Top 10 - 1959

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Film-kaléidoscope conçu pour orienter et désorienter, film-métaphore où l’action devient épreuve de l’amour et le suspense l’incertitude de son accomplissement, film de récapitulation pour un auteur au zénith : la perte de l’identité, la culpabilité déterminant l’aventure comme traversée de l’énigme, le désir du jeu déporté vers la découverte d’une femme – Eve, la femme. Excitation, trouble, vertige complice atteignent des hauteurs folles, l’art du plaisir fuse et flamboie, le cinéma demeure.

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La lucidité dialectique avec laquelle Resnais analyse la fonction psychique et englobe tous les aspects contradictoires de la réalité provoque ici comme un séisme de la conscience. De la peau viennent le plaisir et la douleur, de l’amour naît la plus grande joie et la plus vive souffrance, de l’hypnose émerge la vérité de l’âme. Celle d’une innocente qui accomplit un voyage intérieur pour accorder son drame personnel à l’Histoire, et le placer non plus en dehors mais à l’intérieur du monde.

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Cela fera bientôt soixante ans que l’on renifle et que l’on essuie nos yeux rougis face à l’ultime long-métrage du maître : pas une décennie où il ne se soit trouvé en décalage avec le public. Par sa prodigieuse aptitude à "en rajouter" de la façon la plus naturelle, à forcer le trait jusqu’à dédoubler les sentiments exprimés à l’écran et la connaissance des moyens requis, cet ouragan de couleurs, de passions et de tourments fait naître l’épure de la stylisation et la clarté du foisonnement.

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Hawks est cristallin : c’est ce qui rend aveugles ceux qui ne veulent lire qu’entre les images. Il ne s’inscrit jamais en révolutionnaire et préfère renouveler le genre en le consacrant. Temps de la lutte (Dude), du heurt avec le réel (Colorado), de l’affirmation de soi (Stumpy), de la fixation (Feathers)… Chacun se définit par rapport à Chance, pour qui le présent est le temps de l’action. Telle est la morale de cette œuvre sans âge, dont la ligne claire dessine comme une enfance du grand art.

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Où gags absurdes, boulimie burlesque, saillies subversives, principes d’inversion virent au feu de joie ravageur. Où la vamp s’avère victime de ses illusions, où le milliardaire séducteur est un débauché frappé d’infantilisme, où les gangsters jouent aux petits bourgeois. Le délire prolifère, les dialogues enchérissent sur l’amour libre et l’homosexualité, le sexe et l’argent, l’être et le paraître. Il va falloir se lever tôt pour entamer sa réputation de plus grande comédie de tous les temps.

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Le petit garçon bengali est devenu un homme. Sa vision du monde a évolué avec son expérience et ses drames personnels : on peut appeler cela la maturité. La douceur de son épouse, qui a modifié son point de vue sur le mariage forcé, la communication panthéiste avec le monde, l’apprivoisement de son tout jeune fils, la traversée de la joie et de la souffrance, chaque étape de son initiation brillent d’une lumière intérieure établissant un contact direct avec l’expérience de tout un chacun.

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Si un film devait enfourcher l’éternel cheval de bataille de la technique contre la sensibilité, le célébrissime premier long-métrage de Truffaut serait un excellent candidat. Car il est d’abord une course à la mer, un retour à la fraîcheur première, aux sources oubliées, à la lumière de l’aube et de l’enfance. Entre gouaille buissonnière et cœur d’amour incompris, c’est l’œuvre de la jeunesse désirée, où détresse et solitude ne trouvent d’échappatoire que dans l’ambition de tout réinventer.

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C’est la crise dans la famille de Minoru et Isamu, qui entament une grève du silence pour protester contre le manque de téléviseur chez eux. Ozu rejoue sur un mode savoureusement cocasse le conflit des générations, éclaire l’opposition entre tradition japonaise et vie à l’américaine, actionne tous les rites vitaux constitués par l’emprunt, l’achat, la consommation et le croisement des cultures. S’il savait broder de grands mélos, il n’était pas non plus un manche en matière de comédies de mœurs.

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Un ancien shérif traque l’assassin de sa femme afin de l’abattre. Mais au fil de son double itinéraire géographique et moral, il mesure la relativité de sa cause, renonce à l’usage de la violence et trouve une sérénité désespérée dans une solitude désormais sans rémission. Faisant de ce récit une épure linéaire, le cinéaste en traite les situations avec une précision de géomètre, comme les péripéties d’une partie de poker où les motivations complexes des joueurs comptent plus que l’enjeu avoué.

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Des répétitions ultimes à la cérémonie de la Macumba, de la frénésie du carnaval au labyrinthe de l’hôpital, Orfée et Eurydice se seront rencontrés, aimés puis perdus. Transposant le célèbre mythe dans le bidonville de Rio, Camus fait ici sentir une sensualité joyeuse, débordante et claire. Avec ses couleurs acidulées, ses marins en permission, ses danseuses en perruques Pompadour, le film délivre une énergie et une générosité sans calcul dont la beauté de Marpessa Dawn est l’idéale incarnation.