Les meilleurs films de guerre selon Aurea

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Un film de guerre dans toute sa monstruosité mais surtout un hymne à la Vie, filmée dans ses moindres détails, cette vie qui pour Malick reste le miracle de la Création dans un monde perverti par la folie des hommes.

Extrait de ma critique

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"Quand passent les cigognes est une histoire d’amour sur fond de deuxième guerre mondiale, une diatribe sur la guerre, un mélodrame psychologique sur les choix d’une femme et les conséquences de sa décision. Le film a souvent été qualifié de mètre étalon, de référence par les historiens du cinéma. Des qualificatifs qui peuvent parfois rebuter un spectateur qui s’attend dès lors à un cinéma inaccessible. On est loin du compte. Plus qu’un exercice de style, c’est une splendide histoire d’amour que nous offre Kalatozov."

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"Cet accent inimitable de vérité, qui marque l'odyssée d'Aliocha, Tchoukraï l'a tiré de ses proches expériences (il a été parachutiste pendant la guerre et a été blessé cinq fois), de même qu'il a utilisé les souvenirs de son co-scénariste Valentin Ejov, qui avait, lui, servi dans la marine.

En juxtaposant tous ces épisodes, émouvants, dramatiques, cocasses, décrits avec une grande minutie, le réalisateur nous offre une fresque vivante et poétique de la Russie quotidienne, en même temps qu'un saisissant condensé des malheurs de la guerre.

Les deux interprètes principaux possèdent toute la jeunesse et la fraîcheur nécessaires à leurs rôles ; Vladimir Ivatchov, choisi parmi plus de 70 candidats pour obtenir le rôle d'Aliocha, étudiait alors l'art dramatique à la V.G.I.K., tandis que Janna Prokhorenko, qui incarne Choura, était élève au Théâtre d'art de Moscou. Leur conviction et leur spontanéité apportent au film une touchante authenticité."

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"Avec le respect dû à ces morts que charrient les images, Nuit et brouillard pulvérise la scélératesse négationniste et vaccine contre toute tentative de revenez-y. Apre et poignant comme une vérité sortie du puits le plus nauséeux de l'histoire, ce chuchotement d'alarme lancé dès 1955 par la coalition sacrée d'Alain Resnais et de Jean Cayrol ne médit pas : il médite."

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Une guerre toujours présente par la mise en scène, les décors, les sons et la narration mais une guerre qu'on ne verra jamais dans sa dure réalité.
La première scène ne laisse d'ailleurs pas de surprendre par son côté presque insouciant et ludique dans un tel cadre : un disque tourne tandis que s'égrène l'air bien connu de Frou-Frou que reprend Gabin de sa voix gouailleuse, regard voilé et sourire vaguement mélancolique.

Extrait de ma critique

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Certes il s'agit d'un film de guerre, mais il est filmé avec l'intensité et la beauté d'un mélodrame, l'histoire d'amour étant d'autant plus forte qu'elle se situe dans un décor en ruines, et si dénonciation du nazisme il y a, elle doit céder le pas à l'histoire d'amour.

Extrait de ma critique

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"L'amour naît et se développe selon une ligne mélodique extrêmement simple qui progresse avec peu de détours jusqu'à l'explosion lyrique des scènes finales. C'est seulement lorsque le héros a décidé de déserter et traverse des champs de bataille, des routes encombrées, que la guerre est vraiment visualisée par le cinéaste. A ses yeux, la tragédie intime vécue par le couple et l'inachèvement terrestre de leur amour constituent le meilleur plaidoyer pacifiste que l'on puisse imaginer contre les horreurs absurdes de la guerre."

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"Jean-Pierre Grumbach, qui prit le nom de Melville en entrant dans la Résistance, raconte que lorsqu’il a projeté le film à Joseph Kessel, celui-ci s’est mis à sangloter en découvrant les phrases qui annoncent le destin tragique des personnages survivants, phrases qui n’étaient pas dans le scénario à l’origine. Et la sécheresse de ces sentences conclut le film sur une note d’émotion inattendue laissant le spectateur bouleversé par le sacrifice de ses hommes et femmes. L’Armée des Ombres, une contribution essentielle au Devoir de Mémoire, et l’un des plus beaux films que nous ait offert le cinéma français."

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Un film dont on ne sort pas indemne : la guerre dans toute son abomination montrée avec un réalisme terrifiant, à tel point que dès les premières images de ce combat sino-japonais j'ai eu l'impression de sentir l'odeur du sang, au milieu des râles et du crissement insidieux de la scie tranchant à vif les chairs broyées, amputant les membres infectés réduits à l'état d'infâme bouillie.

Extrait de ma critique

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"Chef-d'œuvre bouleversant et indispensable pour les uns, représentation outrancière obscène et détestable pour les autres, La Liste de Schindler est un film qui ne laisse personne indifférent. "

En ce qui me concerne, j'appartiens complètement à la catégorie de ceux qui voient en ce film une réussite majeure. Et j'ai beaucoup de mal à saisir cette haine qu'il a pu susciter par ceux qui reprochaient à Steven Spielberg de sacrifier son sujet sur l'autel du grand spectacle hollywoodien le plus antipathique, en faisant de l'holocauste juif un cupide divertissement.

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"Dans le film, on ne voit pas la guerre, mais les conséquences de celle-ci : les séparations, les complots, l'envie de fuir la guerre et la misère, l'amour qui rapproche les êtres en dépit de la folie des Hommes. Bref, le cocktail est détonnant et permet de mettre en images les scènes les plus romantiques et les plus fortes du cinéma."

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"L'intérêt du film repose surtout sur l'aspect psychologique. Milestone, en donnant à chacun de ses personnages un visage, un caractère, des sentiments bien différents, en fait des êtres très réels. Les étudiants côtoient dans cette guerre des hommes venus de tous les milieux professionnels : le mécanicien qui pense à son usine, le paysan qui, pris de nostalgie, quitte la tranchée lorsque les cerisiers fleurissent, le mari qui écrit de longues lettres à son épouse, seule et si loin...

Nous les voyons, nous "sentons" leur présence, car ils sont des hommes comme nous. Nous sommes étreints de tristesse et d'angoisse en réalisant qu'ils sont destinés à s'entretuer, simplement parce que "c'est la guerre".

En fait, il n'existe aucune différence entre les soldats des tranchées adverses : ils ne comprennent pas la nécessité de ce massacre et n'aspirent qu'à la paix."

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Un documentaire ? Non, mais un document bouleversant que nous livre Chuan Lu pour son troisième long métrage.
1937 : l'armée impériale japonaise vient de prendre la capitale provisoire de la République populaire de Chine, et à cet égard les premières scènes nous montrant la lutte désespérée de Liu, officier de l'armée nationaliste, pour endiguer la panique des troupes chinoises abandonnées par leur état-major sont absolument saisissantes : gros plans sur le visage du jeune homme et de l'enfant soldat qui fait partie de son unité.

Extrait de ma critique

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Un héroïsme suggéré et poignant, des portraits d'hommes ordinaires tendus vers un même but, galvanisés par un engagement qui les dépasse, devenus des combattants de l'ombre, héros malgré eux, corps broyés, chair meurtrie, mais âme fière et libre face à leurs bourreaux qui commencent enfin à douter de leur appartenance à la "race des seigneurs": superbe!

Extrait de ma critique

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"Chaque nouvelle vision confirme que cette superproduction guerrière, loin de se complaire dans les clichés d'usage, radiographie scrupuleusement la folie destructrice qui ronge le coeur des hommes. Si le début du film peut laisser craindre une opposition bêtement manichéenne entre le flegme britannique et la sauvagerie japonaise, la suite dément ce pronostic. Il n'y a pas de grande différence entre la psychologie du gradé japonais et celle du colonel Nicholson (génial Alec Guinness)... On trouve dans les deux cas le même délire mégalomane, le même instinct de mort."

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"Le film de Takahata est bien un manga animé. Mais ici, pas de violence gratuite, pas de surnaturel sans signification. Le tombeau des lucioles, adapté d'une nouvelle éponyme de Akiyuki Nosaka, est au contraire un film réaliste sur la vie du Japon pendant la Seconde Guerre mondiale et, de façon plus générale, sur les enfants et les violences qu'ils subissent en temps de guerre."

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"« Le scénario, très librement adapté du Roi Lear de Shakespeare, est ici prétexte pour l’auteur de Kagemusha, à une magistrale réflexion autour de ses thèmes favoris : la solitude et le pouvoir. Mais, comme à l’accoutumée chez Kurosawa, c’est avant tout la forme, mise au service du fond, qui emporte et subjugue. Avec la méticulosité inspirée de l’esthète, le metteur en scène a dessiné chaque costume comme un tableau, filmé chaque scène comme une fresque, cadré le moindre plan comme un tout.
Résultat : des images d’une beauté fulgurante, clouant l’œil à l’écran»."

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"Apocalypse Now rentre dans cette lignée de films très critiques sur l'engagement américain. La guerre est vue du côté américain, et la critique n'en est que plus forte.
Coppola ne réalise pas un film de guerre, mais plutôt un film sur la guerre. Le parcours du capitaine Wilard sur un fleuve hostile qui le mène au colonel Kurtz ressemble à un voyage intérieur, une introspection (la voix off de Wilard est récurrente tout au long du film) et, dans le même temps, Coppola nous emmène dans un voyage vers la folie et l'horreur de la guerre que semble incarner le colonel Kurtz.
Le réalisateur du Parrain nous montre aussi une certaine réalité du conflit et nous livre ses interrogations, partagées par nombre de ces concitoyens à l'époque."

Merci 구미호

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"Le film a pour ambition de présenter ce qu’est un « voyage dans l’enfer » de la guerre avec la perspective de ceux qui la vivent. Pour cela, il n’y a que le minimum de plans de l’extérieur sauf lorsque le sous-marin navigue en surface.

L’attention méticuleuse apportée aux détails et la fabrication de plusieurs maquettes avec l’appareillage pour simuler l’effet des charges de profondeur en fit le tournage le plus coûteux d'Allemagne à l’époque,
35 000 000 marks,
et un des films de guerre les plus précis historiquement de tous les temps."

Merci -Marc-

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"Le film est né du sentiment de culpabilité du réalisateur qui regrettait de ne pas avoir fait «son» film sur la guerre. Enfant natif de Stalingrad, il a connu les bombardements, la traversée de la Volga, l'exode vers l'Oural avec sa famille. Il se souvient de visions enfantines cauchemardesques, d'un Stalingrad en feu. De réservoirs bombardés laissant échapper du pétrole, déversés dans un fleuve brûlant. Sa mère veillait sur lui, son père combattait. Klimov a vu l'enfer s'ouvrir sous ses pieds. Ces visions hallucinées l'ont poursuivi durant toute son existence."

Merci Lindy

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"L'histoire se passe en Allemagne, en avril 1945. Un groupe de jeunes garçons sont enrôlés volontaires dans la Volkssturm pour défendre leur pays. Le sergent qui les encadre tente de les protéger de la tuerie de la guerre en leur demandant de garder un pont sans intérêt stratégique..."

Merci -Marc-

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"The Deer Hunter rebondit sur un contexte encore brûlant à son époque (la guerre du Vietnam à peine finie, douloureuse et vaine) pour essayer de transcender ce traumatisme immédiat, de viser au-delà.
C’était le Nouvel Hollywood s’emparant de l’histoire américaine en train de s’écrire pour en tirer une expression artistique sur la guerre en général, mais surtout sur la déraison dont elle témoigne et qu’elle attise, sur l’humanité perdant ses illusions à travers elle ; et ce contexte – historique, politique et artistique – a évidemment contribué à l’aura qui entoure encore ces films aujourd’hui. "

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" Aucun héroïsme, aucun discours belliciste, aucune propagande dans ce chef-d'oeuvre. William Wellman, ancien pilote de chasse, s'est inspiré des reportages du journaliste Ernie Pyle (incarné avec humilité par Burgess Meredith) pour raconter au plus près de la réalité le quotidien des fantassins."

Proposé par cinemusic

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"Durant la guerre de Bosnie, en 1993, Tchiki et Nino, deux soldats ennemis, l'un bosniaque et l'autre serbe, échouent dans un no man's land d'où ils ne peuvent sortir, étant sous le feu des deux camps. Les deux hommes essaient de trouver une solution à leur problème, en utilisant les Casques Bleus français de la FORPRONU, bien que ces derniers n'aient pas l'aval de leurs supérieurs. Les médias s'en mêlent, transformant un simple fait divers en un show médiatique international."

Proposé par Scarface_du_monde

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"1966 au Viêtnam. Eriksson, une jeune recrue, est affecté à l'escadron du commandant Meserve, un homme charismatique mais brutal, à peine plus âgé que lui. Au cours d'une difficile mission de reconnaissance, Meserve sauve Eriksson d'une mort certaine.
Hélas, il ne peut rien faire pour l'opérateur radio, tué par les Vietnamiens lors d'une embuscade. Quoique traumatisée, l'équipe est renvoyée immédiatement dans la jungle. Meserve promet à ses hommes de leur «offrir» une villageoise.
Eriksson assiste, impuissant, au viol et au meurtre d'une jeune Vietnamienne. Taraudé par l'image de la jeune femme, Eriksson finit par dénoncer ses compagnons, malgré leurs menaces..."

Proposé par Florent_Georges

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Hotel Rwanda ne révèle pas un cinéaste, ni ne renouvelle l'art de la mise en scène. On aura beau jeu de lui opposer Après, Un voyage dans le Rwanda, le documentaire, beaucoup plus distancié du Français Denis Gheerbrant. Mais affirmer que ces deux formes de cinéma peuvent et doivent cohabiter, c'est accepter que le cinéma sous toutes ses formes reste à l'écoute du monde et de ses tragédies. Aurélien Ferenczi

Proposé par Francis San Marco

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Peckinpah, au crépuscule de sa carrière et rongé par la drogue, filme la retraite de ­Russie de l'armée allemande comme un chaos plein de chairs puantes et déchirées, de larmes de dégoût et de ­désespoir.

Comme souvent, il oppose deux figures masculines : le capitaine Stransky, ambitieux et lâche, venu sur le front pour y décrocher la Croix de fer (quitte à s'octroyer les faits d'armes d'un autre), et l'héroïque caporal Steiner, écoeuré par la bêtise galonnée, mais qui aime se battre. Violence institutionnelle d'un côté, violence primaire de l'autre. ­Peckinpah donne raison à la seconde, tendue par le ­désir de survie. Mais, à la fin, on le sait bien : croix de bois, Croix de fer, ils iront tous en enfer... — Guillemette Odicino


Proposé par Fanthomas

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"Le Bal des maudits est incontestablement l'un de ces grands films d'acteurs, reposant essentiellement sur le charisme de ses interprètes principaux et notamment ici celui d'un Marlon Brando habité par son rôle.

Mais pour qu'une telle œuvre fonctionne, il faut un scénario et une mise en scène qui puissent mettre en valeur ces talents. Il faut donc saluer le travail d'Edward Anhalt, qui propose un script brillant, et celui d'Edward Dmytryk qui nous offre l'un de ses films les plus élégants et ambitieux. Une œuvre profondément humaine, qui reste aujourd'hui l'un des films les plus importants du Hollywood classique mettant en scène la condition de l'homme plongé dans la barbarie de la Seconde Guerre mondiale."

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"Le Sable était rouge est un film de guerre admirable, violent et pacifiste, dont la particularité est de donner à la fois les points de vue des soldats américains et japonais pendant la guerre du Pacifique. Certaines scènes du film ont été pompées, au plan près, par Oliver Stone dans Platoon qui, du coup, se révèle être le film d’un metteur en scène potache doublé d’un cinéphile pointu, avant d’être celui d’un ancien du Viêtnam relatant avec minutie son expérience."
Les Inrocks

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"Le 17 septembre 1944, le maréchal Mont­gomery lance l'opération Market
Garden pour prendre six ponts néerlandais con­duisant à la frontière allemande. Mais le bataillon de la 1re division aéroportée, que commande le lieutenant-colonel Frost, se heurte à deux divisions de tanks qui étaient censées battre en retraite..."