Top 10 - 1963

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Œuvre sans titre, simple numéro d’ordre dans une filmographie dont il constitue la plongée sans filet, l’expérience linguistique la plus audacieuse : l’onirisme et le vécu autobiographique, le désir et son objet fuyant, la réminiscence et l’invention pour un auteur rêvant de rivages inconnus. Fellini déchaîne ses associations sensitives et intellectuelles dans un enchevêtrement intime, chaotique, un grand huit vertigineux où il faut se perdre, descendre, toucher le fond pour enfin renaître.

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La fin du monde approche, et une jeune femme va devoir concilier les qualités de mère, de sœur et d’amante pour survivre à l’imprévisible. Hitchcock fait évoluer des techniques sophistiquées en art abstrait (cf. le travail électronique sur le son), pulvérise les barrières du film-catastrophe, fond l’inconscient dans le surnaturel et offre l’aperçu visionnaire d’un fléau sans logique. Un suspense magistral, transcendé par la richesse des métaphores et la virtuosité sidérante de la mise en scène.

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Visconti est le peintre du déclin en accords majeurs. Cette apothéose d’une splendeur et d’une vastitude épiques, tissée de rapports de classes, de conversations analytiques, de méditations intimes, n’est pas qu’un requiem pour le passé. C’est aussi la célébration d’un train de vie sensuel et de rituels dépersonnalisés vécus par un artiste politique contemporain, qui fixe l’immobilité voluptueuse des paysages et des portraits de famille comme si ses personnages étaient vivants une dernière fois.

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Confidence vénéneuse et fascinante, presque illicite, à la fois impitoyable, car elle filme la vie qui circule dans toutes ses promesses, et respectueuse, car elle le fait par touches, comme pour s’excuser. Il y plane un parfum de fin de règne inexpliqué qui s’accroche au cercle vicieux, infernal, du romantisme et de la réalité. Est-ce la volonté de vivre qui détermine l’idéal ou son refus ? À force d’avoir trop attendu, trop espéré de l’existence, il ne reste qu’un dégoût. L’impuissance à être.

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À partir de ce qu’il qualifiait de roman de gare, Godard orchestre le déploiement de tous les sens cinématographiques. On ne peut rien extraire ni déplacer d’une telle œuvre, sinon tout s’écroule. Coloré comme du Matisse par larges à-plats de couleurs pures, avec des blancs, des bleus et des rouges qui écrasent les hommes sous l’éclat éblouissant des statues peintes, il fait pénétrer la rigueur du destin dans une histoire sordide et transfigure la question de savoir comment continuer de filmer.

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Le passage du film criminel aux "grands sujets" n’a rien altéré du don de Preminger à débusquer, dans les contractures et les convulsions de l’Histoire, les différents visages du mal et la lutte de ceux qui se sont engagés à le combattre. C’est tout l’enjeu de ce portrait admirablement subtil et nuancé, hautement pensé et exprimé, qui traverse les soubresauts idéologiques d’un siècle en crise pour mieux les éprouver à la conscience individuelle d’un serviteur de Dieu. Une fresque passionnante.

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Ténacité à restituer la richesse et la noblesse des existences réputées banales, ouverture au prochain, sens aigu du détail… À ces qualités, Ray ajoute un volontarisme optimiste, un courage de la vie, une modestie de "primitif" qui l’accorde pleinement à ses personnages. Sa caméra bouge, détaille, court, avec un réalisme qui ne l’empêche pas de satisfaire à un souci d’intervention dans les structures sociales de son pays. Car chez lui la poésie du quotidien se redouble de la vérité de la poésie.

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Deux ans après "Chronique d’un Été", l’autre jalon capital du cinéma-vérité : un exercice de sciences et de matière humaines aux antipodes des idées reçues, fruit conjoint d’une morale, d’une enquête et d’une méthode. Par l’image (plans d’ensemble somptueux, détails insolites, coupes ironiques ponctuant les interviews) autant que par le commentaire, poétique, charmeur, impertinent, il invite à entrer au contact de la vie même, à atteindre à une pleine conscience sociale et historique du monde.

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L’auteur du "Pigeon" ne fut pas que le portraitiste tendre et grinçant des laissés-pour-compte du miracle économique. Fort d’une reconstitution toute de brumes et de grisaille qui se hausse jusqu’au vérisme puissamment romantique d’un Verga, il analyse ici les motivations élémentaires des combats du passé pour éclairer ceux d’aujourd’hui, et dépeint la condition des travailleurs, les injustices du quotidien avec une vigueur épique et humaniste proches de certaines grandes réussites soviétiques.

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Anderson a dit avoir voulu réaliser un film sur nos aspirations, notre égoïsme et notre tristesse. C’est dire si son passage derrière la caméra nous concerne tous, et si l’histoire de cet homme en crise, incapable de surmonter ses inhibitions relationnelles, est susceptible de parler à chacun. Dépouillée sur le plan stylistique, dominée par des flashbacks qui expliquent les raisons d’un échec, l’œuvre inscrit les vertus du mélodrame au sein d’une problématique sociale très subtilement négociée.