Les films avec les meilleurs costumes selon abscondita

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Le responsable du maquillage, Rick Baker, est un passionné de singes, qui a notamment créé les maquillages de singes pour le King Kong de 1976, pour La Femme qui rétrécit (1981), pour Greystoke (1984), pour Gorilles dans la brume (1988) et pour Mon ami Joe (1998). Rick Baker crée de nombreux masques, contrairement au film de 1968 où il n'y avait qu'une structure de masques pour chaque espèce de singes (chimpanzés, gorilles et orangs-outans). Il n'a que quatre mois pour concevoir et produire des centaines de maquillages de singes. En raison de ce délai très court, Beker réalise trois types de masques. Le « numéro un » est destiné aux interprètes principaux avec quatre heures de maquillage et de pose de prothèses sculptées. Le « numéro deux » concerne les personnages secondaires ; il nécessite deux heures de travail et s'enfile par la tête. Le « numéro trois » est réservé aux figurants ; ce sont des « masques en caoutchouc mais dont chaque poil est fixé individuellement ». En plus des prothèses faciales du « numéro un », les interprètes principaux portent des crocs taillés sur mesure. Les masques « numéro deux », eux, ne peuvent bouger que la mâchoire mais pas le reste du visage. Pour gagner du temps, les maquilleurs sont répartis en départements, un pour le moulage, un pour les poils et postiches, et d'autres pour les dents, les mains, les oreilles et les doigts.

La costumière Colleen Atwood réalise plus de mille costumes, parmi lesquels ceux de l'équipage du vaisseau spatial, ceux des barbares humaines et ceux des multiples représentants de la société des singes. Les uniformes blancs sont des hommages au film de 1968 mais le reste est entièrement nouveau. Les armures de singes sont, elles, sculptées puis moulées en fibre de verre.

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Jenny Beavan, cheffe costumière britannique oscarisée à deux reprises (Chambre avec vue et Mad Max Fury Road), s'est chargée de créer les costumes de Cruella. "Il y avait quelque chose de très clair dans le scénario, et notamment la rivalité des deux personnages principaux. La Baronne est pour moi un très bon designer, sans aucun doute. Mais elle a légèrement dépassé sa date de péremption. Elle est encore un peu à la mode, elle plaît probablement encore à un vaste public de femmes âgées. Mais Cruella représente tout le contraire : la rebelle, l'enfant qui vient d'un milieu assez épouvantable, mais qui a une sorte d'esprit et un amour de la mode, du dessin, des vêtements et de l'assemblage",

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La chef costumière Penny Rose a réalisé pour chacun des personnages un costume personnel customisé selon leur histoire et caractère. Ainsi, s'ils sont tous en kimono, les tenues que portent les ronin sont bien plus colorées et modernes que les véritables costumes de samouraï.

Après s'être documentée avec son équipe sur les tenues portées par les Japonais au XVIIIème siècle, Penny Rose y a incorporé une touche de modernité, prenant quelques libertés au niveau des couleurs et des tissus. Il fallut confectionner, majoritairement à la main, les différents costumes des personnages principaux (certains, comme Oïshi, en ont une bonne dizaine), ainsi que ceux destinés aux quelques 900 figurants du film. Les costumiers eurent à préparer près d'un millier de kimono blanc, base de tout costume, avant même de s'attaquer à la création des tenues originales. 400 armures en plastique furent également fabriquées à Budapest, en imitant l'imprimé du cuir, qui se portait à l'époque.

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Chacun des costumes du film a été cousu à la main avec les tissus fabriqués comme à l'époque. Aucun accessoire n'a été acheté. Mêmes les armures métalliques ont été assemblées à la main. Sandie Blackie, qui assistait Kate Harrington, la chef costumière, se souvient : " Nous avions jusqu'à 200 personnes qui travaillaient en même temps, vingt-quatre heures sur vingt-quatre, pour que tout soit prêt à temps. Il fallait habiller jusqu'à 160 personnes par jour. "

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Mark Bridges, le créateur des costumes des trois derniers films de Paul Thomas Anderson, Inherent Vice, The Master, There Will Be Blood, n’a pas eu d’autre choix, pour répondre aux attentes de son réalisateur, que de s’atteler à la création de costumes aussi raffinés que ceux de l’époque, puisqu’il était hors de question de les emprunter aux différents musées. Sa tâche dès lors a été d’illustrer la trame narrative avec ses costumes qui devaient refléter la psychologie de chacun. Il a résisté à la tentation de s’inspirer d’un seul couturier et a créé cinquante costumes, dont neufs pièces uniques et originales qu’il a utilisé lors d’un défilé au printemps dernier. Il a commencé en se documentant dans des éditions vintage de Vogue et de Harper’s Bazaar, et en visionnant des archives Pathé des années 50 pour se faire une idée précise du style de l’époque.

Il lui arrivait de passer des heures entières avec le réalisateur et le comédien à décider de l’inspiration du couturier esthète. Il a également réuni des costumes de l’époque des quatre coins du monde, mais ils étaient tous fanés et usés par le temps. Ils ont alors réalisé qu’il leur faudrait créer de toutes pièces plus de costumes qu’ils n’avaient pensé. Les archives du Victoria & Albert Museum de Londres lui ont servi pour étudier les techniques utilisées sur les pièces emblématiques des collections de Balenciaga ou Hardy Amies, dont les pièces maîtresses, que porte Vicky Krieps dans le film, sont inspirées. La simplicité de la conception de ces chefs-d’oeuvre n’a cessé de sidérer le costumier.

Paul Thomas Anderson a toujours été captivé par le glamour et les histoires d’amour passionnelles très noires du milieu du XXe siècle, et spécialement Rebecca d’Alfred Hitchcock. "Cela faisait longtemps que j’attendais un scénario qui me permettrait de mettre en scène une relation triangulaire du genre de celle de Rebecca, dans une atmosphère excessivement raffinée qui se prêterait à un romantisme macabre." Daniel Day-Lewis et le réalisateur se sont alors plongés dans des recherches sur l’histoire de la Haute Couture, dévorant les ouvrages à propos des plus grands créateurs, de Balenciaga à Dior en passant par Charles James ou Alexander McQueen, qui dans sa jeunesse cousait des messages dans les doublures des costumes qu’il fabriquait pour les plus grands de ce monde, y compris le prince Charles. Day-Lewis nous explique : "Après la guerre, le monde de la mode s’est scindé en deux : il y avait Paris, le leader, là

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Dans le film, certaines femmes portent de vrais costumes d'époque en dentelle avec tout l'attirail. La chef costumière, Kate Hawley, avait pour consigne de ne pas utiliser de blanc, de noir ou de rouge. Elle a donc choisi des tons dorés, bleus et verts.

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Les costumes futuristes et hauts en couleurs qui habillent tous les personnages du film sont signés Jean-Paul Gaultier. La même année, il sortait sa première collection Haute Couture "Gaultier Paris".

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Les costumes du film sont pour la plupart des costumes originaux rachetés par Kubrick. Certains costumes ont également été copiés à partir de tableaux et dessins du XVIIIe.

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Même si la grande majorité des costumes Na'vi ont été réalisés numériquement, de nombreuses tenues et une grande partie des bijoux ont été fabriqués comme des éléments réels et tangibles. La chef costumière Deborah L. Scott explique :

"Nous avons fabriqué entièrement les vêtements parce qu’il est impossible d’en comprendre le mouvement sans avoir la pièce entière. Un vêtement lourd, léger, fibreux, façonné avec des plumes ou des franges ne bouge pas de la même manière dans l'air, face à la brise ou sous l'eau. D’où la nécessité pour nous d’en avoir un exemplaire pour voir la façon dont il se comporte."

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L’équipe de la chef costumière Colleen Atwood a créé ou fourni plus de 200 costumes pour les artistes et 500 autres pour la foule des spectateurs. Pour illustrer la dimension grandiose et démesurée de Dreamland, Tim Burton et son équipe ont imaginé une sorte de pièce montée humaine mettant en scène 54 danseuses, des costumes spectaculaires et une chorégraphie complexe. Le chorégraphe Kristian Kristof s’est associé à un de ses homologues de Kiev, en Ukraine, pour créer un ‘gâteau’ à deux couches composé d’environ 20 danseuses. Il raconte : "Quand j’ai montré une première séquence chorégraphiée à Tim Burton, il m’a dit qu’il avait adoré et que ça correspondait exactement à ses attentes, mais qu’il voulait encore plus grand. ‘Plus grand à quel point ?’, ai-je répondu, et il m’a dit : ‘Ajoute simplement un niveau’. Avec 30 ou 40 danseuses de plus, ça lui allait très bien !"

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Superbes maquillages et coiffures des indigènes.

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Costumes du 19e siècle.
Le film a reçu le césar 2022 des meilleurs costumes

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Après un long travail de documentation, la cheffe costumière Linda Muir s'est lancée dans la conception et la réalisation de 120 costumes originaux, pour les villageois slaves, les esclaves de la Baltique, les travailleurs de la ferme et les hommes et femmes vikings. Cela représentait 750 tenues d’homme et 430 tenues de femme, de différents rangs sociaux.

Toutes les armes de The Northman ont été façonnées à la main. Tommy Dunne, maître armurier qui a travaillé sur Game of Thrones, a obtenu confirmation auprès d’historiens des pièces qu’il devait attribuer à chaque personnage, et pour quelles raisons. Il a fait des recherches sur les dimensions des épées, des boucliers, des haches, sur les bois utilisés pour les pommeaux, et il s’est assuré que chaque arme était fidèle à l’époque.
Avec l’aide de ferronniers et de forgerons, il a supervisé, dans une fonderie de Dublin, le façonnage de chaque arme selon qu’elle était d’origine slave ou islandaise.

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L'action de The Assassin se déroule en Chine durant le 9ème siècle sous le règne de la dynastie des empereurs Tang (618-907). Le réalisateur Hou Hsiao-Hsien s'est beaucoup documenté sur l'époque en lisant notamment de nombreuses annales et chroniques historiques. Le cinéaste tenait à ce que le moindre détail paraisse réaliste et authentique, des costumes à la manière dont les gens mangeaient.

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Les décors somptueux traduisent la puissance des empereurs moghols et la splendeur de leur règne de même que les costumes richement brodés et les lourds bijoux pour la confection desquels K. Asif fait venir les meilleurs artisans de l'Inde entière

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superbes costumes du XVIIIe siècle

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"Il ne s'agissait pas de créer la mode de demain, qui sommeille déjà aujourd'hui en chacun de nous, ni celle d'après demain car elle prend certainement déjà forme dans l'esprit des grands couturiers, mais la mode de l'an 2000, une époque qui nous paraît si lointaine qu'elle ne peut exister que dans l'imaginaire. (...) Qui sait si les gens de l'an 2000 porteront ce genre de vêtements ? Peut-être un jour verront-ils Métropolis et seront-ils étonnés de constater à quel point l'imagination est proche de la réalité." ( Aenne Willkomm qui a réalisé les costumes)

La difficulté principale pour Aenne Willkomm était de trouver deux costumes fondamentalement différents pour Brigitte Helm : "La tenue de la gentille Maria devait avoir des tons lumineux et reposants, afin de rappeler une ancienne icône de madone. Pour le rôle du robot au contraire, son costume devait avoir un aspect aussi criard et glaçant que possible. Au corps de femme nu et pâle on fixa de petites pierres brillantes, pour renforcer cette impression de froideur extrême de la machine."

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Si l'époque de Ramsès II (-1304/-1213) est bien documentée grâce aux trouvailles archéologiques et aux travaux des historiens, la chef costumière Janty Yates confie pourtant s'être aussi inspirée d'Andreï Roublev de Tarkovsky, notamment pour les armures et les casques. Pour les Nubiens, les photographies de la tribu des Noubas de Kau du Soudan (prises dans les années 1970 par Leni Riefenstahl) servirent de référence.

Pour faire transparaître à l'écran l'importance de la femme à l'époque égyptienne, des costumes riches et imposants ont été créés pour Sigourney Weaver, qui joue la mère de Ramsès. La costumière Janty Yates explique : "Les tenues qu’elle porte, ses coiffures et ses sublimes bijoux soulignent les grandes ambitions qu’elle nourrit pour son fils."

Janty Yates et Stefano de Nardis, costumiers sur le plateau d'Exodus : Gods and Kings, se sont retrouvés face à une multitude de costumes à créer (pour les personnages principaux et les figurants). Afin de finir dans les temps, ils ont monté une usine à Ouarzazate (Maroc) où travaillaient des tailleurs, couturières, brodeuses, ouvriers métallurgistes, cordonniers et bijoutiers.