Synthpop Rétrospective

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On pourrait fouiller plus loin dans le temps, mais, il me semble que cette œuvre de Pierre Henry accompagné de Michel Colombier, (arrangeur de Gainsbarre à Air en passant par Madonna ainsi que compositeur de BO de film) est la première à utiliser la musique électronique (ici encore dans sa phase "concrète") pour en faire de la Pop, et ce, sur tout un EP d'une quinzaine de minutes, où se trouve le célèbre "Psyché Rock", qui comme son titre l'indique, fusionne l'électro-acoustique au rock d'une manière tout à fait nouvelle et originale, avec ses sons de flutes et d'orgues électriques posés sur un ensemble bass/drums/gratte saturés.

Avant cela, nous pouvons citer certains tubes, du Telstar des Tornados (version electro low-cost des Shadows) au thérémine du "Good Vibrations" des Beach Boys et du générique de Dr Who au "Runaway" de Del Shannon... Laissons le reste à une histoire de la musique expérimentale et électronique (très bonne liste sur le sujet ici : https://www.senscritique.com/liste/Une_histoire_de_musique_electronique/390961#page-2/ )

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"Silver Apples", probablement le premier groupe purement électronique de l'histoire... ce n'est pas moi qui le dit mais Guillaume Kosmicki dans son "Musiques Électroniques : Des Avant-Gardes Aux Dance Floors", petite bible du genre de 400 pages.

On remplace la fanfare habituelle du psychédélisme (sauf la batterie) par une machine (le Simeon, concocté par lui-même !) et on obtient de la Synthpop à l'ère flower. Difficile de juger de la qualité de cet album à l'aune de notre époque, mais en tout cas, l'essentiel était déjà là ; de ces boucles hypnotiques qui feront les belles heures de toutes musiques nées de la "techno" au minimalisme voulu par notre modernité numérique en passant, pourquoi pas par le côté dark de Joy Division.
Tâtonnements parfois laborieux mais au combien nécessaire ! A contre-courant de ce qui se faisait à l'époque, inventant alors un futur courant.

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Tout simplement Bach revu par Wendy Carlos, pionnière de la musique électronique à l'aide de la dernière invention de Nicolas Moog ; une œuvre originale qui fera un tas de petits dans le même genre, quoi qu'on pense de leurs qualités respectives.

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Ce genre d'album, il y en a eu plein de sa part et de son comparse français Jean-Jacques Perrey. La plupart du temps, la musique se caractérise par une profusion de synthés mariée au style émergeant de l'époque (ici, le rock psyché) qui, lorsqu'il ne s'agit pas de compositions originales, s'amuse à reprendre des chansons traditionnelles, de la pop ou même des morceaux classiques.
Et c'est étonnant d'entendre qu'assez souvent, le Moog sublime ces morceaux que l'on connait tous ou pas (même la reprise de la comptine "Twinkle Twinkle" arrive à avoir ses bons moments, alors que celles des Beatles ou les Garfunkel sont évidemment moins bonnes que les originales). Il y a de tels possibilités, de diversités... Comme quoi, même des machines de l'époque, naissait déjà la beauté.

Je poste cet album plutôt que les nombreux autres avec "Moog" dans le nom car se trouve dessus un des tubes "électroniques" les plus connus : PopCorn. (Mais ne lésinons pas sur le reste, l'entraînante "Hey, Hey" assure pas mal non plus ou encore "Sheila" qui préfigure un certain type d'électro pour BO à la française).

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Bien qu'ayant signé qu'un tiers de la BO, c'est Wendy Carlos qui achève de faire d'Orange Mécanique un chef d'oeuvre, par sa réinterprétation de Beethoven tout en synthés, comme elle l'avait fait pour Bach et son thème intemporel.

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Si ma préférence va à son "Songs In the Key of Life", "Innervisions" est considéré comme le sommet de sa collaboration avec Robert Margouleff et Malcolm Cecil, connus pour leur TONTO, encore aujourd'hui un des plus grands synthétiseurs polyphoniques et analogiques au monde, un assemblage de Moog, Arp, Oberheim, Roland, Yamaha et j'en passe...

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Si encore loin de la Synthpop, "Autobahn" est le premier album du groupe à définir le style qui sera leur marque de fabrique - sur le titre éponyme principalement - ici encore dans sa forme progressive et expérimentale. Quoi qu'on pouvait également entendre ces prémisses sur certains titres du précédent "Ralf und Florian", moins passés à la postérité. "KometenMelodie 2" a également quelques attraits mélodiques.
Avec du Vocoder, du MiniMoog, de l'ARP Odyssey et autres EMS Synthi...

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Album important pour le groupe. Tout d'abord, il est enfin dans sa formation la plus productive, Hutter, Schneider, Bartos et Flür, celle qui sera à l'origine des deux grands albums dont je parlerais plus tard. C'est aussi le dernier album d'expérimentation du groupe, où ils s'amusent sur 2/3 des titres avec leurs nouveaux jouets, payés à l'aide du succès de la tournée "Autobahn". Il est vrai qu'elles font un peu datés, mais c'est toujours un plaisir d'entendre les premières tentatives de Vocoder et d'autres effets audios comme les filtres et les phasers de l'époque. Enfin, on découvre les titres plus ou moins synthpops qui seront caractéristiques de leurs prochains albums sur 1/3 des pistes restants, dont le fameux "Radioactivity" mais aussi "Airwaves" où ils s'amusent à la fin avec leurs solos de "Theremin". Un album à 1/3 réussi donc, (on notera que l'album parle plus de l'activité radiophonique que la radio-activité elle-même).

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Bowie inspira, avec Kraftwerk et dans une moindre mesure, Giorgio Moroder et Nile Rodgers, une bonne partie des premiers groupes Synthpop, notamment grâce à cet album, 1er de la trilogie Berlinoise en compagnie de Brian Eno.
Si la première face suit les inspirations plus ou moins Rock de "Station to Station", la seconde est plus synthétique, donnant lieu à des instrumentales pleines de mystère, dont "Art Decade" adressé à l'autre côté du mur, et ma préférée de l'objet.

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Nous y voilà, les deux plus grands albums critiques de Kraftwerk: "Trans-Europa Express" et "Die Mensch Maschine". Déjà, il y' a cette volonté de s'exporter, que ce soit par les versions anglaises de leurs morceaux ou pas un aspect tube tout à fait plus attractif à l'oreille. Mais aussi parce que mélodiquement et techniquement, ils maîtrisent enfin leur album de bout à bout, de titre en titre ce qui donne une collection de pépites qu'ils auront du mal à égaler. Les rythmes lancinant et répétitifs prennent l'allure du Train et des Robots, le peu de parole privilégie le reste, les effets et expérimentations continuent à s'agiter mais cette fois-ci, ils servent les morceaux ne sont pas mis sur des pistes à part.

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Alors que la plupart des groupes rock de l'époque jouent de la gratte, de la basse, de la batterie... enfin, de véritables instruments accoustiques; Suicide décide de faire un album Punk entièrement sur synthé, accompagné d'une boîte à rythme et de nombreux bidouillages.
Gros bide à l'époque car trop avant-gardiste, cet album est devenu culte pour beaucoup. Très minimaliste, trois quatres notes tourneront en boucle, un titre durant 10 minutes (Frankie Teardrop, où le chanteur nous crie dessus en plus de ça). Puis un deuxième synthétiseur apparaît pour une deuxième mélodie alors que le chanteur nous balance quelques répliques, voilà le schéma de pratiquemment tout les titres, tout ça mélangé à des effets audios pas souvent du meilleur goût.
Alors oui, c'est ultra répétitif, bizarre et malsain, surtout pour l'époque où le groupe se fait jusqu'à enlever le micro des mains en plein concert. Pourtant, il faut reconnaître que l'on y entend les prémisses de nombreux genre allant de la Cold Wave à la Techno. La musique doit beaucoup à ce disque malgré que son écoute soit presque un supplice chaotique, d'où leur nom et leur pochette.

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"Deliverance" et "Just Blue" sont deux albums dans la suite logique de "Magic Fly"; une collection de titres "Musique Synthé" réussie, sans morceaux réellement mauvais. Comme fulgurances, nous avons les post-Disco "Prison", "Deliverance" (accompagné tout du long d'un choeur, sorte de chant des partisans) et "Just Blue", les symphonies au synthé "Let me know the Wonder" ou "Symphony" (qui n'en est pas vraiment une) et les sons qui auraient pu se retrouver sur des BO's de l'époque... presque tout le reste en fait. Les compos suivent et donc, le style du groupe ne semble pas s'essouffler, un beau voyage rétro-futuriste pour ceux qui voudront s'y jeter.
Pourtant, Ils ne rencontreront plus le même succès qu'avec "Magic Fly", excepté en Russie où leur talent sera reconnu, au point qu'ils y donneront beaucoup de concerts. "Just Blue", dont les choeurs assez... "space" sont une des caractéristiques permettant de faire une différence entre les 2 précédents albums... Oui, sinon, cela ressemble beaucoup à Magic Fly, avec cette structure qui nous balance une ritournelle au synthé pour nous la faire évoluer un ton au-dessus par la suite, et ainsi de suite... sorte de montée en puissance mélodique.

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Il y a d'abord "Tryouts for the Human Race", où Russel se la joue "Disco-Queen" et emporte l'adhésion du milieu et du public. Il y a ensuite Moroder aux manettes, alors au top de son génie, qui nous livre ici breaks et ponts électriques relevant la saveur des plus longues plages. Il y a enfin un batteur, "Keith Forsey", faisant sonner le tout plus organique et qui, mélangé à l'électronique de l'italien, produisent un son multilingue qui encore aujourd'hui, prend au corps et à la tête.
Moins excentrique que les précédentes œuvres de Mael mais pas moins fourmillante, expérimentant et osé, que ce soit le Vocoder de "My Other Voice" ou la mélodie mystérieuse du (encore un) pont du hit premièrement cité : "Gotta make our play, gotta get away" que l'on aurait aimé entendre durer encore, et encore. Outre les pièces déjà citées et le morceau éponyme, les trois autres titres (dont un "Beat the Clock" qui laisse pantois, pourtant choisi en single) lorgnent parfois trop avec le kitsch pour pouvoir pleinement être appréciés.

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Petite pépite de 20 minutes de synthpop pure, contenant un titre chanté en français par sa compagne Elli et portée par le morceau "Rectange" qui a fait les belles heures de la pub Nesquik.
On pourrait dire qu'il est influencé par Kraftwerk mais non, il s'inscrit tout simplement parfaitement dans le mouvement, cet EP étant au même niveau de beaucoup de grands morceaux au synthé de l'époque, pourtant composé principalement d'instrumentaux.
La deuxième moitié est légèrement plus faible, son ex-côté Punk (on note que beaucoup de Punk se sont d'ailleurs reconvertis à la Synthpop dans ces années) le faisant jouer quelques mélodies, néanmoins inspirés, à la guitare, mais n'atteignant pas le côté "Catchy-Kitsh" de "Triangle" par exemple.

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Voir critique "Dumb Waiters"

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