Motion capture

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Un certain nombre d’effets spéciaux innovants ont été utilisés sur le tournage d’Avatar. D’après Cameron, le film était reporté depuis les années 1990 dans l’attente d'un avancement de la technologie suffisant pour dépeindre fidèlement sa vision de Pandora et de ses habitants. Le réalisateur avait prévu d’utiliser des personnages de synthèse photoréalistes, créés avec les nouvelles techniques d’animation de capture de mouvement développées dans les 14 mois précédant décembre 2006.

Les innovations incluent un nouveau système pour éclairer de grandes zones telle que la jungle de Pandora, « The Volume », une pièce dédiée à la capture de mouvement six fois plus grande que n’importe quelle autre pièce jamais utilisée, et une méthode améliorée pour la capture des expressions faciales des acteurs, permettant non plus une simple capture de mouvement, mais une « capture de performance ». Pour cela, les acteurs portent une sorte de cagoule sur laquelle est fixée une petite caméra filmant de près et en détail chaque mouvement de leur visage et de leurs yeux. D’après Cameron, cette méthode permet au réalisateur de transférer 100 % des performances physiques des acteurs à leurs équivalents numériques. De plus, durant la capture de mouvement, de nombreuses caméras permettent d’enregistrer de multiples angles de vue de chaque performance. Un certain nombre de scènes ont été particulièrement difficiles à réaliser. Richard Baneham, un des superviseurs de l’animation, cite la séquence où Jake sous forme humaine est porté par Neytiri.

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La performance capture a débuté en septembre 2017 et a duré environ 18 mois. James Cameron a travaillé avec les acteurs sur les scènes des quatre suites. Il confie : "C'était pour eux un processus très simple. Ils n’étaient pas distraits par quoi que ce soit. Il nous arrivait d’enregistrer pendant 10 à 12 minutes d'affilée. C'était un terrain de jeu créatif qui me permettait d’être beaucoup plus à l'écoute des acteurs."

James Cameron a d’abord sélectionné avec l’équipe de monteurs les meilleures performances pour chaque scène, puis a utilisé une caméra virtuelle pour créer des plans spécifiques. Celle-ci a permis au réalisateur de tourner des séquences dans un monde généré par ordinateur, comme s'il tournait dans un lieu réel. À travers cette caméra, il ne voyait pas Zoe Saldaña ou Sam Worthington, mais leurs personnages bleus.

Une fois les prises de vue de la caméra virtuelle montées en séquences, les plans et les performances captures ont été livrés aux experts en effets visuels de Wētā FX (la société de Peter Jackson qui avait déjà aidé Cameron sur le premier film). Sous la direction du superviseur des effets visuels Joe Letteri, les artisans de Wētā FX ont veillé à préserver toutes les nuances apportées à chaque performance.

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Pour Stephen Sommers : « Je souhaitais une Momie créée sur ordinateur. Les maquillages prosthétiques, employés à bon escient, ne sont pas sans mérite, mais on ne peut y recourir en toutes circonstances. Pour répondre aux attentes du public contemporain, notre Momie nécessitait des techniques de pointe, et c'est pourquoi j'ai tout de suite opté pour l'ordinateur. » John Berton : « Il a fallu d'abord définir l'apparence physique de la Momie. Nous ne pouvions pas nous contenter d'emmailloter un acteur comme on le faisait dans les années trente ; nous devions inventer un personnage monstrueux, implacable, terrifiant… et original.
Nous avons planché sur la question pendant près de trois mois pour définir avec un maximum de précision le « look » de la Momie dont découlerait les effets spéciaux. L'un des principaux problèmes consistait à élaborer des déplacements réalistes, aussi proches que possible de la démarche humaine. Nous avons donc filmé Arnold Vosloo en mouvement et pris toute une série de vues pour analyser sa démarche en détail et la recréer dans un espace tridimensionnel.
Dans un premier temps, la Momie est totalement synthétique. Mais à mesure qu'elle se régénère, elle revêt une apparence de plus en plus humaine et proche d'Arnold. A ce stade, nous avons utilisé le visage de l'acteur filmé en prises de vues réelles et combiné à des maquillages prosthétiques numériques.
Arnold confère à la Momie une présence inquiétante. Chaque fois qu'apparaît à l'écran l'image, même partielle, d'Imhotep, c'est bel et bien d'Arnold qu'il s'agit. Lorsque la créature tourne la tête et révèle un visage incomplet auquel manque toute la mâchoire, c'est encore le visage d'Arnold, associé à un trucage infographique. Et ce genre d'effet ne s'obtient pas aisément ! »

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Le Pôle Express est l'adaptation en film d'animation du célèbre conte de Noël éponyme écrit et illustré par l'Américain Chris Van Allsburg (paru en 1985 et édité en France par l'École des Loisirs, sous le titre Boréal-Express). C'est la seconde fois que l'un de ses ouvrages est adapté sur grand écran après Jumanji, en 1995

Pour restituer l'ampleur des paysages imaginés par Chris Van Allsburg (avec leur texture très lumineuse) ainsi que la beauté et la richesse de ses illustrations, ni l'animation traditionnelle, ni des prises de vues réelles n'étaient suffisantes. Robert Zemeckis et le superviseur des effets spéciaux Ken Ralston, qui avaient déjà collaborés ensemble sur Retour vers le futur, décidèrent ainsi de recourir à la technique de la "Performance Capture". Avancée décisive dans la technologie du "motion capture", ce procédé permet de recréer à la perfection les expressions et les gestes des comédiens en infographie. Ainsi, les postures de Tom Hanks, le moindre de ses rictus sont reproduits à l'identiques à l'écran.

Pour Robert Zemeckis, familier de ces innovations spectaculaires qu'il a toujours mises au service de l'histoire (Qui veut la peau de Roger Rabbit ?, Forrest Gump), "la "Performance Capture", – c'est le nom que nous lui donnâmes – était LE procédé idéal pour réaliser Le Pôle Express. En fait, sans lui, je pense que j'aurais renoncé à faire le film."

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Sous la peau numérique du Gollum du Seigneur des anneaux se trouvait Andy Serkis. Contacté à nouveau par Peter Jackson pour incarner le roi Kong lui-même, le comédien prête aussi ses traits au cuisinier bourru du S.S. Venture : Lumpy.
Afin s'imprégner de la personnalité et des mouvements des véritables gorilles, Andy Serkis est allé observer les animaux dans leur environnement naturel au Rwanda. En revenant, il insista pour conserver l'aspect végétarien de ses animaux. En effet, bien qu'ils restent des bêtes sauvages capables de tuer, les gorilles sont végétariens et ne mangent pas d'humains.

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Pour réaliser La Légende de Beowulf, Robert Zemeckis a choisi d'utiliser la technologie du performance capture qui permet de recréer à la perfection les expressions et les gestes des comédiens en infographie. Ce n'est pas la première fois qu'il a recourt à ce procédé puisque son précédent film Le Pôle Express avec Tom Hanks l'utilisait également. Mais contrairement à ce dernier, La Légende de Beowulf bénéficie d'une nouvelle technologie "OEG" (pour electro oculography) qui permet de retranscrire avec fidélité les expressions des yeux des acteurs afin de donner plus de vie à leur double numérique.

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Entièrement en images de synthèses, le personnage du Dr. Manhattan a logiquement représenté l'un des plus gros défis du film. Sa création s'est donc faite en deux étapes : le comédien Billy Crudup a d'abord joué ses scènes recouvert de capteurs, puis ces derniers ont servi aux infographistes pour créer le personnage, tout en conservant les expressions de l'acteur. Un procédé appelé performance capture.

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Film de Spielberg réalisé en performance capture.

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« Andy est l’un des acteurs les plus talentueux que je connaisse. Je n’ai jamais vu autant d’émotions passer par le regard. Personne n’est aussi doué que lui pour ça. C’est exceptionnel. » (Woody Harrelson)

« La « performance capture » ne consiste pas à gesticuler ou faire la pantomime. Plus on est immobile, plus elle s’exprime avec puissance. Il ne faut pas avoir peur des gros plans ni d’intérioriser. Il ne faut pas chercher à démontrer qu’on est un singe. Entre acteurs, on se regarde au fond des yeux et on sait si c’est sincère ou non. Et c’est tout ce qui compte. » (Andy Serkis)

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Dans la précédente trilogie, le réalisateur Peter Jackson avait utilisé un procédé de "perspective forcée" afin de donner l'illusion que certains personnages étaient plus grands que d'autres. Néanmoins, pour Le Hobbit, la 3D rend désormais ce dispositif désuet. La production s'est donc largement servie de doublures, mais aussi du "Slave Motion Control". Ce procédé consiste à construire deux décors où se déroule l'action : le premier dimensionné pour les acteurs principaux, et le second créé sur fond vert pour les personnages plus petits ou plus grands apparaissant dans la même scène. Les comédiens peuvent ainsi jouer la séquence dans les deux décors simultanément, tandis que les caméras filment chaque décor de manière parfaitement synchronisée.

Si Andy Serkis a dû réenfiler la combinaison inhérente à la performance capture, pour faire revivre Gollum, l'acteur a également expérimenté l'autre côté de la technique, en tant que réalisateur de la seconde équipe.

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Judy Greer et Toby Kebbell durent apprendre, avant de pouvoir incarner leur personnage simiesque, à se déplacer et à se comporter physiquement comme des chimpanzés, de façon à rendre leur alter-ego numérique ultra réaliste à l'écran. Ils furent personnellement coachés pendant plusieurs semaines et utilisèrent notamment des béquilles, pour simuler la longueur de leurs bras dont ils devaient se servir différemment, surtout pour marcher. Greer considérait qu'elle devait se mouvoir instinctivement, et ne pas trop réfléchir à son jeu d'actrice pour entrer au mieux dans la peau du personnage, encore plus intuitif que réfléchi.

Très peu de films affichant Andy Serkis sous sa véritable apparence ont été recensés. Comme pour éviter qu'on le reconnaisse, le comédien aux mille visages a privilégié les rôles demandant une "performance capture". Gollum dans Le Seigneur des anneaux, Capitaine Haddock dans Les Aventures de Tintin: Le secret de la licorne, ou encore King Kong, dans la version de Peter Jackson, c'était lui ! Et ce nouvel épisode de La Planète des Singes ne déroge pas à la règle.

Les "singes" étant incarnés par de véritables acteurs grâce à la technologie de capture de mouvement, un dispositif important a été mis en place pour suivre les déplacements des comédiens. 35 personnes étaient affectées dans chaque équipe, une cinquantaine de caméras mo-cap et huit caméras témoins tournaient constamment pour filmer tout ce qui touchait aux personnages-singes. Pour Joe Letteri, superviseur senior des effets visuels, "cette technologie de pointe ne doit jamais primer sur l’histoire et le jeu des acteurs, mais au contraire se mettre à leur service. Pouvoir filmer la performance capture sur site et travailler avec tous les autres acteurs permet d’obtenir une interprétation plus cohérente."

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Pour faire en sorte que la Bête soit crédible, l’équipe a eu recours à la performance capture ainsi qu’à la technologie de capture d’expressions faciales MOVA. Les scènes réalisées en performance capture ont été tournées dans les décors réels (obligeant Dan Stevens à porter des échasses et une fausse musculature sous une combinaison grise). Pour le tournage des séquences avec la Bête et son personnel animé, Stevens a porté une combinaison fractale grise dotée de marqueurs spéciaux pour effets visuels.

Outre la performance capture, Stevens a pris part à des sessions de capture d’expressions faciales tournées dans un studio à part. Le visage de l’acteur était recouvert de maquillage fluorescent qui apparaissait bleu sous la lumière ultraviolette puis était filmé sous tous les angles par de multiples caméras. Le matériel et le logiciel personnalisés de la technologie MOVA se sont ensuite chargés de convertir sa performance d’acteur en données.

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Le film n'utilise pas la motion capture, mais je le mets dans cette liste car il fait appel à l'infographie tout en partant du jeu des acteurs.

La Passion Van Gogh a d’abord été tourné comme un film en prises de vue réelles avec des acteurs en chair et en os, puis chaque plan a été peint à l’huile. Le résultat final est un mélange entre le jeu des comédiens et le travail des peintres-animateurs. Le film est interprété par de célèbres acteurs qui ont joué dans des décors spécialement construits pour évoquer des toiles du peintre ou sur des fonds verts. Dans ce dernier cas, des tableaux de Van Gogh y ont ensuite été incrustés par compositing, puis animés en infographie. Le tournage en prises de vues réelles s’est déroulé aux Three Mills Studios de Londres et au studio CETA de Wroclaw. Les images ainsi tournées ont ensuite servi de base de travail aux peintres animateurs.

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Kong a été créé par ordinateur mais joué par un vrai acteur, Terry Notary, via la performance-capture, la même technique utilisée dans Le Seigneur des anneaux pour Gollum et la nouvelle saga La planète des singes, le tout popularisé par Andy Serkis. Terry Notary est très familier de cet outil, il a notamment déjà incarné un singe, le dénommé Rocket, dans les trois volets de La planète des singes, aux côtés d'Andy Serkis d'ailleurs. Le même Serkis a, du reste, incarné King Kong en 2005 dans le film de Peter Jackson.

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Ce film mêle prise de vues réelle et capture de mouvement.

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L’approche dans la création des singes est la même que sur la trilogie avec Andy Serkis, comme l'explique Wes Ball : "Nous utilisons de vrais acteurs pour la motion capture de tous les personnages. Et nous tournons entièrement dans des décors naturels. C’est vraiment compliqué de rendre réaliste ce monde construit avec tous ces effets visuels. Je savais que ce film allait être un vrai défi mais je ne me doutais pas à quel point !"