Les meilleurs films sur la rédemption selon abscondita

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Drame centré sur la quête de rédemption d’un homme gangrené par les regrets, Le Parrain 3 ne se départit jamais de la tristesse qui imprègne son protagoniste principal. Au début du récit, Michael est un homme amoindri. Malade, il entretient néanmoins l’image d’un leader désireux de conserver une autorité qu’il sait indispensable à la réalisation de ses plans, à savoir ramener définitivement la famille Corleone dans le droit chemin, avant de passer le flambeau à ses enfants. Autour de lui, si les temps ont changé, les choses elles, sont plus ou moins restées les mêmes. Les gangsters sont toujours là, attendant que le roi tombe de son trône, en feignant l’admiration et le respect. Rongé par la mort de son frère Fredo, qu’il a directement commandité, Michael joue sur deux tableaux sans cacher ses nobles ambitions. Son âme est perdue, il le sait et semble l’accepter, même si dans l’ombre, il reste un homme détruit et apeuré. Al Pacino, de retour dans les costumes trois pièces de l’un de ses personnages emblématiques, compose ici un numéro ahurissant, en cela qu’il traduit à la fois la faiblesse physique et morale d’une figure importante de la Cosa Nostra, sans se départir d’un charisme encore menaçant et impressionnant. Alternant brillamment les phases de recueillement durant lesquelles Michael tente de rattraper ce qui peut l’être, et les accès propres à ses jeunes années où la violence et la soif de pouvoir conditionnaient des décisions cruciales et aujourd’hui amèrement regrettées, le comédien campe un Don Corleone ambivalent et impressionnant. Détestable pour tout un tas de raisons, il réussit à déclencher suffisamment d’empathie pour prendre le spectateur à la gorge. Comme lors de ces échanges avec le futur pape, où le mafieux confesse l’inavouable, se dévoilant corps et âme à celui qui serait le plus susceptible de lui accorder le pardon de Dieu. Défini en grand partie par ses contradictions, celui qui fut le diable, mais qui regarde aujourd’hui en direction du ciel, parvient à émouvoir.

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La phrase qui sert d'accroche au film "celui qui sauve une seule vie sauve le monde entier" vient du Talmud (compilation des discussions rabbiniques se rapportant à la législation, à l'éthique, aux coutumes et à l'histoire des juifs). Notons également que la petite fille qui apparaît dans le film avec un manteau rouge (alors que le reste du film est en noir et blanc) a réellement existé même si son apparition dans le film n'est qu'une coïncidence. Elle représente l'élément qui déclenche la prise de conscience de Schindler. Le manteau rouge lui donne une identité, ce qui permet à Schindler de prendre conscience de l'individualité des juifs. Il la voit pour la première fois lors de la liquidation du ghetto de Cracovie et il revoit son cadavre lorsque son corps est brûlé. La vraie petite fille, Roma Ligocka, était connue dans le ghetto de Varsovie pour son manteau rouge, mais contrairement à son homologue dans le film, elle a survécu à l'holocauste et a publié ses mémoires en 2002 sous le titre : La petite fille au manteau rouge . La projection du film de Steven Spielberg lui a servi de déclic, ce qui lui a permis de regarder en face son enfance.

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Le film est centré sur la repentance du père Anatoli et sa prière continuelle, malgré l'incompréhension qu'il suscite. Sa souffrance spirituelle et humaine lui permet de comprendre la souffrance des pèlerins qui l'approchent. Il n'a pas de dons spirituels, il est simplement béni par son remords. Les miracles demandés n'ont pas lieu d'être, selon l'auteur du scénario, Dimitri Sobolev, car le monde rejette toujours les miracles et Dieu agit selon d'autres voies que celles demandées.

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Le Dernier samouraï met en scène un véritable événement historique, la dernière grande révolte de l'ordre des samouraïs qui finit par disparaître à l'issue du conflit. Le personnage incarné par Tom Cruise est quant à lui partiellement fictif et s'inspire très librement de l'ouvrage La Noblesse de l'échec d'Ivan Morris centré sur le destin de Saigo Takamori, resté célèbre pour sa rébellion contre un gouvernement japonais qu'il avait aidé à mettre en place.

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Ce film raconte l'histoire vraie de Ron Woodroof. Par son action, bien qu'illégale, cet homme a contribué à faire avancer la cause des malades atteints par le SIDA, en prouvant l'inefficacité du système d'aide proposé à l'époque par les pouvoirs publics.

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« Lester est un Américain type, qui conforme sa vie à certains idéaux avant que la réalité ne le rattrape brutalement. Quelque chose se produit dans son existence, un choc qui lui rappelle ses aspirations premières. (...) Il se débat avec un trop-plein de sentiments longtemps refoulés et qui aujourd'hui se rappellent à lui. C'est plus qu'une crise de la quarantaine, c'est une renaissance. »

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Jeremy Irons joue le rôle du père Gabriel, un jésuite envoyé dans cette mission à Asuncion auprès des Guarani pour vivre avec eux et leur enseigner la religion chrétienne. Quant à Robert De Niro, il joue le rôle de Rodrigo, un ancien trafiquant d'esclave reconverti en prêtre jésuite après avoir tué en défi son propre frère. Les deux hommes, ayant partagé ensemble le même mode de vie des jésuites dans ce village Guarani, vont se retrouver opposés lors d'une guerre pour l'indépendance des tribus. L'un croira à la puissance de la prière, l'autre à celle de l'épée.

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Gran Torino est le premier scénario de Nick Schenk. Originaire du Minnesota, il a travaillé longtemps dans des usines au milieu de nombreux ouvriers hmong. Les expériences personnelles et les gens qu'il a connus l'ont beaucoup inspiré pour le script.

Gran Torino est le premier film de cinéma américain à traiter des Hmong, peuple d'Asie, originaire des régions montagneuses (18 clans répartie dans plusieurs pays d'Asie, dont le Laos, le Vietnam et la Thaïlande). Les Hmong ont une identité culturelle à part entière, avec leur propre religion, leur propre langue. Clint Eastwood a voulu que le portrait des Hmong soit le plus authentique possible dans Gran Torino, c'est pourquoi il a fait passé des castings uniquement à des Hmong pour les rôles du film. Dans le milieu professionnel du cinéma les acteurs d'origines Hmong sont peu nombreux, aidé par de nombreuses associations, l'équipe a dû faire un gros travail de recherches, dans les églises, les endroits où la communauté Hmong se réunie, les lieux où les jeunes sortent...

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Christopher McCandless a réellement vécu. Son histoire a même inspiré le livre Voyage au bout de la solitude écrit par le journaliste américain Jon Krakauer, et sur lequel Sean Penn s'est basé pour réaliser Into The Wild. Dans le livre, Krakauer décrit la personalité complexe du jeune aventurier, à la fois sociable et solitaire. Après avoir obtenu son diplôme universitaire en 1990, Christopher McCandless quitte sa famille et sa région pour une gigantesque aventure solitaire. McCandless sillone les régions les plus sauvages de l'Amérique mais son périple s'achève de manière dramatique. Christopher McCandless meurt de malnutrition en Alaska. Son corps est retrouvé le 6 septembre 1992.

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William Voelker, le consultant comanche du film déclare : "Personne n’a jamais vraiment porté attention à ces Comanches qui ont refusé de se soumettre au gouvernement américain. Bien que j’aie apprécié la volonté de l’équipe de dresser un portait fidèle de mon peuple, j’ai été un peu surpris que Scott s’excuse de l’image de guerriers impitoyables donnée aux Comanches dans le film car nous n’essayons pas d’enjoliver notre histoire. Ces hommes étaient assoiffés de sang, ils avaient tout perdu et étaient furieux que leur peuple ait été privé de sa liberté."

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Les westerns « à l’américaine » mettent en scène de grands espaces, et les origines de la civilisation américaine dans une démarche presque mythologique, notamment grâce aux films de John Ford et Clint Eastwood. Et c’est dans la même veine que Kevin Costner développe et réalise Danse avec les loups. « Cette civilisation ne peut se construire sur la base d’une guerre civile sanglante. L’Homme doit regarder en arrière et revenir aux sources pour se retrouver et construire un monde meilleur. »
La guerre de Sécession est souvent un terrain propice au développement de cette mythologie, par l’horreur et l’absurdité qu’elle dégage. John Dunbar (Kevin Costner) est l’un de ses participants et un de ses témoins, une de ses victimes qui va trouver la rédemption dans un acte aussi héroïque que suicidaire. Le premier message du film s’écrit alors devant nos yeux : cette civilisation ne peut se construire sur la base d’une guerre civile sanglante. L’Homme doit regarder en arrière et revenir aux sources pour se retrouver et construire un monde meilleur.

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Le thème de "L’Impasse" est celui de la rédemption, une aventure christique guidée par le rachat et le sacrifice.
"L’Impasse" est bien une voie sans issue qui ne sera jamais favorable au personnage de Brigante. Il se retrouve joué par la fatalité et ne peut que regarder le piège qui se referme sur sa vie condamnée.

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Trois canailles hors-la-loi prennent sous leur protection une jeune fille dont le père a été assassiné et ils meurent l'un après l'autre pour la protéger. Magnifique film muet!

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Le réalisateur Edward Zwick résume Blood Diamond : "S'il me fallait résumer d'une phrase le film, je le ferais sous forme de question : "Qu'est-ce qui compte le plus dans une vie ?" Pour l'ancien mercenaire Danny Archer, c'est une pierre précieuse ; pour le pêcheur Solomon Vandy, c'est rejoindre son fils ; pour la journaliste Maddy Bowen, c'est faire aboutir son enquête. Mais le coeur du film, son principal ressort dramatique, est la rencontre d'un homme à la recherche d'un diamant et d'un autre, qui est prêt à tout pour retrouver son enfant."

Au fil de l'écriture de Blood Diamond, une crise d'une tout autre ampleur vint nourrir le propos du réalisateur Edward Zwick. Celui-ci explique : "Le drame des enfants soldats prit à l'époque une résonance particulière. L'exploitation de ces jeunes m'apparut indissolublement liée à celles des ressources du tiers-monde. C'est pour m'en souvenir au début de chaque jour de tournage que j'ai écrit sur la couverture de mon script : "Le joyau, c'est l'enfant."

Originaire du Bénin, l'acteur Djimon Hounsou avait un temps d'avance sur ses partenaires. "L'un des mérites essentiels du film", dit-il, "est de montrer ce qu'affrontent quotidiennement des hommes et femmes de ce continent." S'exprimant sur son personnage, il explique : "Solomon est un simple pêcheur, pris dans la tourmente de la guerre civile. Séparé brutalement des siens, il voit son fils tomber aux mains des rebelles. Dans ce pays, comme dans beaucoup d'États africains, un fils porte tous les espoirs de son père, tous les rêves que celui-ci n'a pu réaliser. Rien n'est plus important aux yeux de Solomon que de sauver cet enfant."

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Frank Darabont se refuse à voir dans Les Evadés un film de prison : "La prison est une métaphore pour la vie. Dans la vie, les gens sont prisonniers d'eux-mêmes, de leur quotidien, d'une vie dans laquelle ils se sont laissés enfermer par faiblesse ou par habitude, et ils s'éloignent de ce qui était leur rêve, leur but, leur idéal. Le sujet du film, c'est l'amitié et comment elle transforme deux hommes qui vont apprendre la confiance, l'espoir, et dont la détermination va transformer les vies."

Tim Robbins s'est préparé au rôle d'Andy Dufresne en passant quelque temps en prison avant le tournage. L'acteur confie : "Ce qui m'a le plus aidé dans ma préparation, c'est de parler avec les prisonniers. Ils ont dans les yeux un désespoir absolu, une tragédie indescriptible. Ce sont des regards que je n'oublierai pas."

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George Miller a souhaité plonger le public dans un monde où ne régnerait plus que le chaos, où l'économie mondiale se serait effondrée, où l'eau et la nourriture manqueraient, comme il a pu en témoigner : "Se projeter dans un futur dystopique aussi effroyable revient à se projeter dans un passé quasi médiéval. Les gens se contentent de survivre. Il n’y a plus de dignité et très peu de place pour l’empathie ou la compassion. Cela donne une hiérarchie très clairement marquée, avec des puissants sans morale qui dominent les masses. Et c’est dans cet univers que débarque Mad Max, qui essaye simplement d’échapper à ses démons″.

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Le film est tiré du roman de Ken Kesey qui s'est inspiré pour l'écrire de sa propre expérience professionnelle au sein du Service des Vétérans de l'hôpital de Palo Alto en Californie.

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The Fisher King est avant tout l'histoire de la quête d'un Graal à New York, reprenant ainsi le mythe de son gardien. Le personnage du Roi Pêcheur serait, selon la légende arthurienne, le dernier protecteur du Saint Graal. Roi blessé, son royaume souffre aussi. Les terres sont infertiles et la pêche est son seul recours. Usé par les tragédies, l'homme s'affaiblit entraînant la mort de ses sujets. " Il doit trouver le Graal pour être sauvé mais n'est hélas plus capable de le voir et de l'expérimenter. Un fou arrive et lui montre que la coupe est en fait juste à coté de lui " commente ".Terry Gilliam. Dans le film, Parry est le fou, convaincu qu'il doit trouver le Graal, depuis que sa femme est morte. Il vient au secours de Jack Lucas, attaqué par des voyous. Jack décide alors d'aider Parry à séduire la femme qu'il aime. Ensemble, ils partent à la recherche du Graal, qui n'est autre que leur propre rédemption. " J'avais une certaine expérience avec les films sur le Saint Graal. L'idée était totalement familière pour moi " affirme le co-réalisateur du film Monty Python, sacré Graal, avant d'ajouter " mais c'est aussi l'histoire d'un mec qui aide un ami à avoir un rendez-vous pour se sentir moins coupable ".

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Impitoyable se différencie des westerns "traditionnels" qui présentent un Ouest épique et poétique. Clint Eastwood, avec son film, a préféré en dépeindre toute la pauvreté, le sadisme et la violence. Impitoyable s'impose comme un western naturaliste, où la loi du plus fort prédomine. Clint Eastwood tacle la légende : "Ces tueurs qui sont entré dans la légende étaient en fait des types qui vous tiraient dans le dos, pas face-à-face, au beau milieu de la rue, comme on le voyait jadis dans les westerns."

Le personnage de William Munny a immédiatement séduit Clint Eastwood par sa complexité. "J'ai été attiré par les contradictions de ce personnage", explique l'acteur-réalisateur. "Munny est un homme qui a triomphé de multiples épreuves. Il a eu la chance de se refaire une vie ; il a deux jeunes enfants, des responsabilités et une dette morale envers sa femme qui l'a poussé à se réformer. Mais les armes sont la seule chose qu'il connaisse : elles sont son destin."

Impitoyable se distingue des autres westerns par l'importance qu'il donne aux femmes et par la description de leur révolte. Clint Eastwood explique : "A l'époque, les femmes étaient traitées comme des citoyens de deuxième classe, et plus encore, j'imagine, les prostituées, sous-classe à l'intérieur de cette classe défavorisée. Dans le film, leur révolte (contre la violence dont a été victime l'une d'entre elles, mais aussi contre l'exploitation à laquelle elles sont toutes soumises) est justifiée."

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"Ce film est une méditation qui explore tous les aspects de nos vies : la perte, la dépendance, l'amour, la culpabilité, les coïncidences, la vengeance, l'obligation, la foi, l'espoir et la rédemption. J'aime les personnages multidimensionnels et contradictoires (...) Personne n'est bon ou mauvais. Nous flottons simplement dans un immense univers, ballottés au fil des circonstances."

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La Ligne Verte est basé sur un roman de Stephen King, et a été écrit et réalisé par Frank Darabont. C’est le premier film de Darabont depuis le grand film “The Shawshank Redemption” en 1994.

Les deux films sont centrés sur les relations entre un homme blanc et un homme noir. Dans “Les évadés”, l’homme noir était le témoin de la détermination acharnée d’un homme blanc, tandis qu’ici, la fonction de l’homme noir est d’absorber la douleur des Blancs, de les racheter et de leur pardonner.

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Colin Farrell revient sur la personnalité des deux tueurs : "Ces deux hommes ont une certaine pureté en eux, dans leur humour et leur façon de voir le monde. Bien sûr, ce sont des tueurs, mais ce ne sont pas des monstres pour autant." Et Brendan Gleeson d'ajouter "Un réalisateur un peu cynique aurait facilement pu en faire des monstres. C'est là que le travail de Martin prend toute sa valeur : aussi inhumains puissent-ils paraître, ce qu'ils font s'inspire directement de ce qui se passe dans le monde tous les jours depuis les prémices de l'humanité. Voir une des oeuvres de Martin, c'est se rendre compte qu'on est incapable de se détacher des personnages et de les regarder à distance, ou de les mépriser. On est forcé de s'engager à leurs côtés, de se sentir concerné par ce qui leur arrive. C'est extrêmement difficile à faire passer en tant que comédien."

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Et s'il n'y avait plus de lendemain ? Dans Un jour sans fin, un homme se réveille au même endroit chaque matin et revit le même jour indéfiniment (" le Jour de la marmotte "). Harold Ramis exploite pleinement ce canevas burlesque, au comique extravagant et déroutant. Comment le corps du héros se repère-t-il dans l'espace et le temps ? Détaché du pays de la raison et naufragé sur une île non-sensique, il ne prévoit pas sa journée mais les autres l'organisent, de rencontres en rendez-vous obligés, d'ami denfance retrouvé chaque matin au même endroit, en hasards connus d'avance et aussitôt assimilés.

Le personnage de Rita se révèle être le moyen d'achèvement du cycle temporel. Rencontres et approches de séduction se sont substituées à la rencontre classique d'un jour : tomber amoureux requiert un apprentissage quotidien de l'autre, autre non-sens burlesque brodé et sacralisé au fil du jour sans fin. Fin novatrice : il séduit Rita et met ainsi fin à l'éternité d'un quotidien terne et mécanique.

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L'intrigue du film est, en partie, inspirée de la vie du mathématicien George Dantzig.

Sur une suggestion de Rob Reiner, le scénario de Will Hunting est devenu plus une histoire sur l'injustice qu’un thriller, tel qu’il avait été écrit initialement.

Le titre original, Good Will Hunting, crée un jeu de mots sur le prénom Will et le substantif goodwill. Il peut s’interpréter comme signifiant « à la recherche de la bonne volonté ».

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L'histoire de Taxi driver est tirée de l'expérience personnelle de Paul Schrader. Au début des années 70, l'écrivain, tombé au plus bas, n'arrivait pas à vendre son premier scénario. Abandonné de sa femme, il était sans le sou, sombrait dans l'alcoolisme, errait dans les rues de New York et la nuit, quand il ne pouvait dormir, il fréquentait les cinémas porno.

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Si les personnages mis en scène par Martin Scorsese sont tous singuliers, la plupart d’entre eux possèdent pourtant un point commun : la chute par leur l'ascension. Leurs réussites personnelles sont fulgurantes, mais ils sombrent peu à peu car rattrapés par la faiblesse de leur nature humaine : "C’est une chose que je trouve intéressante et qui m’a toujours attiré, et que l’on retrouve chez des gens comme Jordan Belfort, Jake La Motta ou Tommy, le personnage de Joe Pesci dans Les Affranchis", confie le réalisateur.

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L'histoire de Frank Abagnale Jr. fait écho à la vie de chacun, y compris Steven Spielberg : "Mes lointains débuts recoupent bizarrement cette histoire. La toute première fois que j'ai tenté de devenir réalisateur de studio, je me suis métamorphosé en cadre... de seize ans et demi. J'ai mis un costume et une cravate, j'ai empoigné un attaché-case et j'ai franchi l'entrée principale d'Universal. Pendant ces trois mois d'été, j'ai arpenté cinq jours sur sept tous les recoins du studio. J'ai été, durant ce laps de temps, rien moins que... Frank Abagnale..."

Une des difficultés mais également une des réussites d'Arrête-moi si tu peux est que le film arrive à jouer sur un registre d'émotion très large passant d'une scène à l'autre de la comédie au drame. Pour le scénariste Jeff Nathanson, le projet n'en était que plus intéressant : C'est à la fois un thriller, un jeu de chat et de la souris, un récit initiatique et un drame familial. Le film me donnait une chance d'explorer tout cela à travers une période-clé de la vie de Frank Abagnale."

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Le scénario est basé sur le best-seller Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience, and Redemption (2010) de Laura Hillenbrand, dont l'histoire retrace la vie du célèbre champion olympique et héros de guerre, Louis Zamperini, ici interprété par Jack O'Connell.

Après tant d’épreuves traversées, Louis Zamperini sombra dans l’alcoolisme et les cauchemars. Il planifia de retourner au Japon pour tuer son bourreau Watanabe. Une rencontre avec Billy Graham, le célèbre prêcheur, l’aida à retrouver la foi et mit un terme à sa vie désordonnée. En 1950, l’ancien sportif olympique accepta de repartir à Tokyo en tant que missionnaire, afin de faire la paix avec ses anciens tortionnaires.

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Les personnages du film ont réellement existé. Le véritable Henry Hill, qui dénonça ses complices en mai 1980, bénéficia du programme de protection des témoins et dirigea par la suite un restaurant italien, appelé The Azores, à Redmond, dans l'Etat de Washington. Après la sortie du film, il dût s'installer ailleurs, dans un lieu tenu secret. Une de ses filles fut d'ailleurs figurante dans la scène du mariage. Tommy DeVito s'appelait en réalité Tommy DeSimone, tandis que le vrai nom de Jimmy était Burke. Ce dernier mourut d'un cancer du poumon en prison en 1996.