Top films 1956

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C'est d'ailleurs un élément parmi d'autres, dans tout le travail de contextualisation sonore conduit avec beaucoup d'application pour retranscrire un environnement particulier (Bresson l'annonce en introduction : "Cette histoire est véritable. Je la donne comme elle est, sans ornements"). Tout le film tournera autour de la position de son protagoniste, son point de vue, et tout son travail de préparation pour une hypothétique (ou pas) évasion. Démonter la porte de sa cellule, confectionner un objet tranchant à partir d'une cuillère, fabriquer une corde suffisamment résistante et plusieurs crochets, repérer les lieux, collecter des informations auprès d'autres prisonniers... L'austérité de la mise en scène trouve un écho dans la rigueur avec laquelle sont décrits tous les petits gestes du prisonnier (et un contraste étonnant dans l'utilisation de la musique classique). Des préparatifs étonnamment accessibles pour un film de Bresson, sentiment étrange. Mais la dimension morale et spirituelle (cette dernière m'étant peu accessible, même si elle a trait au libre-arbitre à quelques moments, "ce serait commode si Dieu pouvait agir sur tout") de cette évasion ne tardera pas à se faire sentir : l'évidence se fait progressivement quant à la force de volonté de Fontaine, l'espoir qu'il nourrit (la composante religieuse est représentée à travers deux prisonniers), l'instinct de survie qu'il alimente. Un mélange de détermination et de persévérance à l'origine d'une étrange ascèse, une philosophie de vie qui se faufile jusqu'à la séquence finale, conclusion de l'évasion, très belle victoire.

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Dans cette zone de flottement, après avoir pris le soin de dépeindre la routine du quotidien et l'absence de débouchés, "Printemps précoce" prend son envol avec l'élan libertaire initié par le comportement de Chiyo. Un personnage étonnant dans la filmographie du réalisateur, très extravertie, sanguine et libre-penseuse. Elle nous gratifie d'ailleurs d'une des très rares scènes de baiser amoureux chez Ozu — à vrai dire je ne suis pas sûr qu'il en existe une autre — produisant un dérèglement majeur, le mensonge et le compromis de trop que l'épouse ne peut tolérer et ce malgré les appels de la voisine à relativiser sur le thème "le mien aussi il a déconné, ça arrive, je lui ai remonté les bretelles et on s'en est remis depuis". L'occasion pour la femme de confesser, un peu tristement, "après tout, ce monde est fait pour les hommes". Sur une thématique proche de celle développée dans "Le Goût du riz au thé vert" (davantage tourné vers le délitement du couple), Ozu capte le vacillement, le doute qui s'installe chez un homme perdu dans la monotonie se réveillant soudain entre deux femmes, l'épouse incrédule et l'amante passionnée.

Tout dans "Printemps précoce" converge vers ce moment final, retrouvailles chargées en émotions dont le contenu conserve une bonne part d'ambivalence. Magnifiques dernières minutes minimalistes, les deux se retrouvant dans une petite ville perdue loin de tout suite à la mutation du mari, échangeant quelques mots, sans se toucher, qui nous laissent sur un sentiment d'incertitude à la fois amer et radieux.

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Ce biopic insiste pas mal sur la vie tumultueuse du boxeur, sur ses séjours répétés en maison de correction, sur son passage dans l'armée américaine (dont il désertera), et sur sa vie sentimentale qui se nouera dans une incompatibilité avec la boxe — boxe qui l'a pourtant sorti de la rue et de ses magouilles. Toute la première partie est consacrée au social, à ses mauvaises fréquentations à New York, avec un petit côté lourdingue par moments, qui insiste beaucoup sur le déterminisme social. Tout cela concourt à construire une trajectoire dont l'apogée se situe à la fin dans le combat contre Tony Zale, qui fut une boucherie légendaire (les deux étant en sang à la fin du dernier round).

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Le récit n'est sans doute pas à la hauteur de celui de l'autre film célèbre de Grigori Tchoukhraï, le magnifique "La Ballade du soldat" : si la naïveté de l'ensemble peut être accepté dans le cadre d'un mélodrame romantique, il y a tout de même quelques segments manquants dans la continuité psychologique qui font naître quelque chose d'étrange dans l'évolution des rapports entre les deux ennemis, avec quelques facilités d'écriture (comme le coup de fusil final) qui ne sont plus aussi facilement acceptable que dans l'écrin du muet. Mais bon sang, ne serait-ce que pour cette vision du paradis perdu dans la dernière partie du film, dans cette enveloppe graphique irréelle, "Le Quarante et unième" version 1956 est un coup d'éclat.

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La forme très épurée de ce conte lui permet d'accéder à une forme d'universalité tout en conservant nombre de particularités idiosyncratiques, parmi lesquels je citerais en premier lieu la présence marquante des trains, de leurs allers-retours, et du symbole de changement de vie qu'ils contiennent. Quelques effets simples sont d'une beauté insoupçonnée, comme l'ellipse transformant Apu enfant en un adolescent simplement en se concentrant sur une lampe, un soir de lecture. La relation mère-fils étonne aussi, avec toute la délicatesse diffusée pour aborder cette relation d'amour mais aussi toute la dureté du dernier mouvement partagé entre émancipation et égoïsme. Ray se garde bien de juger son personnage principal, malgré toute l'émotion qui peut jaillir autour de celui de la mère, dont l'affliction est rendue tout à fait intelligible sans recourir au pathos. Et il propose deux séquences d'un éclat noir sidérant, deux symboles funèbres dont l'effet est saisissant, un dernier souffle marqué par la soudaine envolée d'oiseaux et l'image d'une disparition s'effaçant dans la nuit éclairée de lucioles.

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D'un côté, le film reste intéressant en tant que précurseurs de films notables à venir comme "Les Sentiers de la gloire" (1957) de Kubrick voire même "Croix de fer" (1977) de Peckinpah. Mais il existe pas mal de films qui concourent dans la même catégorie et qui s'en sortent beaucoup mieux à mes yeux, comme par exemple "Côte 465" (1957) de Anthony Mann, aussi minimaliste et "théorique" sur le même thème mais beaucoup moins bourrin. On sent bien qu'Aldrich a souhaité sacrifier la subtilité sur l'autel de l'efficacité, mais il a perdu beaucoup au change. Peut-être est-ce dû à l'aspect adaptation d'une pièce, mais les quelques longs tunnels explicatifs qui jalonnent les séquences "posées" du film témoignent une vraie faiblesse de mise en scène, ne donnant pas à l'injustice (et l'horreur) de la guerre toute son ampleur. La trahison, le courage, le non-renoncement : c'est très lourd.