Les meilleurs films chinois selon abscondita

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+ partie 2

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Zhang Yimou n'a jamais été un expert du film d'arts martiaux. Il se considérait jusqu'à présent seulement comme un fan du genre. Puis, "j'ai abordé le wuxia - genre mêlant épées et chevalerie chinoise - avec Hero, et je me suis fait happer..." Désormais rompu aux impératifs cinématographiques du genre, il a pu, avec Le Secret des Poignards volants, se montrer plus audacieux : "On pourrait dire que ce film est aussi un hommage au wuxia".
Mais pour le réalisateur, c'est tout sauf un film d'arts martiaux ordinaire : "C'est une histoire d'amour sertie dans un film d'action." Conscient que de nombreux réalisateurs ont raconté ce genre d'histoires, Zhang Yimou a choisi de s'intéresser avant tout à l'instant et à la façon dont l'amour naît, et ce que hommes et femmes sont prêts à sacrifier au nom de ce sentiment. "Pour moi, finalement, l'amour est le triomphe de l'humanité..."

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Tigre et dragon est adapté d'un roman populaire chinois de Du Lu Wang, représentatif du genre «wuxia», qui loue les exploits des héros des arts martiaux. Ce genre a notamment inspiré King Hu (Touch of zen, 1972).

Ang Lee réalisateur explique:« Mon équipe et moi avons choisi le genre le plus populiste, sinon le plus populaire, de l'histoire du cinéma : le film d'arts martiaux de Hong Kong, pour narrer cette histoire. Nous l'avons utilisé de façon aussi instrumentale, pour explorer l'héritage culturel traditionnel de la Chine. Nous l'avons réinvesti et marié à la forme d'art la plus élevée, la plus secrète : les arts martiaux que les grandes écoles taoïstes d'initiation au combat et à la réflexion transmettent de génération en génération. »

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"J'ai fait ce film à cause de l'augmentation de la violence à Hong Kong. La situation devenait hors de contrôle. Des gens se faisaient tuer dans la rue tous les jours. J'ai donc voulu faire un film positif pour contrebalancer la situation. Pendant la tournage, nous avons poussé les choses un peu plus loin pour montrer que les choses n'allaient pas s'arrêter comme ça, qu'elles allaient progressé dans l'avenir jusqu'à l'étape suivante qui est la guerre. Ce constat est le thème d'A toute épreuve." ( John Woo)

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Le sabreur manchot apparaît sous le nom de Yang Guo dans The Mythical Crane Hero, roman à épisodes de l'écrivain chinois Jing Yong. D'abord personnage secondaire, cet infirme invulnérable fascine le public par le paradoxe qu'il constitue. Le réalisateur Chang Cheh, qui recherche un héros susceptible de contribuer à une refondation du cinéma d'action, ne tarde pas à s'emparer du personnage. Avec son scénariste Ni Kuang, ils donnent naissance au film Un seul bras les tua tous (1967), premier volet d'une saga à succès qui se poursuit avec Le Bras de la Vengeance (1968), et enfin La Rage du tigre.

Ti Lung, qui interprète ici le rôle de Feng, jouait déjà dans Le Bras de la Vengeance. Sa langue maternelle étant le cantonais, il lui a fallu apprendre le mandarin pour pouvoir travailler à la Shaw Brothers. "A l'époque, seules les compagnies indépendantes produisaient des films cantonais alors que les films mandarins s'imposaient sur le marché de l'Asie du sud-est et à Taïwan".

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Le film est librement basé sur une histoire d'arts martiaux de la fin du ixe siècle, Nie Yinniang, rédigée en chinois classique par Pei Xing, et qui constitue un texte de base pour les maîtres d'armes chinois et le genre littéraire wuxia.

L'action de The Assassin se déroule en Chine durant le 9ème siècle sous le règne de la dynastie des empereurs Tang (618-907).

Le réalisateur Hou Hsiao-Hsien s'est beaucoup documenté sur l'époque en lisant notamment de nombreuses annales et chroniques historiques. Le cinéaste tenait à ce que le moindre détail paraisse réaliste et authentique, des costumes à la manière dont les gens mangeaient.

Un conte célèbre en Chine se retrouve dans The Assassin, il s'agit de L'oiseau bleu et du miroir. Ce récit est tellement ancré dans la culture populaire du pays que les mots chinois miroir et oiseau sont devenus synonymes.

Les extérieurs de The Assassin ont été tournés en décors réels en Mongolie intérieure et dans la province de Hubei, en Chine. Hou Hsiao-Hsien a été fasciné par ces paysages magnifiques de forêts et de lacs. Les paysans vivants dans ces contrées et présents dans le film sont d'ailleurs de vrais paysans qui ne changeaient rien à leur manière de vivre lorsque le cinéaste filmait ses scènes. Ils ont même été une source d'inspiration pour le metteur en scène.

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« Vous voulez que je vous parle du combat final entre moi et Jet Li ? Vous, les occidentaux, vous adorez le cinéma de Hong Kong, mais j’ai l’impression que vous êtes trop attachés aux chorégraphies. Moi j’aime les films plus que les scènes… Je ne peux rien vous raconter d’intéressant sur ce final. Ça s’est fait de manière, eh bien… évidente ! C’est comme la nourriture chinoise : c’est naturel pour nos de concevoir des plats exquis, on n’y réfléchit pas, on le fait. C’est la même chose avec les chorégraphies d’action. C’est comme une seconde nature pour nous et c’est pour ça que j’ai beaucoup de mal à vous en parler, ne m’en voulez pas… » (Donnie Yen).

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Film Hong kongais

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Le film est vaguement basé sur la vie d'Huo Yuanjia, un maître en arts martiaux qui défie les combattants étrangers dans des événements très médiatisés, à une période où un nationalisme chinois émerge à cause de l'impérialisme japonais qui érode le pays pendant les dernières années de la Dynastie Qing (1644-1911), avant que ne naisse la République de Chine.

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Le réalisateur hong-kongais Johnnie To s'exprime au sujet de l'exil, le thème central d'Exilé, film qui parle également, selon lui, "d'honneur et d'amitié" : "Dans mon film, l'exil est choisi par des hommes décidés à suivre des rêves auxquels ils refusent de renoncer. James Joyce explique clairement ce sentiment dans "Portrait of the artist as a young man" : "Je ne servirais pas ce en quoi je ne crois plus, qu'il s'agisse de mon foyer, de ma patrie ou de mon église. Je tenterai de m'exprimer à travers un art ou une façon de vivre, aussi librement que possible, en employant pour ma défense les seules armes que je m'autorise : le silence, l'exil, et l'astuce"."

Johnnie To évoque les influences qui l'ont marqué pour Exilé : "Ce film ne rend hommage à aucun réalisateur en particulier. Je l'ai conçu en m'inspirant de tous ceux qui ont marqué ma jeunesse : Sergio Leone, mais aussi Sam Peckinpah, King Hu et Akira Kurosawa. J'aime ces metteurs en scène qui racontent des histoires fortes dans lesquelles des hommes se retrouvent piégés dans des situations désespérées."

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Ce film d'espionnage a aussi une valeur de témoignage selon Ang Lee, qui n'avait plus tourné en Asie depuis Tigre et dragon en 2000 : "Les jeunes acteurs du film apprenaient beaucoup sur la Chine de leurs grands-parents, ce qui était très émouvant pour moi. La Chine a vécu beaucoup d'épreuves et des choses se sont perdues ; si cette génération ne se connecte pas avec le passé, laquelle le fera ? Cela faisait partie de notre mission." C'est ainsi que Leehom Wang, une popstar à Taïwan, raconte : "En travaillant sur Lust, Caution, j'ai beaucoup appris sur la Seconde Guerre mondiale et la culture chinoise. Mon personnage, Kuang, est un idéaliste passionné dont je me sentais très proche. Les étudiants de cette époque brûlaient de l'intérieur. Mes grands-parents m'ont aidé à comprendre et ma grand-mère pleure encore lorsqu'elle raconte comment toute sa famille a été assassinée par des soldats japonais. La façon dont mon grand-père parle et se tient était pour moi un point de référence, et quand j'ai revêtu la tunique pour la première fois, je lui ressemblais vraiment beaucoup."

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co-production: Bouthan - Chine

Le processus de fabrication du film a été extrêmement dur. Il a été tourné à Lunana au Bouthan dans un village rural de montagne à 4800 m d'altitude. Un an de préparation a été nécessaire, ainsi que la construction d’une maison pouvant abriter toute l’équipe. Le tournage devait se dérouler durant les deux seuls mois de l’année où il ne neige pas, et où il y a suffisamment de soleil pour que les capteurs solaires puissent être rechargés. Par ailleurs, aucune route ne conduit jusqu’à Lunana. L’équipe a mis huit jours à y monter, avec une soixantaine de mules et d’ânes pour transporter les capteurs solaires, les batteries et la nourriture (du riz et des légumes secs à longue conservation).

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Le titre chinois du film, Yin ru chen yan, signifie "Caché dans le pays des cendres et de la fumée". "Cela signifie que les époques passées, les vies passées, ne sont pas disparues. Elles sont simplement enfouies dans les cendres. Ce que nous ne voyons plus ne cesse pas pour autant d’exister. Ce titre compliqué a un sens bien plus simple qu’il n’y paraît (Li Ruijun).

Li Ruijun voulait filmer la terre où il est né et mettre en avant un mode de vie voué à disparaître au profit de l'urbanisation : "je voulais conserver une trace de ces existences rurales et simples, rendre hommage à cette terre qui a nourri mon âme et reste ma principale source d’inspiration."

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Le film est basé sur l'autobiographie de l'empereur Pu Yi qu'il écrivit avec son frère Pu Chieh et l'éditeur Li Wenda, qui deviendront tous deux conseillers techniques sur le film.

Le Dernier empereur est le premier long métrage autorisé à filmer dans la Cité Interdite. Le premier film occidental à avoir obtenu cette permission fut un documentaire américain pour la chaîne NBC en 1973.

19000 figurants furent nécessaires au tournage du film.
Le coiffeur du film importa plus d'un kilo de cheveux pour fabriquer les perruques très élaborées de la Cour impériale. Pour la scène du couronnement, son équipe entraîna une cinquantaine de personnes pendant dix jours afin qu'elle puissent poser les perruques sur la tête des 200 figurants en moins de deux heures.
C'est un chef italien qui fut chargé de cuisiner pour toute l'équipe. Il importa en autres 22000 bouteilles d'eau minérale italienne, 225 kilos de café italien, 950 litres d'huile d'olive et 2250 kilos de pâtes.

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le film, qui aborde des thèmes sensibles entourant le colonialisme japonais, présente des « chorégraphies de combat réalistes ». Il se distingue des autres films du genre par ses références historiques et sociales, notamment à l'impérialisme japonais.

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Le titre et l'intrigue du film de Stephen Chow et Chi-kin Kwok s'inspirent d'un ouvrage chinois culte, "Le Voyage en Occident", écrit par Wu Cheng'en à la fin du XVIème siècle. C'est à ce jour le roman le plus utilisé pour écrire des scénarios en Chine. On ne dénombre plus les films, téléfilms et dessins animés qui empruntent une plus ou moins grande part à cet univers fantastique. L'influence a même dépassé les frontières chinoises puisque le célèbre Dragon Ball, du Japonais Akira Toriyama, en est une libre interprétation. Un certain nombre de films des Shaw Brothers se sont également basés sur cette histoire mêlant légende et religion.

"300 Nursery Rhymes", une chanson enfantine traditionnelle chinoise, devient dans le film un instrument de destruction pour le démon. Stephen Chow voulait absolument introduire cet élément dans le film pour rendre touchant le monstre. Une autre arme, l'anneau volant (infini) est aussi un emprunt, au film Buddha’s Palm de Taylor Wong.

Journey to the West est le premier film chinois à autant utiliser la technologie numérique pour incarner des démons. Il y a plus de 880 plans créés à l'ordinateur dans le film. Trente personnes ont travaillé sur cet aspect du film, sans compter l'équipe de soixante animateurs en Corée. L'équipe s'est même enrichie de quelques spécialistes venus d'Hollywood pour parfaire la technique des effets spéciaux et autres créations numériques.