Top 10 - 2003

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Palme d’Or rêvée, diamant poli dans la beauté gracile d’un quotidien sublimé dont Van Sant dénude les noyaux mythologiques. Les couloirs où les êtres déambulent, se croisent, se parlent au gré des boucles spatio-temporelles forment comme un labyrinthe hanté par le Minotaure ; le massacre est filmé avec la douceur d’une caresse pour pleurer la grâce botticellienne des adolescents qui meurent. Découpé au laser, ce poème spectral et funèbre constitue la corne d’abondance de son auteur.

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Iñarritu est-il un esbroufeur pour festivaliers ? En tout cas, comme un corps humain est irrigué par son réseau sanguin, il s’écoule dans ce puzzle organique tant de flots de compassion brute que sa complainte sur la douleur et la fatalité (et sur la capacité des êtres à les dépasser) atteint l’universalité. Concret mais concerné par la quête spirituelle de ses protagonistes, pathétique mais jamais complaisant, le drame arrache à son époustouflant trio d’acteurs une humanité déchirante.

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Marivaux dans les classes de banlieue : rencontre fructueuse et contre-champ radical aux stéréotypes. En accord avec l’énergie bouillonnante de ses jeunes acteurs, le cinéaste accouche d’un éblouissant exercice de langue parlée, trouve l’équilibre entre la lucidité critique et l’optimisme, la finesse de la peinture sociale et le rapport qu’elle entretient avec la représentation. Et si le conte revêt les atours du réalisme, c’est pour imposer la vigueur admirable du geste politique qu’il dessine.

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Dans le quartier irlandais de Boston se joue une tragédie immémoriale dont les secrets finiront immergés sous les eaux dormantes de la Mystic. La culpabilité des hommes, l’instinct de vengeance et la loi du sang, lorsqu’ils ne dévorent leurs victimes expiatoires, sont apaisés par les mots vénéneux d’une lady Macbeth. Eastwood exhume les démons américains le long d’un film noir impérialement maîtrisé, qui s’ouvre tel un conte ténébreux et se referme comme un tombeau.

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Des limbes dont il revient après vingt ans de retraite, Bergman ramène l’un des couples fondamentaux de sa filmographie. Les rancœurs recuites, l’inceste voilé, la cellule familiale éclatée trouvent comme un apaisement dans la mosaïque des photographies coagulées qui clôturent le film. Accéder à la vérité des hommes consiste en un art simple de la disposition et de l’effacement : cette œuvre rigoureuse et frémissante comme une ultime confession en porte la philosophie. Un testament magistral.

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Où PJ enterre entérine définitivement sa capacité à synthétiser les arcs narratifs engagés, et propulse la conclusion de la trilogie tout là-haut, dans le sanctuaire des rêves de cinéma formalisés – comme une version actualisée de l’Iliade ou de la Bible. Les enjeux se résolvent en une apothéose lyrique enrichie du poids des aventures traversées, la quête des personnages s’achève dans un déluge de visions grandioses, et les pages de l’épopée se referment avec un sentiment d’immense gratitude.

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Pour ressusciter avec un tel panache le souvenir des canonnades et des abordages, des engagements marins et des défis lancés à la tempête, il faut un sacré maître d’œuvre. Weir est celui-ci, qui à la poursuite de cet "Achéron" paré des brumes de l’enfer, réveille un goût de l’aventure oublié depuis Curtiz et Walsh. Entre Nelson et La Pérouse, il ménage à l’épopée ses plages contemplatives, sa richesse de caractères, ses éclairs de superstition dignes des plus beaux récits de flibuste. Chavirant.

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Où les frères Farrely tombent le masque, dévoilent comme un aveu ce que cachait leur comique de saturation aux saillies outrancières : soit une tendresse désarmante, une foi sans retenue en la beauté – et même la poésie – de la différence. La force du lien fraternel dicte à la comédie son intransigeant optimisme, l’enchante avec les couleurs vives d’un conte de fées sentimental, et infiltre jusqu’au délire d’un microcosme hollywoodien caricaturé avec bienveillance. Le bonheur absolu.

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Attachez vos ceintures. Rappeneau embarque dans le tourbillon de la débâcle, en juin 1940, sur les talons de personnages ballottés par les bourrasques d’un romanesque fou. C’est proprement éblouissant ; un style virevoltant, un souffle continu, un rythme infernal de comédie emportent tout, y compris la gravité du sujet. Ca va, ça vient, ça court ; on ouvre une porte, tiens c’est Pétain, une voiture roule, tiens c’est de Gaulle. On tutoie la virtuosité, l’élégance, la fluidité d’un grand Hawks.

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L’ombre de Tarkovski plane évidemment sur les cadrages majestueux, le lyrisme plastique, la poésie éthérée, la prééminence de l’élément aquatique, la topographie picturale de ce conte allégorique, jusqu’aux prénoms des héros – Andreï, Ivan. Deux jeunes ados quittent la rassurante douceur de la mère pour se confronter à la figure ombrageuse du père, et ce sont tous les cycles de l’enfance, sa crédulité, ses terreurs, ses passions violentes et éphémères, que le film explore. Envoûtant.