Les meilleurs road movies selon abscondita

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Le film est inspiré d'une nouvelle de Richard Matheson, Duel, parue en 1971 et inspirée d'une mésaventure arrivée à l'auteur : le 22 novembre 1963, soit le jour de la mort de Kennedy, Richard Matheson circulait avec un ami sur une route déserte de Californie. Soudain, la radio annonce l'assassinat du président américain à Dallas (Texas). Submergé par l'émotion, Matheson fait une embardée. À ce stade, il n'a pas encore vu l'énorme semi-remorque lancé à vive allure derrière lui. Sans aucun mobile, le routier, dont Matheson ne distingue pas le visage, va essayer de l'écraser, avant de disparaître dans l'immensité désertique… Quand Spielberg découvre cette nouvelle, il s'exclame : « Mais c'est génial !! On dirait du Hitchcock ! »

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Thelma et Louise (Thelma and Louise) est un film américain réalisé par Ridley Scott en 1991, qui a reçu l'Oscar du meilleur scénario. Avec Geena Davis (Thelma) et Susan Sarandon (Louise) dans les rôles principaux, il raconte l'histoire de deux femmes dont l'excursion d'un week-end se transforme en cavale à travers les États-Unis. Ce film met également en scène Harvey Keitel, ainsi que Brad Pitt dont la carrière a été lancée par ce long métrage.

Écrit par la scénariste Callie Khouri, ce film a failli ne jamais voir le jour devant la méfiance de bon nombre de producteurs et réalisateurs, en raison de son thème et de sa scène finale d'anthologie qui tranchaient avec la production hollywoodienne classique.

À sa sortie, ce film a suscité une polémique aux États-Unis, notamment parce qu'il mettait en scène deux héroïnes répondant par les armes à la violence masculine. À l'intersection de plusieurs genres cinématographiques, il est aujourd'hui considéré comme un classique, a influencé d'autres films et œuvres artistiques, et est devenu un film culte du féminisme.

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Christopher McCandless a réellement vécu. Son histoire a même inspiré le livre Voyage au bout de la solitude écrit par le journaliste américain Jon Krakauer, et sur lequel Sean Penn s'est basé pour réaliser Into The Wild. Dans le livre, Krakauer décrit la personalité complexe du jeune aventurier, à la fois sociable et solitaire. Après avoir obtenu son diplôme universitaire en 1990, Christopher McCandless quitte sa famille et sa région pour une gigantesque aventure solitaire. McCandless sillone les régions les plus sauvages de l'Amérique mais son périple s'achève de manière dramatique. Christopher McCandless meurt de malnutrition en Alaska. Son corps est retrouvé le 6 septembre 1992.

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Mettant en scène le périple d'une famille en route vers la Californie pour participer à un concours de beauté, Little Miss Sunshine de Jonathan Dayton et Valerie Faris illustre le concept de film de vacances comme le précise Albert Berger : "C'est le film des vacances en famille revisité, mais d'une manière plus fraîche, plus sombre, mais aussi avec beaucoup plus de franchise sur la façon dont les membres d'une famille dialoguent entre eux et s'aiment."

A l'origine réalisateurs de vidéoclips, Jonathan Dayton et Valerie Faris se sont penchés avec attention sur la bande originale de Little Miss Sunshine. Ils ont ainsi fait appel à Mychael Danna, le compositeur de Tideland ou encore de Truman Capote, ainsi qu'au groupe DeVotchka. Ces derniers ont ainsi composé une musique se plaçant dans la tradition américaine, afin d'illustrer au mieux ce road-movie à travers le continent, s'inspirant à la fois de rythmes folks et de mélodies du monde entier.

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L'un des enjeux pour ce film a été l'innovation d'un grand nombre de véhicules avec un design totalement inédit dans l'univers de la franchise. Que ce soit les "voitures-perches", le "Giga Horse" d'Immortan Joe ou le "War Rig" de Furiosa, le personnage interprété par Charlize Theron. Et bien sûr, afin de rendre encore une fois un hommage appuyé à la saga d'origine, la légendaire Interceptor effectue un caméo au tout début de ce quatrième volet.

Selon le scénariste Nick Lathouris, la fascination du metteur en scène George Miller pour la culture automobile provient de ses origines australiennes où cette dernière est particulièrement implantée, mais aussi de son expérience comme jeune médecin : ″George a soigné des jeunes ayant été victimes d’horribles accidents de la route, et plutôt que de prendre tout ça au sérieux, les gens ont tendance à s’en vanter et à en parler surtout si la victime a été grièvement blessée ou est morte. En tant que médecin, il avait le sentiment d’avoir seulement éraflé la surface d’un problème bien plus important et cette histoire était un moyen pour lui de l’aborder en profondeur″.

Cette quatrième aventure de Max Rockatansky a nécessité une organisation logistique particulièrement intense puisque le département artistique a dû créer pas moins de 150 véhicules pour les nombreuses scènes de courses poursuites. Le tournage dans le désert de Namibie était également très impressionnant puisque pour les séquences les plus complexes, il y avait jusqu'à 1700 techniciens sur le plateau dont 1000 d'entre eux étaient présents en permanence : "C'était une véritable ruche, et on ne s'installait jamais à un endroit pour longtemps (...). Nous avons dû déplacer notre QG – d'une superficie équivalente à trois terrains de football – six fois en quatre mois".

+ Mad Max 2 - Le Défi

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Hiistoire d'une troupe de drag-queens traversant l'Australie, de Sydney à Alice Springs, dans un bus baptisé « Priscilla ».

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Road movie d'un papy en tondeuse à gazon. Histoire vraie comme le titre français l'indique...

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Green Book : Sur les routes du sud emprunte son titre à un guide de voyage intitulé The Negro Motorist Green-Book. Publié chaque année entre 1936 et 1966, il recensait les commerces et autres établissements qui acceptaient la clientèle noire. L'ouvrage était surnommé le "livre de Green", du nom de son auteur, Victor Hugo Green, un postier afro-américain de New York. Ne couvrant à l'origine que la région de New York, le livre s'est étendu à la majeure partie de l’Amérique du Nord, aux Caraïbes et aux Bermudes. Vendu dans des stations essence et par correspondance, le livre permettait aux voyageurs noirs de planifier leur trajet pour éviter tout harcèlement, toute arrestation et toute violence. L'abolition des lois ségrégationnistes Jim Crow en 1964 a rendu obsolète le "livre de Green", dont la publication s'arrêta en 1966. Son auteur, décédé en 1960, n'a pas connu la fin de la ségrégation.

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Pendant le tournage de la scène où la voiture de la famille Joad descend l'autoroute, le réalisateur John Ford souhaitait ajouter un plan montrant le grand nombre de roulottes prenant la direction de l'Ouest. Le responsable financier du film arrêta de vraies voitures pour mettre en scène le périple et paya cinq dollars les conducteurs qui acceptèrent d'escorter la carriole de la famille Joad devant les caméras.

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C'est le chef opérateur Conrad L. Hall qui a eu l'idée de filmer de loin les poursuivants des deux hors-la-loi, et de les "anonymiser" en les enfermant dans une brume et une poussière perpétuelle. Ceci dans l'idée de les rendre plus menaçants, et moins attachants que les héros, présentés sous un jour plus sympathiques.

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Selon Sam Mendes, il est possible de décrire Away We Go comme le négatif des Noces rebelles, son précédent film, où il était également question d'un couple qui attendait un enfant. Sauf que c'était pour eux le début de la fin... Ca n'est d'ailleurs pas un hasard si les deux films se sont enchaînés si rapidement : "C'était un bon moyen de relâcher la pression après l'intensité du tournage et du montage des Noces rebelles ! On y retrouvait une idée similaire, celle d'un couple qui veut s'échapper et se trouver lui-même - sauf que cette fois, il réussit !"

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Le film de John Landis détient le record mondial des carambolages de voitures. Il est question de 13 Bluesmobiles et de 30 à 60 voitures de police détruites durant le tournage.

L'une des scènes les plus impressionnantes du film est la chute magistrale d'une Ford Pinto d'un hélicoptère sur une place de Chicago entourée de gratte-ciel et de lignes à haute tension. A l'époque, l'infographie n'était pas encore très usitée, cette cascade a donc été réalisée sans trucages et en temps réel. Une fois l'autorisation de la Federal Aviation Administration obtenue, l'équipe spéciale a effectué des tests de chute afin de s'assurer que la voiture ne dériverait pas de sa ligne d'impact. A cet effet, le moteur de la Pinto fut même déplacé pour que la voiture tombe de façon bien horizontale.

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La Volkswagen Beetle orange à bord de laquelle Steve McQueen et Ali McGraw s'enfuient après avoir commis un hold-up est conduite par James Garner. Ce dernier était en fait venu rendre visite à un ami sur le tournage et fut aussitôt mis à contribution.

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O' Brother se présente comme la libre adaptation de «L'Odyssée» de Homère dans le Deep South des années 30.
Joel Coen ironise : «Ce projet est né il y environ 3000 ans, depuis qu'Homère a commencé à en parler ici et là.» avant de reconnaître qu'«il s'agit d'un sujet très américain, comme tous nos sujets. Il est inséré dans une époque e une région précises. Mais, en même temps, il se fonde sur une histoire universelle, connue de tous.»

Certains personnages que rencontrent les trois héros de O'Brother ont réellement existé. Ainsi, George «Babyface» Nelson, incarné par Michael Badalucco, était-il un gangster extrêmement dangereux des années 30. Mais le personnage décrit dans le film n'a que peu de points communs avec son modèle. Comme le confesse Michael Badalucco, «ce qu'il devient dans l'esprit des frères Coen est très différent de ce qu'on a pu voir dans le vieux films policiers.»
Tommy Johnson, le personnage qu'interprète Chris Thomas King, était l'un des bluesmen les plus célèbres de l'époque. Le comédien réunissait les qualités d'acteur, de musicien et de chanteur indispensables pour rendre son personnage crédible.
Chris Thomas King, qui dut apprendre la technique de jeu des musiciens de l'époque, s'estime chanceux d'avoir décroché le rôle et avoue qu'«il y a dû avoir une intervention divine ou quelque chose comme ça ! Il fallait qu'ils aient drôlement confiance en moi pour me donner le rôle.»

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"C'est la première fois qu'un film israëlien est tourné en Jordanie avec la coopération de la Commission royale du cinéma...", explique le réalisateur israëlien politiquement engagé Amos Gitaï. "Je pense que le tournage de ce film est un bon exemple de la façon dont on peut franchir des frontières politiques".

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Au moment d'une course poursuite, deux voitures dévalent une colline face caméra et s'approchent progressivement au premier plan. Un mouvement de caméra brusque au moment où la première voiture arrive au premier plan à vive allure trahit la peur du cadreur à ce moment-là (le véhicule esquive la caméra au dernier moment).

Le film fut tourné sur les lieux authentiques des méfaits du gang Barrow.

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Le film a été tourné en grande majorité dans le désert du Rajasthan, au nord-ouest du sous-continent indien, région riche en palais. Le Darjeeling Limited se déplaçait sur des rails reliant la cité de Jodhpur à celle de Jaisalmer, en passant dans le désert de Thar qui se trouve le long de la frontière pakistanaise. L'orphelinat et couvent de Patricia a été créé dans la verte et luxuriante ville d'Udaipur, dans un ancien pavillon de chasse royal qui appartenait autrefois au Maharana de Mewar, un des souverains de l'ère Rajput.

Wes Anderson a tenu absolument à ce que les scènes du train soient filmées dans un véritable train, excluant un tournage en studio. Une décision qui sonnait comme un véritable défi pour toute l'équipe et plus particulièrement pour le chef décorateur : "J'avais déjà travaillé en Inde pour le tournage de Un nom pour un autre de Mira Nair, raconte Mark Friedberg. Nous avions filmé une journée dans un train et je savais que le tournage de A bord du Darjeeling Limited n'allait pas être des plus faciles ! Malgré toutes les difficultés logistiques inhérentes à un tel exercice, Wes n'a jamais changé d'avis. Nous sommes donc allés dans une région de l'Inde gérée par la Northwestern Railways et nous leur avons annoncé que nous avions besoin de dix wagons et d'une locomotive que nous allions entièrement redécorer et faire rouler sur leur réseau ferré. C'était la première fois qu'on leur demandait une telle chose. Les démarches ont été longues et fastidieuses, mais nous avons fini par obtenir ce que nous voulions."

Le chef décorateur Mark Friedberg évoque le train dans lequel se déroule la première partie du film : "Au final, notre train allie le style de ceux que l'on peut voir en Inde, le luxe d'un train de grande ligne comme l'Orient Express et la modernité des trains de passagers européens. Nous nous sommes aussi inspirés du 20th Century Limited, le célèbre express américain qui a relié New York à Chicago de 1902 à 1967. La décoration du train mélange des motifs du Rajasthan, les couleurs de l'Indian Railways et le style Art Déco ; tout a été fait à la main dans la plus pure tradition indienne."

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Trajet en voiture du roi de Belgique Léopold depuis Paris jusqu'à Monte-Carlo en 2h!
Probablement le premier Road Movie du cinéma!

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Le film fut tourné entre la France et le Maroc, "sur les traces de Lawrence d'Arabie" comme le disait Henri Verneuil, plus particulièrement à Marrakech et dans l'oasis de Ouarzazate. Pour éviter de multiplier des allers-retours longs et coûteux des camions entre la France et le Maroc, la production disposait des mêmes 30 tonnes des deux côtés de la Méditerranée. Une logistique lourde mais indispensable à la réalisation d'un western à la française.

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Deux hippies, épris de liberté, roulent en moto sur les routes de l'Amérique profonde.

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Deux journalistes indiens, un chauffeur Afghan, une journaliste américaine sont pris en otages par un taliban pakistanais qui cherchent à regagner son pays. Ils font route à travers l'Afghanistan et apprennent à se connaître.

Il s’agit de la première fiction à avoir été tournée en Afghanistan après la chute du régime des talibans.

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Un réalisateur et son fils parcourent l'Iran du nord, dans leur petite voiture jaune, après le tremblement de terre qui a eu lieu en 1990. Il part à la recherche de l'acteur qui avait joué dans son film Où est la maison de mon ami? (1987).
En cours de route, il dialogue avec les sinistrés.
Le film se situe à la lisière du documentaire et de la fiction.

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John Hillcoat a écrit plusieurs pages pour présenter sa vision des choses à l'ensemble de l'équipe. Il y a notamment écrit : "Le film fonctionnera sur plusieurs niveaux, il pourra être lu comme le voyage métaphorique d'une âme, une fable, un conte de fées pour adulte sur la transmission des valeurs d'une génération à une autre, une histoire sur le caractère inéluctable de la mort et sur la plus grande peur des parents : la culpabilité et la douleur de laisser un enfant derrière eux (et par extension la peur que ressent n'importe qui à l'idée de se retrouver seul et abandonné). Ce sera aussi un avertissement, un conte moral sur la nécessité de faire prévaloir sur toute chose la bonté, la confiance, l'espoir et la foi face à l'horreur et la destruction imminente. Sur un autre niveau, le film pourra être vu comme une aventure épique, sombre, terriblement réaliste et viscéralement pleine de peur et de tendresse. Nous sommes tous les témoins d'une nouvelle époque de violents conflits mondiaux, et nous sommes tous hantés par le spectre d'une catastrophe environnementale à l'échelle globale qui entraînerait la fin de notre monde. La Route résonne donc dans notre psyché collective avec la force d'un cauchemar universel."

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Road movie à la frontière entre le documentaire et la fiction, dans le nord de l'Iran

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La deuxième partie du film est un road movie.

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Carnets de Voyage s'inspire des notes de voyage écrites par Ernesto Che Guevara lors de son périple et du livre de son coéquipier Alberto Granado Con el Che por America Latina.

Walter Salles connaissait bien les livres de souvenirs d'Ernesto Che Guevara : "Ce livre a eu un impact sur moi parce qu'il n'est pas seulement un voyage initiatique mais aussi la recherche de ce que j'appellerais une identité latino-américaine. J'ai retrouvé au fil de mon périple l'essentiel de ce que j'avais ressenti en lisant les témoignages d'Ernesto et Alberto. Ces livres sont modernes et contemporains, signe que les réalités sociales et politiques de la culture latino-américaine ont peu changé en cinquante ans".