle, c’est vrai qu’ils ont cet aspect ou cette structure-là – les deux derniers encore plus que les autres peut-être. Pour Okja et son gros cochon, on pourrait presque dire que c’était le genre du film. Mais c’est encore vrai ce coup-ci. Après, cet aspect n’empêche pas chacun de mes films d’être aussi très physique et ancré dans un univers réaliste.

Entretien au festival de Cannes en 2019

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Vous avez le sentiment que votre carrière suit une progression rectiligne, ou plus chaotique ?
Je n’ai pas l’obsession de répéter des motifs récurrents d’un film à l’autre, si c’est ce que vous voulez dire. Je ne cherche pas à apposer ma signature. Mais je n’ai pas l’obsession inverse non plus, il ne s’agit pas d’être différent à tout prix. Je pars d’une idée, d’une image, d’une histoire qui me plaît. Et je fonce tête baissée.

La satire est un élément constitutif de votre style…
La satire, c’est l’arme du plus faible. Mes films sont peuplés de dominés, des gens dénigrés socialement. Quand j’adopte leur point de vue, la satire s’impose comme la seule arme possible, celle qui permet de poignarder les hommes et femmes de pouvoir, l’autorité. Enfin, s’il s’agissait d’un vrai poignard, je serais en taule à l’heure qu’il est… Mais au cinéma, elle est comme un sabre qui me permet de trancher dans le lard. C’est l’un des privilèges du metteur en scène.

Le film est traversé de ruptures de ton très brutales.
Vous voulez dire qu’il est bordélique ?

Non, mais qu’il va très loin dans des registres très différents : l’émotion, l’action, la caricature politique, jusqu’au recours à l’imagerie concentrationnaire pour faire passer votre message…
Alors oui. C’était le but. Faire un film criard, presque assourdissant. Ce qui m’a guidé, c’est le hurlement du cochon. « GROUIIIII !!!!!! » Même la musique que j’ai choisie va dans ce sens, cette sorte de fanfare super agressive. Je voulais que le film soit comme un cochon grouinant juste à côté de votre tympan.

Entretien au festival de Cannes 2017

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Son premier film