Les meilleurs films de 2025 selon takeshi29

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Si la mer est loin les larmes sont proches... (cf critique)

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Comment peut-on passer de "Vox Lux", film pas si mal mais loin d'être inoubliable, à une œuvre monstre sortie de nulle part comme 'The Brutalist" ? Je le dis d'emblée, je comprendrai parfaitement ceux qui verront dans ce film plus un objet malin que génial, mais perso j'ai été happé dès les premières secondes, j'ai écarquillé les yeux (et les oreilles) cinquante fois, j'ai admiré les transitions, les ellipses, la manière de parler du sort des juifs dans l'Histoire sans jamais rien montrer, d'architecture comme bien peu avant lui, je voudrai revoir là tout de suite la scène de la carrière de marbre pour revivre ce frisson qui m'a parcouru en découvrant comment Corbet travaillait la notion d'espace, comment il utilisait la désynchronisation pour donner le vertige. Il y aurait tant à dire sur ce que "The Brutalist" embrasse comme sujets, sur la manière dont il donne l'illusion de raconter une vraie vie, dont il sème les cailloux pour mieux nous émouvoir avec la scène finale. Et comment ne pas évoquer Adrien Brody, acteur qui ne me passionne pas plus que ça mais qui ici est juste incroyable, ou Guy Pearce en patriarche qui pourrait sortir de "Festen".

Un petit conseil cependant : allez voir ce film en salle, sous peine de ne pas être apte à le juger, car il doit se vivre ainsi, comme une expérience partagée, avec cet entracte de 15 minutes, avec le VistaVision qui n'a de sens que sur très grand écran, avec le travail dingue sur le son à laquelle participe une partition musicale qui vous secoue. C'est du cinéma, à voir au... cinéma.

Depuis hier quelques mots résonnent en moi : « Nous vous tolérons »...

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Boudés par le jury cannois ces "Feux sauvages" auraient très bien pu être ma Palme d'or. Parce qu'au-delà d'un art du montage prodigieux il y a dans ce nouveau Jiǎ Zhāng-Kē une ode au souvenir, au cinéma, à l’Histoire d’un pays en mutation. Et bien entendu il y a le regard d'un cinéaste amoureux, qui nous donne à voir une femme, une muse déambulant dans une filmographie qui même fragmentée fait sens et finit par créer un récit à part entière. Et que c'est beau de voir un personnage autant qu'une actrice vieillir sous l’œil d'une caméra et donc sous celui du spectateur.

Durant toute la projection j'étais persuadé que ce film était terriblement excluant pour qui ne possédait pas les clés du cinéma de JZK, sentiment renforcé par le départ d'un membre du public en cours de route. Mais aujourd'hui une personne m'a dit ne rien en connaitre et avoir pourtant été totalement hypnotisée. Comme quoi le plaisir de se perdre peut tout supplanter...

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Des paysages incroyables, qui ne sont pas sans rappeler ceux d'un Jiǎ Zhāng-Kē (d'ailleurs acteur dans le film), une ambiance post-apocalyptique qui donne lieu à des scènes d'une beauté sidérante, avec ces meutes de chiens qui semblent tenir la porte des enfers. Guǎn Hǔ, jusqu'ici spécialiste de produits très commerciaux, signe un drôle de film, où la fureur succède au silence, où un personnage mutique trouvera sa voix/voie, son humanité grâce à l'animal traqué. Ce "Black Dog" m'a beaucoup touché, j'espère qu'il en sera de même pour vous.

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Fidèle à elle-même Marie Losier dresse le portrait d'une personnalité à la marge, et chez elle la forme rejoignant le fond elle continue à explorer un style à la limite de l'expérimental, rappelant ses liens avec l'underground new-yorkais. "Peaches Goes Bananas" est donc un objet tout aussi punk que cette artiste canadienne fascinante de radicalité, qui aborde la scène comme un lieu de liberté, de provocation, de performance mais aussi comme un lieu politique. La femme est clivante, le film l'est forcément autant, mais pour moi ces 73 minutes furent un bonheur.

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Je tiens avant tout à rassurer deux catégories de spectateurs : ceux qui en auraient marre d'Isabelle Huppert qui il faut l'avouer est partout tout le temps, et ceux qui auraient peur de voir un film flou. La première doit se dire que la dame n'est jamais aussi bien que chez le cinéaste coréen, et donc ici elle pétille, elle amuse, elle semble réapprendre son métier ou plutôt en revenir aux sources. Quant à la seconde cette fois il a réglé l'objectif de la caméra 😉. Pour le reste c'est du Hong Sang-soo pur jus, avec bibimbap et makgeolli comme s'il en pleuvait. Un HSS qui continue à épurer, à simplifier ses variations, et selon moi plus il le fait plus il est mélancolique et introspectif, donc touchant. Après il n'y a pas de secret : ceux qui font partie de la secte continueront à aimer, les allergiques resteront allergiques.

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Ce documentaire brésilien, présenté à la dernière Quinzaine des cinéastes et sorti mercredi en salle, est certes un cri d'alarme poussé par la tribu des Yanomami, un geste de défiance envers « le peuple de la marchandise », mais c'est avant tout un vrai geste de cinéma. Car ici pas de message didactique et moralisateur, tout passe par l'image et le son qui captent des corps en mouvement, dans une marche hypnotique qui semble ne jamais devoir finir, une danse. "La Chute du Ciel" ne se contente pas d'être utile, il est beau...

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Étant très critique à propos de l'animation japonaise qui est sérieusement rentré dans le rang depuis quelques années, mon plaisir n'en a été que plus grand en découvrant ce "Totto-Chan" qu'on pourrait qualifier de mélo enjoué et positif, qui traite chaque situation qui pourrait donner lieu à un déluge de pathos avec une grande dignité, à l'image de l'enterrement ou de la mort du poussin. Il y a certes ici beaucoup de malheurs mais surtout beaucoup de vie et d'amour, tout ça personnifié par un magnifique personnage, Monsieur Kobayashi, le directeur de l'école. En résumé je n'avais pas vu un japanime aussi équilibré entre douleur et douceur depuis "Dans un recoin de ce monde".

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Si t'es pas à Gérardmer tu les vois plus au ciné... (cf critique)

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Les mots qui correspondent le mieux à ce "Tout ira bien" sont probablement pudeur et dignité. Celles d'une femme qui souffre sans faire d'esclandre mais aussi celles d'un cinéaste qui n'en rajoute jamais, qui refuse d'aller là où la facilité pourrait le guider. Ray Yeung, déjà réalisateur du très maitrisé "Un printemps à Hong Kong", aborde bien des thèmes douloureux, raconte l'hypocrisie d'une société, sans jamais rien surligner.

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La programmation de la dernière édition des Saisons Hanabi l'a bien montré, le cinéma japonais est en train d'opérer un virage intéressant, car même s'il reste intimiste il règle de plus en plus frontalement son compte à la société nippone et son hypocrisie. "My Sunshine" en était un excellent exemple et ce très grinçant "Jardin zen" en est un autre. On y voit aussi le traumatisme indélébile qu'a laissé le drame de Fukushima, ce qu'évoquait également l'un des succès surprises de 2023, "La Famille Asada". A noter forcément l'interprétation de Mariko Tsutsui, aussi géniale ici que chez Kōji Fukada.

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A 84 ans Jean-François Laguionie signe son film de loin le plus personnel et son œil est certes nostalgique mais jamais rance. Il rend comme souvent hommage à l'imaginaire, aux aventuriers, y compris ceux qui font le tour du monde dans leur jardin, et à cette mémoire d'enfant qui a choisi de ne se rappeler que du beau, du doux, du regard d'une mère ou de la main d'un père. Poétique et émouvant, le genre de film familial qu'on aimerait voir plus souvent.

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Preuve d'un certain recul, d'une certaine propension à l'autocritique, Francesca Comencini entend dans une très belle scène de son dernier film son père Luigi lui reprocher de faire dans l'autobiographie. Alors lui qui trouvait ça facile et n'aimait que l'imaginaire et le romanesque, qu'aurait-il pensé de "Prima la Vita" ?

Je crois qu'il l'aurait beaucoup aimé parce qu'on y trouve beaucoup beaucoup d'amour, au point probablement de travestir la réalité, d'embellir la figure du père, beaucoup de poésie et d'onirisme aussi. Et du cinéma, tout le temps, avec celui de Papa bien sûr, mais aussi avec ces bobines muettes que celui-ci avait sauvées, ou encore Pialat et sa si belle 'Enfance nue".

Un film qui déborde de partout, avec à la fin, comme une épitaphe, ce "D'abord la vie"qui raconte tant de choses...

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Je suis parfois énervé quand j'entends parler du soi-disant courage des cinéastes, mais jamais quand il s'agit de films venant d'Iran, douce démocratie où tout artiste qui ouvre sa bouche finit en prison, en résidence surveillée ou autre joyeuseté. Et c'est donc le sort réservé à Maryam Moqadam et Behtash Sanaeeha, dorénavant interdits de sortie du territoire.

Après le très beau "Le Pardon" ils prennent cette fois une voie pour le moins inattendue pour dénoncer les conditions de vie dans un pays où l'interdit est la règle, signant une pure comédie romantique en huis clos. C'est malin, délicieux comme un gâteau, drôle. Mais attention, nous sommes en Iran, où le plaisir ne peut être que de courte durée, alors pas sûr que ça se termine comme dans un film hollywoodien...

La dégustation se fera dans tous les bonnes salles de l'Hexagone à compter du 5 février 2025.

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Le sens du timing des journalistes de Mediapart n'est plus à démontrer, et c'est donc très logiquement le 8 janvier que sortira ce "Personne n'y comprend rien".

Soit précisément deux jours après l'ouverture du "procès Sarkozy" dans l'affaire dite des financements libyens. Et l'exercice est salutaire car Fabrice Arfi, Karl Laske et d'autres intervenants passionnants se proposent de décortiquer les tenants et aboutissants de ce bordel aux très nombreuses ramifications. Documents et témoignages à l'appui on remonte le temps, on se rafraichit la mémoire et on est enfin prêt à profiter du spectacle que devrait être ce concours de Pinocchios devant le tribunal correctionnel de Paris.

L'enquête journalistique aura duré douze ans et par miracle le film la rend limpide, malgré les dates, les sommes, les noms qui se croisent et s'entrecroisent. Et comme toujours avec Yannick Kergoat, réalisateur des "Nouveaux Chiens de garde" et de "La (Très) Grande Évasion", non seulement on comprend tout mais en plus on sourit beaucoup.

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Cinq ans après le prometteur "Tout ce qu'il me reste de la révolution" l'actrice Judith Davis repasse derrière la caméra, et semble à nouveau répondre à cette question : « Qu’est-ce qui s’est déréglé p..... ? ». Elle continue à en rire pour ne pas en pleurer, croque des personnages hauts en couleurs, archétypes de notre vie sociale (et familiale) régie par l'argent mais aussi les grandes croyances pas forcément faciles à concrétiser, à assumer. Ainsi "Bonjour l’asile !" parle de charge mentale, de lutte des classes, de la position des hommes pris entre envie de "déconstruction" et difficulté à trouver leur place. Et c'est probablement là la force de ce film : paraitre caricatural pour progressivement nuancer le propos, sauver ses personnages même les moins sauvables en montrant l'inconscient derrière les actes.

En résumé c'est drôle 95% du temps mais les 5% restants, bien plus profonds, font passer le métrage de sympathique fantaisie à satire cruelle mais lucide sur l'époque. A noter que le casting accompagne merveilleusement ce vent de fraîcheur, comma si l'absence de tête d'affiche était lui aussi un geste politique.

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C'est peu de dire que le nouveau film d'Adam Elliot était attendu, Une quinzaine d'années depuis le fameux "Mary et Max." qui avait fait verser des hectolitres et des hectolitres de larmes. Avec "Mémoires d’un escargot" le réalisateur australien, et c'est selon moi sa limite, a choisi de continuer à creuser le sillon du malheur, du lacrymal, et il a chargé la barque au risque de la faire couler. Mais il faut lui reconnaitre un réel savoir-faire pour le genre mélo avec soupapes comiques afin d'éviter des suicides collectifs dans les salles.

Donc cette fois encore ça fonctionne, y compris parce que techniquement ça reste bluffant, mais attention Adam, si tu nous ressers le même genre de récit la prochaine fois on pourrait te soupçonner d'avoir trouvé une recette magique et de te contenter de réchauffer le plat. (Des escargots réchauffés ça doit vraiment pas être terrible...)

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Divine surprise car là où ce genre de film passe trop souvent en force celui-ci semble le faire mais c'est comme si la sensibilité, l'émotion (expressivité assumée des personnages) n'étaient pas feintes, certainement en partie grâce à ces acteurs dans leurs propres rôles de détenus (issus du programme de réinsertion part les arts) qui entourent un Colman Domingo royal. Cette fois j'ai cru à ces personnages, à cette belle amitié, et ça m'a profondément ému.

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Même si ce "Spectateurs !" n'est pas exempt de maladresses - Les parties fictionnées sont quelque peu ringardes - Arnaud Desplechin est encore parvenu à m'émouvoir. Parce que son amour fou du cinéma transpire à chaque instant, parce qu'il est remarquable quand il se fait passeur, quand il évoque "Shoah" ou Misty Upham, l'actrice prématurément décédée de "Frozen River". Ses choix sont très personnels, presque arbitraires, et c'est ça qui est beau.

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J'aime Claire Simon d'amour, la femme autant que la réalisatrice, celle qui s'intéresse depuis si longtemps à ce qui fait humanité, civilisation, nation : la jeunesse, la nature, le corps, l'hôpital public, la culture. la solidarité, le village ou encore par deux fois l'enfance. En effet plus de trente ans après "Récréations" la cinéaste retourne à l'école et filme à nouveau (un peu) la cour mais cette fois surtout la salle de classe, le plaisir de transmettre et d'apprendre. Apprendre à lire, écrire, écouter, respecter l'autre. Apprendre à devenir les femmes et les hommes de demain en quelque sorte...

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Autant je n'avais pas adhéré à la précédente proposition de Rúnar Rúnarsson, "Echo", autant ici la beauté, l'émotion dégagées par quelques scènes, par une vitre, par deux "veuves" enlacées, par un soleil se reflétant dans la mer, par la partition de Jóhann Jóhannsson, ont suffi à me laisser faire par cette histoire d'une touchante simplicité.

Ce beau mélo devrait sortir en février 2025.

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Ne pas se fier à l'affiche (Ou quand l'habit ne fait pas le moine)... (cf critique)

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Antoine Chevrollier signe un premier film extrêmement maitrisé, qui aborde avec subtilité la période de la vie à la fois la plus stimulante et la plus fragile, le poids des secrets, les mentalités figées qui tuent. Il y a beaucoup de soleil dans cette "Pampa", un soleil qui peut réchauffer mais aussi brûler.

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"Twist à Bamako" excepté je trouve Robert Guédiguian à nouveau en grande forme depuis une dizaine d'années. Et la première partie de cette "Pie voleuse" m'a laissé croire à un très grand cru, avec ce conte social gorgé de soleil, ce très beau portrait de femme généreuse et immorale à la fois servant d'agent de liaison scénaristique entre les différents personnages. Mais au prix d'un "coup de théâtre" romanesque pour le moins inattendu le récit prend une drôle de tournure. Quand l’attention se porte principalement sur les protagonistes plus jeunes, l'ensemble semble perdre de sa véracité, comme si le réalisateur de l’Estaque ne les saisissait pas autant que les plus anciens. Un décalage entre générations, une indulgence à géométrie variable, déjà perceptibles dans certains de ses films précédents. Mais au-delà de cet écueil, que chez Guédiguian les réconciliations réchauffent le cœur, que les mots de Victor Hugo sonnent justes, que c'est beau de voir cette troupe vieillir sous l'œil de sa caméra, qu'Ariane Ascaride est lumineuse, que c'est émouvant d'avoir vu Jacques Boudet pour la dernière fois...

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Ce film peut agacer avec son aspect glacial que n'aurait pas renié un Michael Haneke et qui semble parfois plus relever de la posture que d'une grammaire cinématographique. En revanche il faut louer son efficacité dans la manière dont il traite ce phénomène aussi hallucinant que méconnu : le syndrome de résignation.

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Si ce premier long n'est pas parfait - L'animation par exemple n'apporte pas grand chose - il a le courage de la modestie, d'une délicatesse qui pourrait paraitre argument de vente mais qui ne se dément jamais, jusqu'à oser ne pas amener le spectateur là où il croit qu'il va aller. Et puis forcément il y a le magistral Roschdy Zem, et la nouvelle venue Bella Kim, duo improbable, deux solitudes qui s'attirent sans réellement se trouver.

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Malgré la lourdeur (Sans mauvais jeu de mots) du sujet pas de larmoyant ni de didactisme forcené dans "La Vie, en gros", le ton est enlevé, assez rock'n'roll, comme pour dédramatiser ce que Ben doit endurer. Et dans la plus pure tradition du cinéma d'animation tchèque la technique est bluffante, avec ce stop motion qui régale la rétine. A conseiller aux enfants à partir d'une dizaine d'années, mais aussi aux parents.

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Pour une fois voici un prix du public, celui du festival de Gérardmer fraichement refermé, qui ne couronne pas quelque chose d'archi facile à consommer. Cet "Oddity" est un truc vraiment malin, qui réussit parfois à vous foutre les chocottes sans pourtant beaucoup de moyens, et qui ne donne pas toutes les clés de son récit au bout de quinze minutes. Et mine de rien, sans pourtant s’appesantir sur ce point, ce film irlandais parle de féminicide. Le genre horrifique est bien souvent politique, et on sent que la nouvelle vague met un point d'honneur à s'inscrire dans son époque.

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N'étant pas particulièrement féru de botanique je ne suis pas allé voir ce film pour les plantes mais pour Pierre Creton dont j'aime énormément le travail, que ce soit le documentariste ou le créateur de fictions. Ici c'est donc le premier qui œuvre et forcément avec l'agriculteur-cinéaste c'est étonnant. Étonnant car on passe bel et bien 104 minutes à regarder des plantes et écouter le spécialiste Mark Brown les décrire. C'est donc assez aride et j'ai cru dans un premier temps que l'ennui allait rapidement être mon ami. Et finalement non, je me suis laissé porter, je me suis baladé, j'ai profité de cette nature encore intacte... dans une salle de cinéma.

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Selon moi la meilleure réalisation des sœurs Coulin dont les précédents films m'avaient donné l'impression de manquer de substance. Cette fois si le discours politique est limité l'aspect intime est traité avec bien plus d'acuité. En gros si vous allez chercher une thèse sociologique vous serez déçus, si c'est le drame psychologique qui vous intéresse vous pouvez y aller. Et forcément un mot pour le trio d'acteurs, remarquable.

« Il faudrait un vrai projet, et pas seulement pour mon fils. »