Au cinéma en 2015

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"Le film a beau être un modèle d’un strict point de vue formel (Clint Eastwood, aujourd’hui comme hier, est un immense cinéaste), «American Sniper », sur le fond, ressemble plus d’une fois à un « pur » film de propagande, dont les visées édifiantes semblent assumées par le metteur en scène dans ses notes d’intention :

« Ce que nous espérons tous, c’est que les gens se souviennent des sacrifices des soldats et de leur famille. Nous voulons que le public soit encore plus reconnaissant des qualités de ces combattants qui ont tant donné au nom de leur patrie. »

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"Même si Innaritu nous en met plein la vue d'un point de vue artistique, j'ai trouvé le film ennuyeux au possible. Et au final je ne supportais plus ces interminables longs plans séquences et cette batterie insupportable."

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"L'enchanteur aurait-il laissé la place au faiseur? Un vilain mot pour dire que le réalisateur rend aujourd'hui des copies présentables mais sans âme.
C'est la tragédie du conteur qui se meurt, du magicien qui savait peindre des arcs-en-ciel dans les ténèbres, animer des squelettes dans des banquets grandioses, aimer le géant, secourir le martien, embrasser le cavalier sans tête. Ou simplement ériger la différence en noblesse du coeur."

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Un "faux documentaire" qui sous couvert de dénoncer une société où les exclus sont légion, victimes d'une société qui les exploite (ce qu'on ne peut nier), accumule les situations tragiques, donnant à son film un côté misérabiliste, sauvé toutefois par la prestation remarquable de Vincent Lindon.

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"S’inscrivant dans le sillage d'une vague de films portant à l’écran la mémoire des afro-américains (12 Years a Slave de Steve McQueen, Le Majordome de Lee Daniels, Lincoln de Steven Spielberg), Selma est le premier long métrage de cinéma consacré à Martin Luther King Jr.

La réalisatrice afro-américaine Ava DuVernay a pourtant su éviter le piège du biopic hollywoodien en se concentrant sur l'un des combats de King les moins connus du public, à savoir la marche de Selma à Montgomery.

Beaucoup moins ancrée dans l'imaginaire collectif que "l'autre marche" sur Washington, le boycott des bus lié à l'arrestation de Rosa Parks ou le fameux "I have a dream" qui mena à la déségrégation en 1964, cette marche, destinée à obtenir un plein exercice du droit de vote pour les noirs américains, n’en constitue pas moins une victoire majeure du Mouvement des droits civiques."

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"Souvenirs de Marnie (Omoide no Marnie) est l'adaptation du romanpour la jeunesse When Marnie was there de Joan J. Robinson, une des 50 œuvres littéraires recommandées par Hayao Miyazaki.
Pour sa seconde réalisation, Hiromasa Yonebayashi a souhaité faire taire les critiques affirmant que le studio Ghibli n'est plus rien sans Isao Takahata ou Hayao Miyazaki. Mais les résultats décevants de ce film pourtant original et émouvant ont décidé les
dirigeants du studio Ghibli à arrêter la production de longs
métrages."

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"L’enrobage coloré/flashy des images jure avec l’esprit terrien des contrées du Wessex dans lesquelles se déroulent cette histoire (ancien comté médiéval dont Hardy change le nom des villes et des lieux, grandement inspiré du Dorset dans lequel il vécut, et qui constitue le décor habituel de ses romans si bien qu’on parle de «Thomas Hardy’s Wessex ») et avec la réalité du travail à la ferme qui est le quotidien de la plupart des personnages.

Une mise en scène peu inspirée agace, parsemée de plans typiques de paysages grandioses au soleil couchant et de champs/contrechamps à répétition, de regards échangés entre Bathsheba et ses différents prétendants : un peu moins de brillance, un scénario un peu moins à l’eau de rose et un peu plus d’audace auraient peut-être fait l’affaire."

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"Parmi les histoires d'amour impossibles, celle-ci est l'une des plus délicates, des plus sensibles qu'on ait vues depuis longtemps. Le réalisateur suit, sans se presser, sans jamais caricaturer, la discrète mais inexorable échappée belle d'une femme hors de son carcan natal. Il sème, l'un après l'autre, les infimes indices de sa rébellion. Et cette évolution est d'autant plus subtile que Maxime Giroux (dont c'est le troisième film) ne cherche pas à instruire le procès du mode de vie très particulier des hassidiques. Shulem, le mari de Meira, est un homme doux, aimant, mais dépassé. Son personnage est dessiné avec une lucidité qui n'exclut ni le respect ni la tendresse."

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"Oui, il y a des moments drôles, et les acteurs, dans l'ensemble, assurent (mention spécfiale à Yolande Moreau, l'épouse de Dieu). Mais le scénario ne décolle jamais.
C'est parfois longuet, parfois convenu, parfois bêtement gentillet. Van Dormael n'est pas un vrai méchant et c'est dommage, car les meilleures séquences sont justement les plus méchantes, mais elles sont trop rares."

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"C'est un film-dossier dans la grande tradition du genre, à la manière des Hommes du Président d'Alan J. Pakula. Respectueuse des faits historiques, cette fiction mêle des personnages qui ont existé (le procureur Fritz Bauer et le journaliste Thomas Gnielka), et un héros presque seul contre tous — incarné par Alexander Fehling, comme dévoré de l'intérieur —, intelligemment « fabriqué » à partir de trois procureurs qui menèrent l'enquête à l'époque.

La mise en scène, tendue, s'accroche aux pas de ce justicier de plus en plus obsessionnel. Chaque décor pèse sur les personnages comme une chape de plomb et chaque espace devient une menace. Quant aux scènes d'audition des rescapés du camp, elles restent très sobres. « Est-ce vraiment utile que tous les jeunes Allemands se demandent si leur père est un meurtrier ? » : cette ­réplique angoissante plane sur le film."

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"Cette Enquête voudrait, en fait, surtout nous parler de la vérité qu'on veut faire taire.
C'est un peu rapide, mais plaisant aussi, avec des personnages d'intrigants souvent plus croustillants encore que dans un polar. Et les comédiens se régalent : Eric Naggar en Jean-Louis Gergorin, Laurent Capelluto en Imah Lahoud, Charles Berling en Van Ruymbeke. Gilles Lellouche, en Denis Robert, convainc aussi.
Cet acteur, dont trop de cinéastes flattent la virilité quasi publicitaire, se trouve ici banalisé, simple homme de terrain. Et c'est bien mieux comme ça."

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"Cette œuvre très sombre dans la lignée de « Match Point », exprime avec vigueur la vision lucide et féroce de Woody Allen sur la laideur du monde et la vulnérabilité humaine.
Le cinéaste n’a rien perdu de sa pugnacité et retrouve avec bonheur son obsession des réalités déprimantes. Mais comme toujours, il le fait avec beaucoup d’humour et d’élégance, même si la fin est un peu "too much".

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"En fait, comme un moraliste, Sorrentino voit les gens tels qu'ils sont, mais les filme comme ils pourraient être — comme ils parviennent à devenir, parfois : le héros des Conséquences de l'amour rachetait sa vie ridicule par une mort honorable. Celui de La Grande Bellezza préservait, au coeur de sa dolce vita permanente, le souvenir d'un amour de jeunesse et, avec lui, sa pureté perdue."

Ici, il s'agit d'un conte poétique, avec la laideur et la vulgarité, thématiques récurrentes de Sorrentino, mais c'est très long.

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"L’ensemble, narré sur un mode fragmentaire, dégage une étrange impression, celle de voir le dessin d’une mosaïque qui se révèle, au bout du compte, bien monolithique."

Les cahiers du cinéma

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"Après le visionnage de 3 souvenirs de ma jeunesse il est légitime de se demander si Arnaud Desplechin ne vient pas là de réaliser son propre Etranger, tant la haine qu’éprouve le héros envers sa mère (et dont on cherchera, en vain, tout au long du film, une explication rationnelle qui ne viendra pas) le condamne à rater sa vie, à passer à côté des liens essentiels qu’elle nous offre avec nos semblables (amour, amitié, famille) et à ne jamais réussir à se remettre en question.

Partant de ce postulat de « désamour maternel » (ou 1er souvenir?), le réalisateur semble faire le procès de sa propre jeunesse au travers de ce Paul Dédalus arrogant, cynique et dont l’insensibilité émotionnelle en devient « physique », jusqu’à un dénouement cinglant, où, tel un juge, il proclamerait sa sentence implacable : L’errance et l’envol de ses certitudes."

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Première Palme d’Or pour Jacques Audiard, Dheepan n’en n’est pas moins une œuvre mineure dans sa filmographie, qui peine à trouver son équilibre narratif entre le film de vengeance et le drame social."

C'est dans sa seconde partie que le film plonge dans la violence aveugle, ce qui en affaiblit beaucoup la portée, dommage.

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"Avec "Mon Roi", la cinéaste a débarqué au dernier festival de Cannes en imaginant probablement qu'elle faisait partie du gotha du cinéma mondial : le film, qui relate une crise amoureuse adolescente en se prenant pour un drame psychologique de la plus haute maturité, n'est pourtant qu'un documentaire sur les ravages de la vulgarité néo-beauf sur le cinéma français contemporain."

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Un film qui vous transporte dans une autre époque, où le moindre détail témoigne d'une recherche esthétique qui ravit l'oeil, qu'il s'agisse des costumes, des châteaux, de la campagne anglaise et de ses délicieux jardins, (même si ce n'est pas Versailles), où l'on aime passer un peu de temps, à l'instar de ces personnages rêvés, pour se détendre, simplement, et se couper du brouhaha de ce monde.

Extrait de ma critique

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"Avec son quatrième long-métrage, Ruben Östlund dissèque le délitement d’un couple dans un cadre de station de sports d’hiver. Entre rancunes, évitements, déception, oubli ou pardon, ce psychodrame tragicomique sait créer le malaise derrière l’esthétique carte postale. Un film-catastrophe au sens propre et
figuré."

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"Toutes les scènes se passent dans un taxi

Berlin a décerné l’Ours d’or à "Taxi Téhéran", permettant un écho considérable à un film qui sera diffusé sous le manteau en Iran. Au-delà du contexte, c’est une vraie œuvre cinématographique qui est consacrée : Jafar Panahi se met lui-même en scène dans ce qui est une déclaration d’amour à son métier et à ceux qui résistent, comme ils le peuvent, à un pouvoir nuisible pour qui gouverner veut dire contrôler.

Se filmant en chauffeur de taxi atypique pendant quelques heures, il va embarquer tour à tour une série de personnages qui seront autant de facettes d’une société où dire et faire certaines choses anodines pour nous, sont là-bas des preuves de bravoure."

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"Depuis son court, L'Interview, Giannoli n'a fait que s'interroger sur l'imposture et la célébrité — l'imposture de la célébrité, surtout. Dans A l'origine, un escroc aux abois (François Cluzet) se dépassait pour redonner confiance à ceux qu'il avait voulu duper. Dans Superstar, un anonyme (Kad Merad) devenait l'idole d'anonymes qui le rejetaient aussi vite qu'ils l'avaient adulé.
Avec Marguerite, on ne sait pas qui, du vrai et du faux, l'emporte. « Que disent les cartes, nounou ? » Que tout n'est qu'un jeu sinueux. Et vertigineux."
Pierre Murat

Le film s'inspire de la vie de Florence Foster Jenkins, à qui Stephen Frears s'apprête à consacrer un film, avec Meryl Streep."

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"Formellement impressionnant, le nouveau film d’Alberto Rodriguez nous confronte à une Espagne post-franquiste aux lourds secrets. Une histoire classique et efficace pour un contexte sociohistorique prenant.."

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"Sympathique comédie satirique tournée à New York chez les bobos de Brooklyn et Manhattan."

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"Dans Phoenix, l'amour est déjà perdu... Lui impressionne autant par ses explosions de violence que par sa soudaine fragilité, quand son personnage est rattrapé par les émotions qu'il a refoulées.
Elle exprime la résilience d'une femme meurtrie avec intensité.
Le réalisateur met en scène cette renaissance comme un récit surnaturel, à la manière de Jacques Tourneur, entre angoisse et mélancolie.
Dans l'Allemagne d'après la catastrophe nazie, le fantastique naît du quotidien. Et Nelly, la revenante, devient plus incarnée, plus vivante que les vivants."

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"Que les fermières françaises des années1970 (et même d'aujourd'hui, sans doute) ne soient pas ravies de découvrir l'homosexualité de leur fille, soit.
Que Catherine Cor­sini et son actrice fassent du personnage une sorte de veuve corse droit sortie du Colomba de Prosper Mérimée ou de Cavalleria rusticana, l'opéra naturaliste de Pietro Mascagni, non !
Étrange outrance si l'on se souvient de Partir, autre récit d'une passion amoureuse — entre Kristin Scott Thomas et Sergi López — que la réa­lisatrice filmait en 2009 avec une épure digne d'une tragédie. Ici, on ne dépasse pas la générosité, la tendresse, le désir louable de braver l'intolérance."

Pierre Murat

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"Cheveux bouclés et lunettes noires, Ines, la trentaine, cherche ses amis à la sortie.
Cette passionnée de cinéma a été marquée par « l’hyperréalisme du film ». Et pour cause, Nabil Ayouch affirme avoir rencontré en un an et demi entre 200 et 300 prostituées dans tout le Maroc."

«C’est sur la base de leurs témoignages que j’ai pu construire les portraits de ces femmes dans le film », admet le réalisateur qui qualifie ces femmes de « combattantes, guerrières, amazones qu’on ne veut pas regarder, ni entendre ».

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"Traitant d'un sujet a priori rebattu, et néanmoins toujours nécessaire, Le Fils de Saul est pourtant d’une grande originalité dans son traitement.
La caméra embarquée suit les pas de Saul, Sonderkommando au service de l’Allemagne nazie.

Chargé de rassurer les déportés dans le sas de la chambre à gaz (promettant un thé après ce qu’ils pensaient être une douche) et de déblayer les corps (« objets » dans les bouches des Allemands) jusqu’aux fours crématoires, Saul survit grâce à ces gestes répétitifs et machinaux.

Les Sonderkommandos, souvent décrits dans la littérature qui a suivi la fin de la Seconde Guerre mondiale et dans quelques récits autobiographiques (au cinéma on pense à Shoah de Claude Lanzmann), rares sont les films ayant traité avec autant de réalisme l’itinéraire de ces Juifs agissant sous la contrainte des Allemands."

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"Vers l’autre rive rend compte d’une perte irrémédiable de l’être aimé que Mizuki est susceptible de perdre encore, comme capable de faire réadvenir (par les prières shintoïstes ou la mystérieuse cuisine qu’elle réalise) : nous sommes invités à une forme de bascule dans le champ irrationnel de la croyance comme de l’impossible, à l’expérience d’une incertitude et d’une porosité entre les frontières de la vie et de la mort, du visible et de l’invisible."

Annotation :

"Le cinéaste japonais reste fidèle à ses thèmes et à sa mise en scène caressante, tout en délicatesse.

Comme la chronique de cette communauté de filles est attendrissante à souhait, les images de la nature, idylliques, et les quatre actrices, adorables, ce film est en tous points charmant. Mais, pour la première fois dans l'oeu­vre de Kore-eda, il manque peut-être un peu de cette angoisse, de cette noirceur, voire de cette cruauté, qui dans ses chefs-d'oeuvre précédents comme Nobody Knows ou Still Walking, venaient briser la sérénité des
apparences."

Annotation :

"JAUJA est l’histoire de la quête désespérée d’un homme pour retrouver sa fille, une quête solitaire qui nous conduit dans un lieu hors du temps, où le passé n’est plus et l’avenir n’a aucun sens."