Top 10 - 1984

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Sergio Leone à la poursuite du mythe nourricier, ou la quête initiatique d’un continent et d’une époque. Pour lui, une aventure personnelle de dix ans. Pour le cinéma, un monument élégiaque et méditatif, torrent d’images, d’hémoglobine, d’alcool, de strass et de dollars. Derrière la complexité d’une construction tentaculaire, les strates vaporeuses du temps et du souvenir, les teintes de l’épopée données à un destin sans grandeur, et l’envers d’un rêve américain payé au prix d’une amitié trahie.

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Une telle merveille s’accommode difficilement de mots. Extrêmement douce, saturée d’apports extérieurs, son alchimie secrète se compose de nature, d’images d’Amérique, de quête de soi et d’ouverture à l’autre. Le ciel est rouge et bleu, les lampadaires s’allument, la voiture roule dans le crépuscule du Texas, l’enfant retrouve sa mère tandis que dehors le père s’éloigne. Aventure terrestre inscrite dans une perspective de fuite et d’infini, l’errance de Travis n’en finit pas de nous ouvrir le cœur.

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Le "Late show" américain, dont l’esprit caustique entre café-théâtre et Hara-Kiri brocarde la politique, le sexe, la religion, bref tout ce qui relève de la norme, fusionne ici avec un délire fantastique à grande ampleur. Une bande de zozos lutte contre la crise ectoplasmique le long d’une épopée iconoclaste, aussi hilarante que spectaculaire, dont les coups de griffe ironiques et les visions d’outre-tombe procurent un plaisir fou. Je la chéris comme la tendre madeleine qu’elle sera toujours.

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Champion toutes catégories de l’aventure à rebondissements accélérés, Spielberg enfonce le clou du premier volet. Réinventer le divertissement intelligent ne suffit plus, il s’agit désormais de faire reculer les limites du spectacle hollywoodien. La concurrence est atomisée. Parce qu’aux commandes du sidérant roller coaster il y a un véritable génie, et que l’héroïsme le plus glorieux s’y découvre à visage humain. Soit, derrière l’étourdissante frénésie, la classe ultime d’un moral de vainqueur.

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Affreux farfadets transformant un havre de paix en pandémonium proliférant, les gremlins mettent l’Amérique profonde à sac. Les citations à saisir au quart de tour, les trouvailles en cascades et le délire de créativité peuvent laisser croire que Dante a travaillé sous l’empire hilarant de quelque drogue douce. Sa nuit de Walpurgis se fête à la sauce satirique et au piment de l’anti-establishment, le long d’une farce mal élevée rappelant qu’au fond nous restons tous un peu de sales garnements.

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Sorti en France 2006, le film s’offre comme une récapitulation anticipée de tout le corpus miyazakien. C’est dire à quel point la vision de l’artiste est cohérente, ses hantises affirmées, et à quelle hauteur se situent ses tableaux de ciel infini, de guerres rougeoyantes et de nature corrompue par la folie des hommes. Comme toujours Miyazaki ignore les raccourcis schématiques : ses personnages forts et complexes, sa poétique sage et universelle, la vastitude de son champ narratif subjuguent.

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Les paramètres esthétiques et les traits culturels d’une époque trouvent souvent leurs origines au cinéma. Ce film en est l’exemple, par son imagerie de bleu, de noir et d’acier, son traitement purement somatique de l’action. Pourtant c’est dans la force délicate d’un amour traversant le temps qu’il trouve sa plus belle expression. Ou comment Cameron rappelle que, même lorsqu’il orchestre des apocalypses guerrières et des ballets d’armatures cybernétiques, l’humain aura toujours sa préférence.

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Attention : De Palma, l’exégète du voyeurisme et de la manipulation, nous regarde le regardant filmer. Son art du trompe-l’œil, de l’obsession névrotique, de l’équivocité spéculaire nous perd dans un écheveau d’apparences artificielles, qui superpose les vérités truquées, allonge les travellings, multiplie les plans débullés et les césures horizontales et verticales dans le cadre. L’exercice flanque le tournis et démonte avec une trivialité craspec l’envers fétide de l’industrie des images.

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Vécu comme une aventure passionnelle dès sa conception, le film offre le plaisir d’une forme épurée, transcendée. La beauté du thème s’allie, comme toujours chez Resnais, à celle du style, inséparable du contenu. Soit un kaléidoscope émotionnel sur l’irradiation amoureuse, dont la perfection du découpage égale l’originalité du rapport au son, et qui touche par la grâce extasiante de sa texture, par l’attention vibratile avec laquelle il parcourt la fine membrane séparant les morts des vivants.

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Depuis Kubrick et Fellini, le septième art sait filmer le XVIIIè siècle et ses danses macabres éclairées aux chandelles. Forman accuse cet héritage, prend le meilleur du cinéma américain et lui rend au centuple. Il affine l’oreille pour faire partager l’incommunicable, atteint les tréfonds de l’être sans donner l’impression d’avoir chié du marbre – comme dirait Mozart. En faisant de la beauté avec de la beauté, il élève son tombeau à un génie grotesque et restitue sa grandeur à l’acte de création.