CONTES et LEGENDES MODERNES

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La Comtesse aux pieds nus est le premier film de Joseph L. Mankiewicz en tant que producteur indépendant. Il avait réalisé auparavant des films pour la 20th Century-Fox et pour la Metro-Goldwyn-Mayer. Il créa donc sa propre société de production pour faire ce film, un conte de fée moderne, "une version amère de Cendrillon, comme le dit Mankiewicz, où le prince charmant aurait dû, à la fin, se révéler homosexuel, mais je ne voulais pas aller aussi loin."

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Des années auparavant, Takeyama s'empara du destin de ce personnage grâce au récit d'un témoin privilégié, enrôlé dans la brigade où officiait Nakamura. Au carrefour du conte pour enfants et de l'aventure philosophique, l'œuvre fut initialement publiée en feuilleton entre 1947 et 1948. Voulant rendre compte du déchirement moral et spirituel du héros — le bouddhisme étant une religion, par essence, pacifiste — l'écrivain dédoubla le personnage : au soldat Mizushima (Shōji Yasui), ici instrumentiste du groupe musical, fut ajouté un nouveau protagoniste, totalement recréé, le capitaine Inouyé (Rentarō Mikuni), également chef de chœur. Takeyama voulut ainsi confronter le destin individuel de Mizushima, lié à cette exigence intérieure qui le pousse à demeurer en Birmanie, et celui, collectif, du groupe de soldats, symbolisé par son capitaine. Cet antagonisme était de nature à renforcer l'expression dramatique de l'œuvre et la gravité du choix fait par Mizushima. Un autre personnage essentiel du livre est la harpe traditionnelle birmane, nommée encore saung-gauk, précisément rendue nécessaire par le dédoublement du héros. Dans le film d'Ichikawa, fidèle, pour l'essentiel, à l'esprit du roman, elle contribue à instaurer un climat émotionnel significatif.

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Conte initiatique

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La richesse thématique du film en fait un récit initiatique à la fois « western irlandais » et « conte de fées moderne », abordant les thèmes de la condition des nomades, de la reconstruction familiale après le deuil et de la symbolique du cheval blanc dans une Irlande qui apparaît comme un pays contrasté, entre la banlieue de Dublin et les paysages sauvages du Connemara.

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Conte philosophique

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Le Pôle Express est l'adaptation en film d'animation du célèbre conte de Noël éponyme écrit et illustré par l'Américain Chris Van Allsburg (paru en 1985 et édité en France par l'École des Loisirs, sous le titre Boréal-Express). C'est la seconde fois que l'un de ses ouvrages est adapté sur grand écran après Jumanji, en 1995.

Robert Zemeckis et Tom Hanks avouent avoir été fortement marqués par l'oeuvre d'origine de Chris Van Allsburg. Le premier, qui lisait le livre à son fils une fois par an, vante son "imagerie, quelque part entre rêve et réalité, qui capte admirablement les mystères et les attentes d'une nuit de Noël." Quant à Tom Hanks, il avoue : "Pendant près de dix ans, de novembre à décembre, j'ai lu le livre à mes enfants quatre fois par semaine, et souvent deux fois de suite ! J'en ai été totalement imprégné."
Le Pôle Express nous confronte au mythe du Père Noël. Robert Zemeckis explique : "C'est une histoire où chacun de nous peut se retrouver. Enfants ou adultes, nous sommes nombreux à avoir mis en doute nos croyances et refondé nos convictions. Les plus jeunes prennent ce récit au pied de la lettre, comme un voyage à la rencontre du Père Noël, les adultes y trouvent une métaphore d'une plus vaste portée. L'histoire s'appuie sur une symbolique chrétienne, mais c'est fondamentalement une fable universelle sur la croyance en des choses que nous ne pouvons totalement percevoir ou comprendre."

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Charlie et la chocolaterie est l'adaptation cinématographique du classique de la littérature enfantine Charlie and the Chocolate Factory, écrit en 1964 par Roald Dahl.

Le réalisateur Tim Burton évoque le roman Charlie et la chocolaterie de Roald Dahl. "L'un des aspects intéressants du livre, c'est qu'il est si particulier, si libre, qu'il laisse encore de la place pour l'interprétation de chacun. Ca laisse une porte ouverte pour votre propre imagination. Et l'imagination était, je pense, l'une des forces de Roald Dahl en tant que raconteur d'histoires.
Certains adultes oublient ce que c'était que d'être un enfant. Roald, non. Dans son livre, vous avez donc des personnages qui vous rappellent des gens de votre propre existence et des enfants avec lesquels vous alliez à l'école, mais en même temps il plonge cette réalité dans les anciens archétypes de la mythologie et des contes de fées. C'est un mélange d'émotion, d'humour et d'aventure qui est absolument hors du temps et je pense que c'est la raison pour laquelle ce roman s'imprègne tellement en vous. Il vous fait vous rappeler vivement ce que c'était que d'être un enfant, mais il offre également une perspective adulte. C'est pourquoi vous pouvez revisiter ce livre à n'importe quelle période, en tirer différentes choses, quel que soit votre âge."

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"C'est la rencontre de Alice au pays des merveilles et de Psychose. C'est l'histoire d'une enfant qui se construit comme elle peut en dépit d'une grande souffrance. C'est une fable de survie dans des circonstances plutôt étranges." (Terry Gilliam)

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"La déscolarisation des filles et la réaction que cela suscite chez elles a, l’air de rien, un impact déterminant sur l’histoire. Mais je n’approche pas les choses de manière militante. On ne fait pas un film comme un discours politique. (…) le film exprime les choses de manière beaucoup plus sensible et puissante que je ne pourrais le faire. Je l’envisage vraiment comme un conte avec des motifs mythologiques comme celui du Minotaure, du dédale, de l’Hydre de Lerne - le corps à cinq têtes que constituent les filles - et du bal, remplacé ici par un match de foot auquel les filles rêvent d’assister." (réalisatrice).

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Benedikt Erlingsson présente Woman at War : "Ce film vise à être un conte héroïque se déroulant dans notre monde où la menace est imminente. Un conte héroïque à la manière d’un récit d’aventure. Un conte de fée sérieux mais raconté avec le sourire. Notre héroïne est une Artémis moderne, protectrice des contrées vierges et du monde sauvage. Seule, confrontée à une planète qui change rapidement, elle endosse le rôle de sauveur de la terre mère et des générations futures. Notre point de vue est très proche de celui de notre héroïne, voilà pourquoi nous accédons à sa vie intérieure. [...] C'est un film sur une femme qui s'efforce d'être quelqu'un."

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Le Diable n’existe pas se décline en quatre histoires s’apparentant à quatre contes abordant différemment un sujet commun (le totalitarisme en Iran). Mohammad Rasoulof explique pourquoi il a opté pour ce dispositif : "A mon retour en Iran après la présentation dans les festivals étrangers de mon film précédent, Un homme intègre, j’ai été assailli par tant de difficultés que je n’ai pas pu me projeter dans un autre film. Cette situation très déstabilisante a duré deux années pendant lesquelles j’ai tenté de trouver une solution pour tourner à nouveau. Je me suis aperçu que le meilleur moyen d’échapper à la censure serait de réaliser officiellement des « courts-métrages ».
En effet, plus un tournage est court, moins la censure s’y intéresse donc moins le risque est grand de se faire prendre. J’ai donc commencé à réfléchir à plusieurs histoires. Leur thématique commune s’est vite imposée à moi : la façon dont on assume la responsabilité de ses actes dans un contexte totalitaire. Résister aux injonctions totalitaires est une idée séduisante, mais elle a un coût. Cela entraîne le renoncement à de nombreux aspects de la vie et parfois la réprobation de vos semblables. J’ai voulu créer des personnages fiers d’avoir eu la force de désobéir, qui en assument les conséquences. Malgré tout ce qu’ils ont perdu, ils restent conformes à leur propre exigence morale."

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"C’est Matteo (le 2e réalisateur) qui nous a conduits vers Vejano. Il connaissait Ercolino, un Romain installé là-bas depuis plusieurs années et qui possède un gîte au beau milieu d’un domaine où se réunissent régulièrement des chasseurs de la zone pour manger, boire et raconter des histoires locales. L’une de ces légendes, celle d’une panthère qui terrorisait le village, nous a donné l’idée de Belvanera. Pendant le tournage, les chasseurs nous ont raconté une autre légende, et nous avons alors réalisé un deuxième documentaire : Il Solengo. Cette fois encore, durant la réalisation du film, nous avons entendu une autre légende : l’histoire de Luciano, le héros de La Légende du Roi Crabe." (Alessio Rigo)

Alessio Rigo de Righi et Matteo Zoppis ont fait de nombreuses recherches. Ils ont, par exemple, cherché dans les archives des traces du voyage que, d’après leurs amis chasseurs, Luciano aurait fait entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle. Ils racontent : "Nous avons trouvé plusieurs homonymes parmi les immigrants italiens en Argentine : l’un d’entre eux pourrait être Luciano. Nous nous sommes à notre tour rendus en Terre de feu, pour effectuer des repérages. Nous avons découvert un univers riche de récits et d’aventures invraisemblables d’Italiens émigrés. Nous voulions que, dans la partie argentine, l’histoire de Luciano fasse écho à tous ces mythes issus de la culture de l’émigration."

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Trois mille ans à t’attendre est une adaptation de la nouvelle Le Djinn dans l’œil-de-rossignol d’A.S. Byatt, publiée en 1994. George Miller a découvert le texte à la fin des années 1990 et en a été durablement marqué : « Ce récit était singulier et inclassable et il répondait à une de mes exigences : il était d’une complexité et d’une profondeur dont on n’a pas forcément conscience au premier regard. La narration fourmille d’intrigues secondaires, un peu comme Les mille et une nuits»

On trouve la figure du Djinn dans de nombreuses cultures. Pour ce film, George Miller et Idris Elba ont voulu offrir une nouvelle dimension au personnage. Le réalisateur explique : « Je crois pouvoir affirmer qu’il s’agit d’un djinn comme on n’en a jamais vu. Il est plus vulnérable, plus humain. Il est constitué d’un ‘feu subtil’ – ce qu’on appelle aujourd’hui électromagnétisme – et sa présence est très étrange dans le monde moderne qui, d’ailleurs, représente une menace pour lui ». L’acteur renchérit : « On voulait s’y prendre de manière authentique, sans jouer de manière excessive sur les codes et les figures imposées du genre. On a envisagé le personnage d’un point de vue physique, à travers ses dialogues et son accent. On l’a élaboré à partir de mon visage et de mon corps, et on a cherché à savoir comment mes caractéristiques physiques pouvaient avoir une incidence – ou pas – sur l’incarnation du personnage ».

C’est le comédien qui a soumis l’idée à George Miller de tourner d’abord les souvenirs du Djinn : « si j’avais été amené à raconter des histoires que je n’avais pas encore vécues, je n’aurais pas senti pleinement le poids de ces trois mille ans d’attente et de désir. […] En tournant d’abord les scènes de récits du Djinn, ceux-ci sont devenus de véritables souvenirs pour moi, en tant qu’acteur, et ces univers très précis se sont inscrits dans mon esprit. »

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Le titre du film fait référence à une figure fantomatique légendaire de la mythologie irlandaise qui pleure la nuit pour annoncer une mort dans les environs. Bien que cela ne soit pas explicite dans Les Banshees d'Inisherin, une femme âgée sur Inisherin, Mme McCormick (Sheila Flitton), est l'incarnation physique de la Banshee.