Les meilleurs films se déroulant en Amérique du Sud selon abscondita

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Les dialogues du film ont été écrits et déclamés dans un dialecte maya : le Yucatèque. Pour bien apprendre sa prononciation et son intonation, chaque acteur s'est vu confié un lecteur MP3 pour se mettre le langage en tête, et des spécialistes étaient présents sur le tournage pour apporter des corrections éventuelles.
En plus d'apprendre le langage Maya Yucatèque, les acteurs devaient aussi porter de fausses dents. Le challenge était donc de s'immerger au maximum dans une culture quasiment inconnue tout en paraissant crédible.

Derrière la simple histoire d'un homme qui est prêt à tout sacrifier pour sauver son monde, Mel Gibson cherche à toucher les émotions les plus profondes du spectateur: " Mon désir était de tourner un film d'action et d'aventure trépidant qui ne laisse aucun répit ", se rappelle Mel Gibson. " Je cherchais à concevoir un moyen de raconter l'essentiel de l'histoire visuellement, pour toucher les spectateurs au plus profond d'eux-mêmes, viscéralement et émotionnellement ".

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Carandiru: la plus grande prison du Brésil.

La genèse du livre remonte à 1989, quand Drauzio Varella a entamé son programme bénévole de prévention du sida en prison. Dix ans plus tard, il a voulu témoigner de ce qu'il a vu, simplement, avec le désir d'individualiser les expériences et le vécu humain dans un environnement où l'individualité ne compte pas, et celui de raconter de ce qu'il a appris des prisonniers.

"Lorsque je suis arrivé à Carandiru, je pensais pouvoir écrire un article sur le crime pour un journal. J'en ai écrit trois ou quatre, mais ça ne me satisfaisait pas parce que je désirais décrire l'atmosphère de la prison dans son ensemble. Et comment y parvenir sans dépeindre chacun des pavillons, avec sa vie propre ? Et puis, certains termes dont j'avais besoin dans mon article n'évoquaient rien pour le grand public, qui ignore tout de la vie au sein de la prison. J'ai alors conçu mes descriptions comme faisant partie d'une série de nouvelles." ( Drauzio Varella)

La prison de Sao Paulo, connue sous le nom de Carandiru, a été inaugurée en 1956 par le maire de l'époque, Jânio Quadros. Quarante-six ans plus tard, le 8 décembre 2002, le Gouverneur Geraldo Alckmin commanda personnellement l'implosion de trois pavillons. Huit secondes seulement furent nécessaires pour transformer les murs, les cellules communes et les quartiers d'isolement des détenus en poussière. Présente sur les lieux, l'équipe de Babenco a utilisé huit caméras pour filmer l'explosion. Un complexe culturel et de détente doit être construit à la place, appelé "Parque da Juventude", "le parc de la jeunesse".

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Le film met en scène le drame de conscience que vivent les Jésuites, au xviiie siècle, lorsqu'ils sont contraints d'abandonner leur mission auprès des Guaranis, en Amérique du Sud.
Ce film relate en deux heures les quelque 150 ans d'histoire des réductions guaraníes, sortes de républiques autonomes créées par les jésuites et d'abord approuvées par le pouvoir colonial espagnol, aux confins du Paraguay, de l’Argentine et du Brésil. Il fait également allusion à la guerre des Guaranis de 1754-1756.

Les véritables Guaranis étant trop imprégnés de culture occidentale et trop peu nombreux, le réalisateur a trouvé le groupe ethnique des Waunana pour assurer la figuration et les rôles d’autochtones. Ce peuple peu touché par la culture occidentale vit en Colombie, au bord du fleuve San Juan dans la région du Choco. Trois villages, représentant environ 1 500 personnes (hommes, femmes et enfants), ont été déplacés sur les lieux du tournage où leur cadre de vie a été reconstitué sur le fleuve Don Diégo, au bord de la Siera Nevada, à 1 500 km de là.

La plupart des membres de l'équipe ont contracté la dysenterie pendant le tournage. Robert De Niro est l'un des seuls à ne pas en avoir souffert.

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Fable environnementale tourné au Brésil et dénonçant la déforestation de la forêt amazonienne.

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Né au Texas, le scénarise Taylor Sheridan explique à quel point le cadre spatial du film, la fameuse zone frontalière entre les Etats-Unis et le Mexique est devenue beaucoup plus dangereuse au fil des années : "Ce qui faisait le charme de la zone frontalière, la rencontre et le mélange des cultures, a complètement disparu. J’ai réalisé que le Mexique, ce pays où l’on pouvait se rendre tranquillement en voiture, n’existe plus aujourd’hui. C’est devenu un endroit sans foi ni loi. Il n’existait aucun film sur la manière dont la vie a changé dans le nord du Mexique, sur la façon dont la drogue et la corruption gouvernent tout désormais, et sur l’évolution des cartels qui sont devenus des groupes militarisés. Pas un seul film ne parlait de cela, ni de la façon dont la grosse machine qu’est le gouvernement américain traite ces problèmes qui débordent de son côté de la frontière."

Le mot "Sicario" signifie "Tueur à gages" en espagnol.

Pour écrire le scénario, Taylor Sheridan s'est beaucoup documenté. Pour ce, il a interrogé des immigrés pauvres dans des villes du désert de Chihuahua. Il nous en dit plus sur ses sources : "Au début, ça a été le silence total. Je me suis déplacé tout le long de la frontière, mais on ne peut pas demander tranquillement une interview à un membre de cartel ou à un représentant officiel du gouvernement. La seule façon d’obtenir des infos, c’est de gagner la confiance des gens qui sont le plus touchés par ce trafic : les migrants qui, poussés par le besoin, franchissent la frontière et peuplent le no-man’sland qui s’étend entre le sud de l’Arizona, le Nouveau-Mexique et le nord du Mexique. Ce sont eux, mes sources."

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Le divertissement et le commentaire social sur l'Argentine sont intimement liés dans le film même si le réalisateur affirme que sa priorité a été de "raconter de la manière la plus habile, la plus ingénieuse, la plus divertissante possible" une histoire. Ainsi, à la duperie des escrocs s'ajoute celle du pouvoir, dont la conséquence est la crise économique du pays.

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Le film fut réalisé dans des conditions souvent périlleuses, parfois sur des sentiers à flanc de montagne, avec une sécurité minimum pour l'équipe du film. La totalité du film a été tourné dans des décors naturels grandioses situés au Pérou, avec une caméra qui était de surcroît...volée ! Werner Herzog raconte : "Je n'étais jamais allé au Pérou avant de tourner Aguirre. J'avais imaginé les extérieurs, leur atmosphère, avec une grande précision. C'était très curieux. Tout était exactement comme je l'avais imaginé. Les extérieurs n'avaient pas le choix. Il fallait qu'ils se plient à mon imagination, qu'ils se soumettent à mon idée. C'est ce qui s'est produit. Les paysages ont répondu à mon appel". Et d'ajouter : "j'ai choisi le Pérou parce qu'il me fallait un affluent de l'Amazone et des Indiens. J'ai descendu la plupart des affluents de l'Amazone parce qu'il me fallait trouver des rapides dangereux et spectaculaires, mais pas au point d'interdire un tournage. J'ai donc descendu le rio Huallaga, le rio Urubamba et le rio Ukayali, et bien d'autres encore. Finalement, j'ai trouvé des rapides très dangereux et spectaculaires, qui auraient tout juste toléré le passage de 150 personnes en radeaux. Les préparatifs furent extrêmement longs. Il n'y avait aucun village près des rapides. J'en ai donc fait construire un pour environ 450 personnes". Par ailleurs, l'équipe du film embaucha sur place 450 figurants, dont 270 villageois, tandis que le cinéaste fit l'achat de pas moins de...400 singes, notamment en prévision de l'une des scènes clés du film.

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Tropa de Elite (troupe d'élite) est une adaptation du livre éponyme d'un anthropologue, Luiz Eduardo Soares, et de deux anciens policiers, Andre Batista et Rodrigo Pimentel. Ce dernier, capitaine du Bope (bataillon des opérations spéciales de police), a co-écrit le scénario avec le réalisateur José Padilha. Ils s'étaient rencontrés alors que Padilha tournait Bus 174, documentaire sur la prise d'otages dans un bus à Rio en 2000 par des jeunes des favelas, filmés pendant cinq heures par la télévision.

Pendant le tournage dans la Favela Pavão-Pavãozinho, à Copacabana , un van appartenant à l'équipe et qui contenait quatre-vingt dix armes à feu (dont trente étaient des vraies et soixante étaient factices) fut volé. Des groupes de police locale furent envoyés pour retrouver les coupables et le butin, mais ils ne purent mettre la main que sur quelques-unes des armes.

Au début du tournage, l'équipe technique a été séquestrée dans la favela où devait avoir lieu le tournage. L'enlèvement s'est bien terminé mais il a été difficile de trouver un autre lieu de tournage ;

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Le réalisateur et son équipe se sont rendus au Chiapas et à Tapachula pour se rendre compte des conditions de vie des immigrés : "Nous avons rencontré des immigrés dans des gares, des dépôts, des foyers, explique-t-il, dont un qui est réservé à ceux qui ont été blessés dans les trains : des gamins de 16 ans qui ont perdu leurs deux jambes, par exemple. Ces gens-là étaient en route vers le Nord, vers une vie nouvelle pour eux et leur famille et ils se retrouvent immobilisés et blessés, loin de tout." Pour peaufiner le scénario, Il a également effectué trois voyages en train qui ne furent pas de tout repos puisqu'il a subit des attaques de bandits, tout comme dans le film. Il est aussi allé à la rencontre de gangs qui ont participé au trafic clandestin d'immigrés.

"On avait prévu de partir du Honduras et d'aller jusqu'au Texas. Mais c'était beaucoup trop cher et on ne pouvait pas filmer tout le long de la traversée. On a choisi des décors naturels magnifiques, mais sans vraiment pouvoir en profiter parce qu'il fallait déjà passer au décor suivant. On ne pouvait pas rester plus de trois jours dans un même endroit. Généralement on ne restait même qu'une journée. Par chance, on avait une deuxième équipe qui filmait ce qu'on ne pouvait filmer."

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5e adaptation cinématographique sur le crash d'un avion dans la cordillère des Andes. Sur les 45 passagers, 12 survécurent en mangeant les personnes décédées. Ils furent retrouvés plus de 2 mois après l'accident.

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L'intrigue se situe dans le contexte du coup d'État du 11 septembre 1973 au Chili et se déroule dans la colonie Dignidad, une secte notoire dans le sud du Chili, dirigé par le prédicateur laïque allemand Paul Schäfer.

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Un documentaire sur les 15 dernières années de la vie politique Brésilienne, qui présente les événements qui ont abouti à la chute combinée de la présidente Dilma Roussef et de son prédécesseur: Lula. Il explique avec clarté le processus qui a mené ce pays à élire à la tête de son pays un homme d'extrême droite menaçant la démocratie de ce pays.

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« "Amours Chiennes" est un film qui reflète avec réalisme et crudité le chaos de la ville Mexico. C'est aussi un film intense en émotions évoquant la rédemption, la complexité et la vulnérabilité de l'expérience humaine.
En effet, la ville de Mexico est une expérience d'anthropologie appliquée, et je me sens intégré dans cette expérience. Je ne suis qu'une petite partie des vingt millions de personnes qui habitent dans la ville la plus grande et la plus peuplée du monde. Aucun être humain n'avait jamais vécu auparavant (survécu serait plus exact) dans une ville qui présente des niveaux pareils de pollution, de violence et de corruption, et pourtant, à sa façon invraisemblable et paradoxale, c'est aussi une ville belle et fascinante, et c'est précisément cela qu'"Amours Chiennes" représente : le fruit de cette contradiction et un petit reflet de la mosaïque baroque et complexe de la ville de Mexico. »
González Iñárritu

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Carnets de Voyage s'inspire des notes de voyage écrites par Ernesto Che Guevara lors de son périple et du livre de son coéquipier Alberto Granado Con el Che por America Latina.

Walter Salles connaissait bien les livres de souvenirs d'Ernesto Che Guevara : "Ce livre a eu un impact sur moi parce qu'il n'est pas seulement un voyage initiatique mais aussi la recherche de ce que j'appellerais une identité latino-américaine. J'ai retrouvé au fil de mon périple l'essentiel de ce que j'avais ressenti en lisant les témoignages d'Ernesto et Alberto. Ces livres sont modernes et contemporains, signe que les réalités sociales et politiques de la culture latino-américaine ont peu changé en cinquante ans".

La production a décidé d'employer dans chaque région des acteurs et des figurants locaux. Elle a ainsi organisé des castings en Argentine, au Chili et au Pérou. L'exception vient du comédien mexicain Gael Garcia Bernal qui incarne le Che. Walter Salles le décrit comme "l'un des talents les plus extraordinaires de sa génération".

Le film a été tourné dans plus de trente décors naturels. L'équipe du film a eu droit à de radicales variations de températures. "Nous avons enduré des températures largement inférieures à zéro dans les Andes et supérieures à 45 en Amazonie, raconte le réalisateur, le tournage en Amazonie a été très pénible du fait de la chaleur, de l'humidité et des caprices de la météo.

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La participation d'orphelins mexicains de la Casa Hogar qui ont participé au concours de pêche annuel Bisbee Black and Blue. Le prix remporté a permis de sauver leur orphelinat endetté.

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L'intrigue se déroule en COLOMBIE.

Le tournage a eu lieu principalement au Mexique, notamment dans l’État de Veracruz (Veracruz et Xalapa), à Mexico. Certaines scènes sont également tournées aux États-Unis (New York, Saint George, Parc national de Zion).

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The Lost City of Z est l'adaptation cinématographique du roman La Cité perdue de Z écrit par David Grann. Le livre est lui-même inspiré des aventures du célèbre explorateur britannique Percy Fawcett qui a mystérieusement disparu dans la jungle brésilienne en cherchant à trouver une cité perdue datant de l'Atlantide.

L'envie de réaliser ce film est née de plusieurs facteurs pour James Gray mais la raison la plus évidente provient de sa volonté de retranscrire à l'écran la soif de découverte de Percival Harrison Fawcett. Le metteur en scène confie : "Son rêve de découvrir une ancienne civilisation amazonienne lui a permis d'endurer d'inimaginables épreuves, le scepticisme de la communauté scientifique, de terribles trahisons et les longues années passées loin de sa famille."

Deux des principales difficultés du tournage au coeur de la forêt tropicale colombienne résidaient dans la forte présence de serpents et du virus de la dengue, anciennement appelé grippe tropicale ou fièvre rouge. Plus globalement, le tournage dans la jungle a été particulièrement difficile. Plusieurs incidents se sont en effet produits comme celui d'un insecte attaquant le tympan de Charlie Hunnam, une montée des eaux soudaine ou encore la présence de crocodiles dans une rivière où une scène a été tournée. Un membre de l'équipe a même été mordu au cou par un serpent (mais a survécu parce que quelqu'un lui a aspiré le venin)...

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Une intrigue qui se déroule dans la jungle péruvienne.

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La production est multinationale.

L'intrigue se déroule au Mexique dans une région marquée par les enlèvements.

Pour plus de réalisme, le tournage s'est déroulé principalement en décors réels, à Mexico. Le tournage a également eu lieu aux Studios Churubusco à Ciudad Juárez, Puebla, de même qu'aux États-Unis, notamment à Los Angeles et à El Paso au Texas.

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La distribution américaine du Salaire de la peur ne se fit pas sans heurts : violent pamphlet contre la dictature capitaliste des Etats-Unis envers les petits pays d'Amérique Centrale, le film fut amputé de ses trois premiers quarts d'heure lors de sa sortie outre-Atlantique.

Bien que l'action du Salaire de la peur soit censée se situer en Amérique Centrale, l'équipe du film n'a jamais eu à se déplacer si loin pour créer l'illusion de ces paysages. Le tournage a en effet exclusivement pris place en Provence, où tous les nombreux décors ont été reconstitués. La ville de Las Piedras a ainsi été entièrement restituée à 25 kilomètres de Nîmes, avec de fausses maisons, un faux cimetière et de faux immeubles. Même la rue principale complètement cahoteuse n'est pas d'origine.

C'est en visitant le Brésil à l'occasion de son voyage de noces (il venait d'épouser Vera Amato, la fille d'un ambassadeur brésilien) que le cinéaste Henri-Georges Clouzot eut l'idée d'adapter le roman de Georges Arnaud, Le Salaire de la peur. Il y constata en effet que les grands groupes pétroliers n'hésitaient pas à voler les ressources naturelles d'Amérique du Sud.

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Film franco italo brésilien

Le film marque les esprits, en France, en Europe et aux États-Unis. Il révèle dans le monde entier un style musical, la bossa nova (terminologie encore inconnue en dehors du Brésil), et établit définitivement la notoriété de la ville de Rio. Pour autant, même si la Palme d'or est accueillie sur le moment comme une « victoire nationale », il reçoit un accueil plus mitigé sur place, au Brésil, certains cariocas, le considérant avant tout comme une création française privilégiant une musique n'émanant pas du Rio profond, et proposant un regard quelquefois ironique sur la société contrastée de la ville. Pourtant, l'un des plus grands symboles de cette musique carioca, Cartola, et sa femme Zica apparaissent dans le film (Marcel Camus fréquentait la baraque du couple). La distribution exclusivement noire semble également inadéquate aux Brésiliens pour représenter à l'écran une ville métissée.

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Bien que Colombien, le cinéaste ne connaissait pas vraiment l’Amazonie colombienne comme beaucoup d'habitants du pays : "Dans l’ensemble, la Colombie s’est toujours désintéressée de ce savoir et de cette façon de voir le monde. C’est une partie de notre pays que l’on sous-estime mais qui, pour ce que j’ai pu en connaître, me semble fondamentale. Quand on commence à étudier cette région, à faire des recherches, on la découvre inéluctablement à travers le regard des membres d’expédition, des voyageurs, presque tous nord-américains ou européens, qui sont les premiers a être venus jusqu’ici et nous ont donné des informations sur notre propre monde, sur notre propre pays. J’ai donc eu l’idée de raconter une histoire au travers du prisme de cette rencontre, mais depuis une perspective dans laquelle le personnage principal ne serait pas un Blanc, comme d’habitude, mais un Indien, un autochtone, ce qui change absolument le point de vue et est novateur."

Le film raconte l’histoire de deux temporalités différentes, s’inspirant des récits de deux membres d’expédition qui ne se sont jamais rencontrés : "On retrouve l’idée, dans de nombreux textes sur le monde indien, d’une notion différente du temps. Le temps n’est pas une continuité linéaire, tel que nous l’entendons en Occident, mais une série d’évènements qui ont lieu simultanément dans plusieurs univers parallèles. C’est ce qu’un écrivain a décrit comme « le temps sans temps » ou « l’espace sans espace ». J’ai fait le lien avec cette idée des aventuriers qui mentionnaient le fait que, bien souvent, lorsque l’un d’eux revenait 50 ans après le passage d’un autre, l’histoire du premier avait déjà pris la forme d’un mythe. Pour beaucoup de communautés, c’était toujours la même personne qui revenait parce que l’idée d’un seul homme, d’une seule vie, d’une unique expérience vécue à travers de nombreuses personnes était profondément ancrée. Cette idée m’a semblé être un point de départ très intéressant pour le scénario parce que, bien que ce soit un film raconté du point de vue des Indiens et dont le personnage principal est un Indien, il offrait au spectateur des points d’accroche par le biais de ces personnages qui viennent de notre monde et dont on comprend les motivations. Puis, lentement, à travers eux, on cède le pas à la vision du monde indien que nous offre Karamakate." (Ciro Guerra)

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Le film met en scène les Wayuu (également connu sous le nom de Guajiros), un peuple amérindien qui vit à la frontière de la Colombie et du Venezuela. Il représente le peuple le plus important des deux pays.

C'est en travaillant sur Les Voyages du vent sur la côte nord de la Colombie que les réalisateurs ont eu l'idée des Oiseaux de passage. L'une des scènes du film se passait pendant la bonanza marimbera, période d’exportation de cannabis aux États-Unis pendant les années 70 et 80, particulièrement dans le désert de la Guajira. En creusant cet épisode et en interrogeant les populations locales, Cristina Gallego et Ciro Guerra ont senti qu'ils tenaient un sujet et un angle inédits au cinéma, où le narcotrafic et la violence qui en découle sont habituellement glorifiés. "Cette histoire avait un potentiel pour dépasser l’anecdote et atteindre quelque chose de plus profond" (Ciro Guerra). "C’est une métaphore de notre pays, une tragédie familiale qui devient aussi une tragédie nationale. En parlant du passé, elle nous permet de mieux comprendre où nous en sommes aujourd’hui en tant que pays..." (Cristina Gallego).

Ciro Guerra décrit Les Oiseaux de passage comme "un film noir, un film de gangsters. Mais il peut aussi être à la fois un western, une tragédie grecque et un conte de Gabriel García Márquez". Pour Cristina Gallego, la culture des wayuu contient des codes qui ne sont pas si éloignés de ceux des films de gangsters : "Il existe un personnage, le palabrero, avec un rôle similaire de celui du consigliere dans la mafia. C’est un genre qui plaît beaucoup autour du monde, mais que notre cinéma s’est souvent interdit. En Colombie, on a du mal à s’en emparer à cause des ravages de notre histoire récente..."

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Coppola est tombé sous le charme de l'Argentine et de Buenos Aires en 1998. Il accompagnait alors sa fille, Sofia, qui y présentait un court métrage, Lick the star.

Tetro a été tourné en 13 semaines à Buenos Aires même ainsi que dans certains de ses édifices prestigieux comme le Teatro Nacional Cervantes et le Palacio San Souci

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Dans les geôles brésiliennes

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La Cité de Dieu est tiré du roman homonyme écrit en 1997 par Paulo Lins, un ancien enfant de cette favela de Rio. Avec près de 300 personnages à travers 600 pages d'écriture, ce best-seller est le premier livre à décrire la lutte pour le pouvoir dans les bidonvilles et le développement du trafic de drogue en une véritable économie parallèle.

"Lors de ma première visite à Cidade de Deus, j'avais parqué ma voiture dans une rue très animée et poursuivi à pied, escorté par un jeune complice des dealers, censé m'éviter les ennuis. A peine avais-je fait trente mètres dans la Cité, qu'un garçon me braqua par derrière avec un énorme pistolet. Il aurait fait feu sur le champ si mon accompagnateur ne s'était interposé. Cinq secondes plus tard, le gosse au pistolet s'était évanoui dans la nature. Le coeur battant, j'ai réalisé que Paulo Lins n'avait rien exagéré." (Fernando Meirelles)

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Le réalisateur s'avoue fasciné par la mémoire individuelle mais aussi collective que l'on retrouve comme un élément clé dans le film: "La mémoire me fascine ainsi que la façon dont les décisions prises il y a 20 ou 30 ans peuvent nous affecter aujourd'hui. Cela peut aussi s'appliquer à la mémoire d'une nation. En tant que pays, alors que nous retrouvons maintenant notre mémoire des années 1970, nous savons que l'horreur a commencé à prendre forme avant la dictature militaire. L'histoire se déroule dans une Argentine où l'atmosphère est lourde et étouffante même pour les principaux protagonistes."