Les meilleurs films sur le cinéma selon abscondita

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Film qui dépeint la cruauté du système hollwoodien créant et oubliant ses stars.

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Film sur le milieu des scénaristes et donc du cinéma, The Player invite bon nombre de stars jouant leurs propres rôles : Bruce Willis, Julia Roberts, John Cusack, Peter Falk, Jeff Goldblum, Malcolm McDowell, Burt Reynolds, Elliott Gould ou encore Patrick Swayze. A noter que tous ces acteurs ont fait leur cameo sans contrepartie financière.

Le premier plan, un long plan-séquence d'une durée de 7 minutes et 47 secondes, est un hommage direct à ceux, célèbres, des films La Soif du mal d'Orson Welles et La Corde d'Alfred Hitchcock. Ce plan impressionnant a nécessité 15 prises, et tous les dialogues y ont été improvisés.

Le film de Robert Altman détient le record du nombre de vainqueurs d'Oscars dans un même long-métrage. Avec des acteurs comme Julia Roberts, Susan Sarandon, Whoopi Goldberg ou Sydney Pollack, The Player totalise 13 lauréats de la fameuse statuette.

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Chantons sous la pluie évoque le passage du cinéma muet au cinéma parlant et les difficultés engendrées par ce changement.

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Une description du monde hollywoodien

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Film qui évoque l'âge d'or du cinéma Hollywoodien à travers la figure d'Howard Hughes, industriel, milliardaire, pionnier de l'aviation civile, inventeur, producteur, réalisateur, directeur de studio.

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Histoire véridique de l'histoire tumultueuse entre les studios Walt-Disney avec l'auteure de Mary Poppins.

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Quentin Tarantino a eu l'idée de Once Upon... a Time in Hollywood et de la relation entre Cliff Booth et Rick Dalton sur le tournage de Boulevard de la mort. Il explique : "La première étincelle est née quelque part pendant le tournage de Death Proof. J'ai faisais le film et j'ai regardé de l'autre côté du plateau et j'ai vu le comédien et le cascadeur assis dans des chaises de réalisateur, qui étaient en train de discuter. Je me suis dit : 'Wow, c'est une relation fascinante !' Je savais que ça existait, Steve McQueen avait une vraie relation avec sa doublure, Burt Reynolds également... J'ai pensé : 'Si jamais je fais un film sur la monde du cinéma, ça pourrait être une porte d'entrée assez unique dans cet univers.'"

Once Upon a Time... in Hollywood comporte plusieurs personnages ayant réellement existé : c'est le cas de la comédienne assassinée Sharon Tate, de son époux le réalisateur Roman Polanski, du coiffeur hollywoodien Jay Sebring, de la légende des arts martiaux Bruce Lee, de Steve McQueen, de James Stacey, du canadien Wayne Maunder, de l'acteur et metteur en scène américain Sam Wanamaker, du propriétaire de ranch George Spahn, du gourou Charles Manson et des membres de sa secte.

L'un des deux personnages centraux, Rick Dalton, est campé par Leonardo DiCaprio. S'il s'est imposé comme star du petit écran grâce à la série Bounty Law des années 1950 et au début des années 1960, il n'a jamais réussi à percer au cinéma. Désormais, au moment où Hollywood est influencé par la culture hippie, Rick craint d'avoir raté le coche et se demande s'il n'est pas déjà trop tard. L'acteur confie :
"Rick Dalton est le pur produit des années 50 – le héros à la coiffure banane typique de cette décennie –, mais les temps ont changé et il est dépassé. Quand on en parlait avec Quentin, on considérait le parcours de Rick Dalton comme celui d'un homme souffrant d'un terrible manque de confiance en soi : il est parfaitement incapable de se satisfaire de ce qu'il a. Au contraire, il aspire constamment à autre chose."

Cliff Booth, ancien vétéran reconverti doublure cascade de Rick, est incarné par Brad Pitt. Si leurs carrières ont suivi des chemins différents, et qu'ils doivent se battre encore plus qu'auparavant, ils ont néanmoins toujours été là l'un pour l'autre. Pitt précise : "Les rapports entre nos personnages s'inspirent de ceux qu'entretiennent un comédien et sa doublure cascade. A l'époque, il était assez fréquent de faire

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Histoire fictive qui a pour référence le cinéma et qui nous fait voir son évolution depuis les années 50.

Giuseppe Tornatore souhaitait que son film illustre la fin des salles de cinéma traditionnelles (comme celle du film) et de l’industrie cinématographique en général. Après que le film ait connu un certain succès, il n’a plus jamais évoqué le sujet.

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Qualifié par la presse de l'époque comme "plus mauvais réalisateur de tous les temps", Ed Wood a signé une quinzaine de films entre 1950 et la fin des années 70, dont la majorité fleurent bon la série Z, les effets spéciaux et le jeu des acteurs approximatifs, mais aussi une véritable passion et une authenticité qui lui valent encore aujourd'hui un culte, plus de vingt ans après sa mort en 1978.

Dans l'esprit de Tim Burton, Ed Wood se veut également un clin d'oeil à l'acteur Vincent Price, l'un des grands noms du cinéma fantastique d'après-guerre, auquel le réalisateur avait déjà rendu hommage dans son court métrage Vincent réalisé en 1982. Pour Tim Burton, son admiration et son inspiration vis-à-vis de Vincent Price rappelle celle vouée par Ed Wood à Bela Lugosi.

D'origine hongroise Bela Lugosi a marqué les débuts du cinéma parlant, notamment dans le genre fantastique en étant le premier acteur à porter le nom du terrible Comte Dracula pour Tod Browning en 1931. Sa réputation a cependant vite décliné et le comédien ne peut alors éviter les films de série B voir Z, comme Plan 9 d'Ed Wood dans lequel il figure à titre posthume en 1959. Fidèle à son image, Bela Lugosi est enterré vêtu du costume du Prince des ténèbres à sa mort en 1956.

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Une équipe de tournage hollywoodienne débarque à Downton. Le film se déroule en 1928 et c’est à cette époque que le cinéma muet a cédé la place au parlant. L’idée provient du producteur Gareth Neame dont le grand-père, le réalisateur Ronald Neame, a été opérateur caméra sur Chantage, film à l’origine muet d’Alfred Hitchcock. Mais la sortie du Chanteur de jazz, le premier film parlant, pousse Hitchock à changer ses plans et à faire de Chantage le premier film parlant de l'histoire du cinéma britannique. Gareth Neame raconte : « Je me souviens de ce que mon grand-père me racontait sur l’arrivée des preneurs de son et du fait que les caméras étaient soudain limitées dans leurs mouvements parce qu’elles étaient extrêmement bruyantes. Les caméras devaient être enfermées dans des caissons insonorisés afin que les micros ne puissent pas enregistrer le bruit des caméras, ce qui limitait en conséquence les mouvements d’appareil. Les preneurs de son sont alors devenus les personnes les plus importantes sur le plateau. »

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Histoire fictive d'un jeune garçon qui pénètre dans un film de son héros préféré grâce à un billet magique. Les références au cinéma sont omniprésentes.

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Cette oeuvre de fiction se situe à Paris au début du XXe siècle et raconte l'histoire d'un jeune garçon, amoureux des films de Georges Melies, un maître des premiers effets spéciaux au cinéma.

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Si The Artist est souvent drôle, il ne faut cependant pas y voir une parodie des films muets comme pouvait l'être le dernier grand film muet en date, La Dernière folie de Mel Brooks (qui remonte tout de même à 1976). En effet, Michel Hazanavicius souhaitait rendre hommage aux réalisateurs et scénaristes qu'il aime et considère comme des modèles, comme Fritz Lang, Ernst Lubitsch, Billy Wilder et Friedrich-Wilhelm Murnau. Il s'éloigne ainsi de l'ironie dans laquelle baignaient ses précédents longs-métrages, une direction qui, si elle a surpris Jean Dujardin, lui fut imposée par le format même : "Quand vous regardez les Chaplin, on a tendance à ne se souvenir que des moments comiques mais ces histoires sont des mélodrames purs et durs, où les jeunes filles ne sont pas seulement orphelines, mais aveugles ! Les choses drôles sont toujours en contrepoint d’une histoire très émouvante", explique le réalisateur.

Véritable déclaration d'amour au cinéma muet, le film fait écho à bon nombre de films qui nourrissent l'imaginaire des cinéphiles du monde entier. Interrogé sur les longs-métrages sur lesquels il s'est appuyé pour créer The Artist, Michel Hazanavicius cite pêle-mêle L' Aurore (1927) et City Girl, Our Daily Bread (1929) de Friedrich-Wilhelm Murnau, Les Quatre fils (1928) de John Ford, La Foule (1928) de King Vidor, L' Inconnu (1927) de Tod Browning ou encore les films de Fritz Lang. C'est par ces longs-métrages qu'il a introduit Jean Dujardin au muet, un univers que l'acteur reconnaissait ne pas connaître. Le cinéaste soutient en revanche s'être méfié de l'incontournable référence que représente Charlie Chaplin, parce qu'il jugeait inutile de s'inspirer de quelqu'un d'aussi unique, inédit et inimitable que Charlot : "Tout ce qui est vrai pour lui n’est vrai que pour lui"

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Les frères Taviani découvrent un épisode célèbre dans l'histoire du cinéma américain : au cours du tournage d' Intolérance, D. W. Griffith est sujet à de terribles interrogations. En visionnant Cabiria (1914), il prend conscience que les décors de sa Babylone ne peuvent être idéalement réalisés que par les artisans italiens qui ont travaillé sur le film de Giovanni Pastrone. De surcroît, il visite l'Exposition universelle de San Francisco de 1914, dans laquelle il peut admirer la tour des Joyaux, construite par des ouvriers-architectes italiens. Il s'efforce, dès lors, de faire rechercher ces artisans en Italie et de les ramener aux USA : "À peine l'avons-nous lue, cette idée nous a tout de suite beaucoup stimulés. Les trois ouvriers se sont transformés en deux frères et de là est né notre sujet puis notre scénario.

La forme d'expression la plus haute de ce siècle, c'est le cinéma, et comme les cathédrales, le cinéma est aussi le fruit de la collaboration de nombreuses personnes. Le cinéma est l'œuvre d'un auteur, mais cet auteur est fait aussi des nombreuses personnes qui travaillent avec lui. Cela ne se retrouve pas dans les formes d'art comme la peinture ou la littérature. Par contre, le travail collectif existe dans l'architecture et seulement à certains moments de l'histoire de la peinture. Les artistes naissaient dans un climat d'artisanat, des artisans qui travaillent ensemble à la réalisation de quelque chose. Dans le film, nos deux protagonistes sont deux artisans, ce ne sont pas deux artistes qui arrivent à Hollywood. L'Hollywood que nous avons essayé de représenter est le lieu de rencontre d'une multitude d'artisans. La famille des Bonanno, qui a derrière elle mille ans d'expérience dans le travail de la pierre, a une conscience culturelle de son métier. Au contraire, les jeunes qui étaient à Hollywood avaient en main leur métier de manière quasi inconsciente, non certes culturelle. Ils possédaient leur instrument de travail de façon très pragmatique, pragmatisme qui caractérise généralement les Américains. Mais, au fond, c'est le même esprit qui les unissait. En relisant tout ce que les témoins de l'Hollywood d'alors ont écrit, nous avons constaté que, de manière très ingénue et parfois de façon très émouvante, ils mettaient en commun leurs découvertes. Au fond, c'est comme ça que Griffith a peu à peu découvert tous les divers éléments du langage cinématographique, par exemple, le premier plan." (frères Taviani)

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Om Shanti Om est un hommage parodique aux Bollywoods des années 70. De nombreuses stars jouent leur propre rôle dans une scène dansée qui les rassemble tous.

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Ce long métrage est une mise en abîme: le film a pour un objet le tournage d'un film. Le rôle du réalisateur est tenu par François Truffaut lui-même.

Ce film est dédié aux soeurs Dorothy Gish et Lillian Gish, toutes deux actrices du réalisateur D.W. Griffith très admiré par François Truffaut.

Le titre du film est inspiré d'un procédé courant au cinéma qui consiste à mettre des filtres devant l'objectif des caméras pour tourner des scènes de nuit en plein jour. Les filtres sont rouges ou rouges et verts.

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La Comtesse aux pieds nus étant un film sur les coulisses du cinéma, Joseph L. Mankiewicz a du déclarer qu'aucun des personnages n'était réel. En effet, il a été accusé de s'être inspiré de Howard Hughes pour le personnage du producteur Kirk Edwards, un nabab antipathique.

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C'est en 1987, sur le tournage de L'Empire du soleil, son tout premier film où il avait un petit rôle, que Ben Stiller eut l'idée de ce qui allait devenir plus de vingt ans plus tard Tonnerre sous les Tropiques : "L'idée du film est née en 1987. J'avais à cette époque un tout petit rôle dans L'Empire du soleil de Steven Spielberg, et tous mes amis acteurs tournaient des films sur la guerre du Vietnam : Platoon, Hamburger Hill, etc..., auxquels ils se préparaient en suivant pendant deux semaines un semblant de stage commando. En interview, ils ne manquaient jamais de souligner la "dureté" et "l'intensité" de cette expérience qui les avait rendus "solidaires" les uns des autres. Je trouvais leurs propos à mourir de rire car ces prétendus stages n'avaient évidemment qu'un très lointain rapport avec les expériences des soldats sur le terrain. Cette façon de se mettre en valeur m'amusait, mais je ne savais pas encore quel parti en tirer." (Ben Stiller)

Avec Tonnerre sous les Tropiques, Ben Stiller explique s'être "laissé inspirer par quantité de vrais films de guerre." Mais surtout, l'acteur-scénariste-réalisateur-producteur s'est amusé à rire de l'industrie hollywoodienne, surtout quand celle-ci se met à déraper quelque peu. "J'ai voulu aussi montrer le fonctionnement d'une grosse machine hollywoodienne dans des situations extrêmes où tout dérape. Aussi délirant soit-il, le film reste donc ancré dans une certaine réalité."

"Tonnerre sous les Tropiques démarre comme une fresque guerrière avant de virer à la comédie. Le film se moque de lui-même, et Ben n'hésite pas à s'y tourner en dérision à travers le personnage de Tugg. Il nous montre les coulisses d'un tournage hollywoodien, ses aspects les moins glorieux, qui mettent à nu nos failles et notre fragilité. Je pense que le public appréciera ce point de vue décapant." (Steve Coogan)

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Mise en abime: un réalisateur filme le tournage du film Et la vie continue tous les deux réalisés par Abbas Kiarostami. Les acteurs sont des non professionnels, des habitants de l'Iran du Nord.

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Au-delà de la prouesse technique, Qui veut la peau de Roger Rabbit ? représentait avant tout un véritable défi artistique : réunir dans le même film les personnages d'animation des écuries Warner et Disney. Cet exploit est d'autant plus impressionnant lors de la scène de la chute d'Eddie Valliant, "secouru" par les deux grosses stars animées de chaque empire : Mickey et Bugs Bunny. Idem pour la scène du club où Donald et Daffy, les deux canards vedettes de Disney et Warner, se livrent à une véritable joute musicale au piano.

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Dans un village reculé de Turquie, le cinéma en plein air est le lieu où se rassemblent les habitants, le lieu festif où le lien social se tisse. L'arrivée d'une télévision dans les années 70 bouleverse ce petit monde.
Le film est bourré de références cinématographiques.

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Ce film se situe dans les années 30 d'Hollywood. Il s'agit d'un film biographique sur le scénariste Herman J. Mankiewicz et raconte la genèse de Citizen Kane.

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3 visages est né d’une situation qui, sans être nouvelle, a littéralement explosé avec l’avènement des réseaux sociaux - extrêmement utilisés en Iran : la quête éperdue de contact, en particulier avec des personnalités du cinéma. Jafar Panahi, malgré sa situation officielle de réalisateur proscrit dans son propre pays est l’un des destinataires les plus sollicités par ces propositions - notamment de jeunes gens qui veulent faire des films. Et comme la plupart de ceux qui reçoivent de nombreux messages de la part de leurs fans sur les réseaux sociaux, il n'y répond que rarement, mais cela lui est déjà arrivé de ressentir une sincérité, une intensité qui l'ont poussé à se questionner sur la vie de celles et ceux qui envoient ces messages. Un jour, il a reçu sur Instagram un message qui lui paraissait plus sérieux, et au même moment les journaux ont parlé d’une jeune fille qui s’était suicidée parce qu’on lui avait interdit de faire du cinéma. Il a imaginé alors recevoir sur Instagram une vidéo de ce suicide, et s’est demandé comment il réagirait face à cela.

Cette idée a croisé l’envie de revenir sur l’histoire du cinéma iranien, et ce qui avait entravé ses artistes, par différentes manières, à différentes périodes. D’où l’idée d’évoquer trois générations, celles du passé, du présent et du futur, par l’intermédiaire de trois personnages d’actrices. En composant ces trois récits est née l’image de cette route étroite et sinueuse, qui est une représentation concrète de toutes ces limitations qui empêchent les gens de vivre et d’évoluer.

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Film hommage au cinéma indien à l'occasion de ses 100 ans. Film à sketchs bourrés d'allusions aux bollywoods et qui rassemble une pléiade de stars indiennes.

Bombay Talkies était l'un des principaux studios de Bombay dans les années 1930 et 1940. Réputé pour sa bonne organisation, la qualité de son matériel et la compétence de ses techniciens, c'était aussi une pépinière de talents artistiques qui a offert leur première chance à des acteurs qui sont ensuite devenus des stars.

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La séquence du champ de bataille a nécessité plus de 30 cascadeurs, 10 cavaliers, 30 musiciens, une chorégraphie de combat poussée et de nombreuses explosions conçues et exécutées par le coordinateur des effets spéciaux Elia Popov. "Nous avons eu quatre jours de répétitions, parce qu'il y a beaucoup plus que le combat à mains nues. Nous avons filmé une scène durant laquelle une personne est traînée par un cheval au galop à travers une tente, et d'autres comportant une voiture-caméra s'écrasant contre une tour et tout un tas d'explosions. Nous avions une voiture caméra moderne filmant une voiture caméra des années 1920 avec des chevaux qui courent en arrière-plan, c'était assez surréaliste. Cela a vraiment mis en relation tout ce que nous avons aujourd'hui par rapport à ce qu'ils avaient à disposition il y a cent ans." (Doug Coleman, coordinateur des cascades)

Le studio du Kinoscope dans lequel Nellie entre pour son premier jour de tournage a été construit à partir de rien, sur un terrain vague à Piru, et s'inspire étroitement des studios en plein air et des décors de l'époque. Florencia Martin raconte :
"Le Kinoscope est ce qu'on appelle un studio de quartier pauvre. Nous voulions donc montrer à quel point le studio était dépouillé, pour coller à l'approche de l'époque. C'étaient vraiment des bulles de fantaisie surgissant en plein désert. Elles jaillissaient comme ça, alors que quelques semaines auparavant, rien n'existait à cet endroit."

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L'arrivée du cinéma dans l'ouest américain et les changements de comportement qu'il entraîne. Un western rouge traité sous l'angle de la comédie.
Nombreuses projections d'extraits de courts-métrages muets.

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L'écriture d'un scénario