Les meilleures comédies musicales selon abscondita

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La première séquence dansée, intitulée Traffic, représentait un incroyable défi chorégraphique. "C'était énormément de travail", affirme la chorégraphe Mandy Moore. "Notre bureau était couvert de Post-it précisant les marques de chaque voiture, l'identité de chaque personne censée grimper sur tel ou tel véhicule, et les voitures qui devaient être renforcées. C'était une logistique hallucinante". La scène se déroule sur une portion d'autoroute, qu'il a donc fallu couper pendant le tournage. La production ne disposait alors que d'un temps très limité pour utiliser l'échangeur de l'autoroute. "Tout devait fonctionner sans accroc une fois que les caméras se sont mis à tourner, car on n'avait pas droit à la moindre erreur. Du coup, on a répété pendant trois mois en amont afin de répondre aux attentes de Damien en une seule prise", (Ryan Gosling).
"On a donc commencé par agencer un espace dans le parking du studio où on a installé de fausses séparations des voies et des voitures pour que Damien, Mandy et les comédiens puissent répéter. Puis, on a disposé d'un très bref laps de temps pendant lequel la police autoroutière de Californie a fermé l'autoroute et nous a permis de tourner cette séquence extrêmement complexe. Et comme par magie, tout s'est très bien passé". (David Wasco, chef décorateur)

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Steven Spielberg s’attaque à une nouvelle adaptation de la comédie musicale créée à Broadway en 1957. Elle avait déjà été portée à l’écran en 1961 par Robert Wise et Jerome Robbins. Se frotter à un tel monument était un véritable défi, même pour un réalisateur aussi chevronné que Steven Spielberg : « Ce film est probablement le plus intimidant de toute ma carrière. West Side Story est sans doute la plus grande musique jamais écrite pour la scène, et nous en étions tous conscients. C’est terriblement angoissant de revisiter un chef-d’œuvre, de le faire passer au filtre de sensibilités et de regards différents sans compromettre l’intégrité de ce qui est généralement considéré comme la plus grande musique jamais composée pour un musical. Mais je suis convaincu que les grandes histoires doivent être racontées encore et encore, en partie pour refléter à travers l’œuvre différentes perspectives et différentes époques. »

Le chorégraphe Justin Peck connaissait bien le spectacle original puisqu’il a interprété Bernardo quand il avait 18-19 ans. Il a cependant décidé de ne pas réutiliser la chorégraphie originale et de repartir de zéro : « mon approche créative a consisté à chorégraphier les numéros dans leur intégralité. Je voulais que les interprètes fassent l’expérience de ce que c’était que d’aller du début à la fin d’une chanson, afin qu’ils aient une idée précise du fil conducteur et de la construction de la scène, quand bien même nous la filmions morceau par morceau. Steven Spielberg et moi écoutions la musique et faisions le découpage pour savoir comment tourner chaque section particulière de chaque numéro. Il dessinait des croquis en imaginant comment la caméra saisirait le mouvement, si bien que ses schémas sont devenus une carte dictant la façon de filmer. » Parfois, pendant les répétitions, Peck déplaçait le réalisateur, qui était installé dans une chaise de bureau à roulettes, dans le studio afin que celui-ci visualise sa mise en scène avec son iPhone.

Le numéro “Dance at the Gym” a nécessité plus de 60 danseurs et plus de 150 figurants, avec une chorégraphie complexe et beaucoup d’éléments mobiles. Ce numéro a impliqué l’usage d’une spidercam, une caméra suspendue à des câbles.

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Un violon sur le toit (Fiddler on the Roof) est une comédie musicale en deux actes de Joseph Stein, paroles de Sheldon Harnick et musique de Jerry Bock, basée sur l’œuvre de Cholem Aleikhem.
Créée à l’Imperial Theatre de Broadway le 22 septembre 1964, la pièce originale a connu 3 243 représentations et a été récompensée par neuf Tony Awards en 1965.
Elle a, par la suite, été jouée dans plusieurs pays, traduite en plusieurs langues et adaptée au cinéma en 1971.

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Fantasque et éclectique, la bande originale de Moulin Rouge réunit notamment David Bowie (Nature boy), Bono (U2), Elton John, Paul McCartney, Beck (Diamond dogs), Rufus Wainwright (Complainte de la Butte), Christina Aguilera, Lil'Kim Mya & Pink (Lady Marmelade) et bien entendu Nicole Kidman et Ewan McGregor. Comme le confirme le directeur musical Marius DeVries, les choix des musiques étaient illimités, et affirme que son seul but était de "susciter des émotions inédites et surprenantes".

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Au début des années soixante, la comédie musicale hollywoodienne est en plein déclin à Hollywood. West side story va connaître un succès énorme en rompant complètement avec les codes du genre. La joie de vivre fait place dans ce film au drame, le mythe de l'American way of life est démonté en présentant les difficultés des immigrés portoricains à s'intégrer, et les séquences dansées représentent pour la plupart la violence avec laquelle deux gangs rivaux s'opposent.

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Annette est la première comédie musicale de Leos Carax. « Le grand problème, mon grand regret, est que je ne peux pas composer de musique moi-même. Et comment fait-on pour choisir, puis travailler, avec un musicien ? Ça m’inquiétait beaucoup. » Il ajoute : « Le genre musical donne au cinéma une autre dimension — presque littéralement : espace-temps-musique. Et ça apporte une liberté extraordinaire. On peut diriger une scène en suivant la musique, ses mouvements, ou au contraire en luttant contre elle de mille moyens. On peut convoquer toutes sortes d’émotions contradictoires, d’une façon impossible dans un film où les personnages ne chantent et ne dansent pas. On peut être en même temps grotesque et profond. »

Annette met en scène un comédien de stand-up et une chanteuse lyrique. Deux univers a priori opposés mais qui ont pour commun d’être « deux choses très organiques, qui dépendent d’un système anatomique complexe — celui-là même, vital, qui nous sert à respirer. » Leos Carax poursuit : « Alors je me suis mis à voir tout le film comme une métaphore de la respiration. L’inspiration, le souffle: vie et mort bien sûr, rire et chant, la femme qui doit bien respirer pour donner vie, le souffle qu’à certains moments on retient, dans la vie et au cinéma... Et la respiration comme rythme musical. »

Annette est une comédie musicale quasiment dépourvue de dialogues, les chansons se substituant à ces derniers. Les acteurs chantaient en live sur le plateau et non en playback. « Ça implique de ne pas chercher la performance. Chanter devient plus naturel ; souffle et respiration deviennent visibles, font partie du jeu. C’est émouvant à faire, ou à voir faire. C’était plus simple pour Adam que pour Marion je crois. Marion voulait que son chant soit toujours meilleur, Adam n’avait pas trop ce souci. » ( Leos Carax)

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Le cinéaste a fait appel à deux stars américaines de la comédie musicale : l'acteur et réalisateur Gene Kelly ainsi que George Chakiris, vu dans West Side Story.

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Les pistes orchestrales et le chant ont été préenregistrés avec un orchestre symphonique complet de 82 musiciens dirigé par Paul Gemignani (habitué des comédies musicales puisqu'il a travaillé sur Into the Woods et Sweeney Todd) au studio AIR Lyndhurst à Hampstead. Rob Marshall voulait s’assurer que les passages chantés soient intégrés harmonieusement au film, c'est pourquoi il a fait à nouveau enregistrer les voix des acteurs sur le plateau afin de capter l’énergie du direct.

Les auteurs-compositeurs ont créé pour le numéro de danse et de chant Luminomagifantastique (Trip a Little Light Fantastic en V.O.) un jargon propre aux allumeurs de réverbère surnommé le "leerie speak" ("leerie" est un vieux mot écossais pour désigner ce métier), sorte d'argot cockney.

Le tournage du plus grand numéro de chant et de danse du film a duré deux semaines, avec parfois jusqu'à 50 danseurs à l'écran en même temps. Les extérieurs de cette séquence de huit minutes ont été filmés à Middle Temple à Londres pour profiter de ses rues pavées, ses arcades et ses passages réputés. Quant au décor construit en plateau, il comprenait cinq niveaux différents, dont une fontaine décorée à trois étages, un pont, une serre et vingt-cinq lampadaires hybrides fonctionnant à l'électricité et au gaz. Cinq caméras ont été utilisées pour capturer l’ampleur et l’envergure de la scène dont une caméra fixe, deux grues, une caméra aérienne et une montée sur un chariot de travelling. 28 lampadaires équipés d’un socle rotatif et de sections adaptées aux mouvements de danse ont été spécialement créés pour le numéro, ainsi que 18 échelles en métal, en caoutchouc et en balsa. L'équipe a également acheté 100 BMX qui ont ensuite été vieillis.

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Contrairement à son travail pour Sweeney Todd, le diabolique barbier de Fleet Street de son copain Tim Burton, Johnny Depp ne pousse pas la chansonnette dans Cry-Baby, mais est doublé par la chanteur américain James Intveld. Il en va de même pour sa partenaire à l'écran, Amy Locane, doublée par la chanteuse Rachel Sweet. Cette dernière avait d'ailleurs déjà travaillé avec John Waters sur la bande-originale d'Hairspray, dont elle interprètait la chanson titre.

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Avec Cabaret, Grease et La Fièvre du Samedi Soir, Phantom of the Paradise fait partie des rares comédies musicales des années 1970.

Paul Williams, qui joue le rôle de Swan, a également composé la musique du film, qui cite avec talent les différents courants musicaux de l'époque (pop, folk, rockabilly, glam rock...). Il prête sa voix au personnage de Winslow lorsque celui-ci chante en studio grâce à son vocoder.

Swan s'inspire de Phil Spector, producteur emblématique des années 60 qui travailla notamment avec les Beatles. Personnage haut en couleur qui révolutionna l'enregistrement en studio par l'utilisation de la stéréo, il est revenu sur le devant de la scène pour le meurtre de Lana Clarkson en 2003 dont il fut reconnu coupable. Il purge depuis 2009 une peine de 19 ans de prison.

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Victor / Victoria est en fait le remake d'un film allemand réalisé en 1933 par Reinhold Schunzel, et intitulé Viktor und Viktoria. Comédie musicale oblige, Victor / Victoria a également fait l'objet d'une adaptation sur la scène de Broadway en 1995, avec toujours dans le rôle-titre Julie Andrews. Le spectacle a été filmé par Blake Edwards lui-même.

Auteur du célébrissime thème musical de la La Panthère Rose, Henry Mancini a remporté un Oscar pour son travail sur Victor / Victoria. C'est également le compositeur fétiche de Blake Edwards, pour lequel il a écrit la musique de plus de 25 films depuis L'Extravagant Monsieur Cory en 1957.

Contrairement aux années 1950 puis 1960 où les comédies musicales avaient largement le vent en poupe, ( et notamment celles avec Julie Andrews comme Mary Poppins en 1965, La Mélodie du bonheur et ses 5 Oscars), le genre musical était tombé en désuétude au début des années 1980. Presque plus aucun studio n'acceptait alors de financer de telles oeuvres. Blake Edwards doit la réussite de son entreprise à la confiance que le patron de la MGM de l'époque, David Begleman, avait alors en lui. Lorsque le budget fut dépassé, Begleman se rendit sur le tournage pour voir si ce dernier pouvait continuer. Mais il fut tellement impressionné par la qualité de ce qui avait été fait jusqu'alors qu'il donna son accord pour la poursuite du tournage du film.

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Nadine Labaki a décidé de raconter son histoire à travers des scènes musicales. Ayant regardé et aimé les films "Grease" et le dessin-animé de "Cendrillon (Cinderella)", elle souhaitait restituer un peu l'ambiance des contes et des fables dans son film. Cela lui permettait de prendre plus de libertés scénaristiques et d'apporter de la légèreté par rapport à la gravité du sujet.

Khaled Mouzanar, le compositeur de la musique du film est aussi le mari de la réalisatrice. Elle aime sa faculté à écrire la musique dès la lecture du scénario, et quelques fois à l'écrire avant que les scènes ne soient elles-mêmes écrites...
"Parfois, alors que je suis dans la chambre de mon fils à lui lire une histoire ou bien à la cuisine, je suis surprise d’entendre un air que Khaled joue au piano et qui convient parfaitement à une scène que j’ai imaginée. Elle arrive naturellement. Dans le cas de ce film en particulier ça tombait bien puisqu’il fallait que les chansons du film soient prêtes avant le début du tournage !"

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Crée en 1912, la pièce "Pygmalion", dont My Fair Lady a connu 72 représentations, avant d'être reprise en 1927, 1938, 1945, 1987 et 2007.

My Fair Lady est la seule pièce d'Alan Jay Lerner et Frederick Loewe à avoir été adaptée avec la plus grande fidélité sur grand écran, dans la mesure où aucune chanson jouée sur les planches n'a été laissée de côté pour le passage sur grand écran, et qu'un numéro a même été ajouté pour la version cinéma : celui de "You Did It".

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Cyrano est l'adaptation pour le cinéma d'une pièce de théâtre d'Erica Schmidt, compagne de Peter Dinklage.

Peter Dinklage a auditionné pour la première fois pour le rôle de Cyrano en 2016. « Peter était Cyrano avant même de le jouer, je n’avais jamais entendu ou vu aucune version qui se rapproche un tant soit peu de l’intensité qu’il dégageait », raconte Érica Schmidt, qui n’est autre que la compagne du comédien. Celui-ci se souvient : « Ça faisait un petit bout de temps qu’Érica travaillait sur le projet. Je l’ai laissée faire et quand j’ai entendu la musique composée pour la pièce, j’ai proposé une lecture. […] j’étais conquis par le carnet de la comédie musicale et l’écriture de mon épouse ».

Bryce et Aaron Dessner, du groupe The National, ont signé la musique de la pièce d’Érica Schmidt, accompagnés de Matt Berninger (lui aussi membre de The National) et Carin Besser, sa femme, qui ont écrit les paroles, créant un carnet musical qui se voulait volontairement assez vague afin que chacun puisse y projeter ses propres complexes. C’est ainsi qu’il n’y est jamais question de la taille de Peter Dinklage. Certains morceaux ont été retravaillés ou rajoutés pour la version cinéma. C’est le cas de la chanson du film Every Letter, qui a été créée spécialement pour le grand écran.

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Comédie musicale noire.

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Adaptation de la comédie musicale du même titre de Jonathan Larson (2001).

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Lars von Trier, soucieux de prendre le contre-pied du cinéma traditionnel, a opté pour un dispositif de 100 caméras, dont les emplacements furent décidés en collaboration avec Vincent Paterson, afin de filmer les chorégraphies en une succession de plans fixes.

« Les comédies musicales font partie du genre mélodrame, je suppose, mais celles que j'ai vues enfant n'étaient jamais vraiment dangereuses. On ne pleurait pas. Les comédies musicales, comme les opérettes, se caractérisent par leur légèreté. En tant que genre, elles n'exigent pas beaucoup de vous – quasiment rien. Les premières comédies musicales étaient très légères. Après, il y a eu le fantastique West Side Story, avec une histoire plus dramatique. »
« La différence entre un opéra et une opérette, c'est que l'opéra traite de sujets plus graves. West Side Story ressemble plus à un opéra que, disons, Singing in the Rain, où tout le drame de Debbie Reynolds se résume presque au fait de rater… ou pas sa carrière. Normalement, il se passe des choses légères dans les comédies musicales. Avec Dancer in the Dark je voulais que tout soit pris aussi sérieusement que dans un opéra. Je crois que c'est un art d'être capable de susciter une telle émotion avec quelque chose de si stylisé. J'adorerais en éprouver autant avec quelqu'un qu'on tue avec une épée en carton… »
(Lars von Trier)

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Dans la forme, Tous en scène ne propose finalement rien de neuf par rapport aux comédies musicales hollywoodiennes classiques. La structure et le contenu sont en effet basés sur la préparation d'un spectacle. Mais on décèle, dans le fond, de nombreux éléments novateurs. Les thèmes du vieillissement, de l'échec ou encore de la remise en question sont notamment introduits avec un humour parfois cinglant. D'autre part, la perfection est ici à son paroxysme. Chacun des numéros présents dans cette œuvre est entré dans la légende du genre. Mention spéciale pour le superbe ballet final, où Cyd Charisse transperce l'écran et pour la chanson There's a Shine on my Shoe, dans le parc de jeux.