Les meilleurs films de 2021 selon takeshi29

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Est-ce un film fantastique, une romance, un mélodrame ? Ce n'est rien de tout ça et tout ça à la fois mais ça n'a finalement que peu d'importance. Car la force de ce nouveau (et plus beau) Mathieu Amalric réside dans sa faculté à oser, à ne pas se soucier de la vérité.

Il s'agit de la vérité de la souffrance d'une femme qui s'en va (selon le synopsis), et à partir de là ce personnage et donc son marionnettiste ont tous les droits. Celui de faire d'un souvenir, d'un fantasme, d'une rêverie une vérité qui ne peut se contester, de considérer que passé, présent et avenir ne font qu'un, de tuer les distances géographiques ou spirituelles, car oui le cinéma est le lieu de l'imaginaire, cet imaginaire qui peut perdre et/ou sauver, dans lequel réside parfois la survie face à l'intolérable, à l'insupportable.

« J'aime bien te regarder les yeux fermés », tout ce "Serre moi fort" est dans cette phrase prononcée par une Vicky Krieps, à l'image de ce film labyrinthique, déchirante.

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Si cet OFNI n'est pas mangé par la commission de classification des films (Ils vont devoir se dépêtrer avec 5 minutes de porno pur d'entrée de jeu) et si les exploitants ne craignent pas quelques crises cardiaques dans leurs établissements, ill pourrait bien être le choc de cette fin d'année.

Comme souvent avec le Roumain Radu Jude il y a de la provocation, mais pas de la gratuite, c’est intelligent, drôle, cruel. Une implacable et jouissive (Pardonnez le jeu de mots) photographie de notre société contemporaine, de l’état d’un pays, d’un monde devenu fou.

Je croise les doigts pour que cet Ours d'Or berlinois (Festival qui démontre une fois de plus qu'il a de gros gros attributs) sorte bien le 15 décembre, tellement hâte d'avoir vos réactions.

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Comme à son habitude Joachim Lafosse s'intéresse au mal qui ronge, à la désagrégation, et presque comme à chaque fois il le fait de manière magistrale. Il ne va pas chercher les larmes et pourtant les provoque, avec sa caméra qui scrute, qui épouse les corps, les visages, les âmes.

Le sujet peut faire peur, beaucoup s'y seraient fracassés, sans parler des dégâts collatéraux sur les acteurs désireux d'en rajouter. Et à ce niveau-là aussi c'est parfait, avec une Leila Bekhti surprenante de justesse et un Damien Bonnard qui confirme qu'il peut tout jouer.

Déchirant, à l'image de la partition d'Ólafur Arnalds.

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Conscience et conséquences dans la vie insensée d'un homme intègre... (cf critique)

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Je n'avais plus pris une telle claque avec un film iranien depuis "Une séparation" avec qui cette "Loi de Téhéran" partage deux points communs : la présence de cet incroyable acteur qu'est Payman Maadi et celui d'être un thriller.

Mais un thriller bien différent de cette vague post-Asghar Farhadi justement car ici on est certes dans le psychologique, et c'est une des innombrables qualités de ce film tendu comme un string, mais ça sue, ça chiale, ça saigne, ça castagne, ça raconte aussi une société ravagée, mais à coups d'uppercuts dans la gueule.

Si je n'ai pas mis 9 c'est pour trouver une raison supplémentaire de me précipiter en salles le 28 juillet pour revoir cette merveille qui n'a pas volé son Grand Prix et son Prix de la critique au tout récent Festival du film policier de Reims. Le public lui a choisi Pierre Niney et une triste "Boîte noire", no comment.

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Assurément mon énorme coup de ❤️ de la semaine et surtout ma plus belle surprise. Surprise de voir un cinéma français si ambitieux, si loin du nombrilisme/naturalisme, et autres termes en "isme", qui le gangrènent trop souvent.

2h47 et pas une minute de trop, un rythme certes lent mais qui correspond tout à fait au récit, au thème, celui d'une introspection, d'un jusqu’au-boutisme à la fois effrayant et déchirant, à l'image de cette dernière scène à couper le souffle, à faire couler les larmes.

Une page d'histoire, le parcours d'un homme, Arthur Harari s'empare de tout ça, l'étire, le traduit en un récit ample, qui questionne, et ce bien au-delà d'une simple séance de cinéma.

En deux films le garçon s'impose déjà dans le cinéma français, car il réinvente le genre, sans se la raconter, mais avec une très grande force.

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« Un amant exceptionnel ne peut faire qu'un mauvais mari. » (Audiard, mais pas le fils) (cf critique)

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Kirill Serebrennikov m'a encore mis la fièvre, pendant des heures... (cf critique)

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Quoi de mieux que ce film pour le baisser de rideau, tant il prouve à quel point rien ne remplacera jamais l'expérience en salle. En effet, tout est tellement travaillé, des détails sonores à la photographie en passant par une réalisation qui en fout par instants plein les mirettes, que seuls un écran gigantesque et un système sonore qui envoie du pâté peuvent servir d'écrin à un tel premier long en forme de coup de maître.

C'est du cinéma de genre certes, mais aussi une sacrée réflexion sociale, ainsi qu'une vision métaphorique particulièrement acérée sur cette période si particulière qu'est l'adolescence.

Et Just Philippot semble avoir déjà tout compris à ce qu'il faut réunir comme éléments pour ne pas permettre au spectateur de reprendre son souffle une seconde : une immersion immédiate, un sens du rythme parfait, des personnages fouillés mais gardant leur part de mystère, des visions qui font dresser les poils, un casting sans stars et pourtant irréprochable, et enfin ou plutôt surtout un talent de metteur en scène littéralement bluffant, le garçon se permettant de nous balancer quelques plans dignes des "Moissons du ciel" sans qu'un instant on ne pense à du sous-Malick.

Très très fort...

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Sur la vingtaine de films que j'ai pu voir pour le moment parmi la (faible) sélection officielle de Cannes 2020, c'est largement ce que j'ai vu de plus beau en terme de mise en scène et de photographie.

De plus beau ou de plus ch..., c'est selon, puisqu'on dirait du Nuri Bilge Ceylan. :-D

Autant dire qu'il aurait reçu la Palme d'Or si le festival n'avait pas été "covidé".

Edit au 15/03/2021 : Ce week-end une vingtaine de salles en France ont ouvert leurs portes au public pour des projections "test" professionnelles. Sachez que de telles actions pourraient bien se reproduire, alors soyez attentifs à ce qu'il se passe du côté de vos petits cinés préférés.

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A cette occasion j'ai revu "Février", en sélection et donc labellisé Cannes 2020, et bien entendu il est encore plus beau et déchirant sur grand écran, en le partageant avec d'autres êtres humains. Je souhaite de tout cœur que vous puissiez à votre tour vivre cette émotion, et pas dans votre canapé.

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Deux adaptations de Balzac en deux jours, j'avais peur que ça fasse beaucoup. Mais il m'aura fallu 10 minutes à peine pour me faire happer par ces "Illusions perdues", tout simplement parce que Xavier Giannoli est trop fort.

C'est du cinéma populaire au sens noble du terme, qui ne prend pas le spectateur pour un abruti. Reconstitution historique bluffante, grand grand spectacle en cinémascope, tornade de mots, qui n'est pas sans rappeler le "Ridicule" de Leconte, récit à rebondissements qui donne l'impression que 150 minutes en durent 90.

Et cette modernité dans le propos, qui donne à chaque réplique un aspect ludique et jouissif. L'éternelle comédie humaine, celle d'un roi sans couronne, celle des petits arrangements entre ennemis. Personne n'est épargné, mais ce qui aurait pu être de la pure démagogie est compensée par l'intelligence de la construction scénaristique qui d'une scène à l'autre renvoie chacun dos à dos.

« Un jour ou l'autre, pourquoi pas, un banquier entrerait au gouvernement. »

NB : J'ai hâte au 20 octobre pour voir quel accueil les critiques professionnels, qui prennent comme tous les autres très très cher, réserveront au film. Auront-ils le même recul que Giannoli ?

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Ne me lâche pas la main... (cf critique)

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Clairement la surprise à laquelle je ne m'attendais pas parmi les sorties de ce mercredi. J'allais voir un objet facile, conçu pour faire pleurer dans les chaumières, avec un Anthony Hopkins en mode bulldozer comme trop souvent.

Et je me suis retrouvé face à un premier film intelligent, fin, complexe, un huis-clos à la fois suffocant et bouleversant, à l'image de sa BO, avec un acteur qui EST ce père perdu.

Je pensais voir du théâtre filmé, ce qui aurait été logique de la part de Florian Zeller, mais celui-ci a tout compris à ce qu'est le cinéma, soit une question de point de vue. Point de vue du spectateur et point de vue des personnages, qui selon leur sensibilité et leur maîtrise de la situation, des émotions, peuvent décider (ou non) ce qui est vrai et ce qui ne l'est pas.

"The Father" nous place à hauteur de sénilité, nous donne le choix entre regarder du drame ou du fantastique. Qu'importe le genre, ce sera de toute façon un sacré film dont on ne sort pas indemne.

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Après avoir été un peu puis très vilain avec deux films français "Cannes 2020" à sortir je me devais de me rattraper avec le troisième. Et c'est avec un très grand plaisir que je le fais avec ce très surprenant "Médecin de nuit" qui ose balancer du thriller comme on n'en fait plus chez nous, qui ose tirer la noirceur au bout du bout en jouant brillamment avec les codes et en n'hésitant pas à user de la caricature pour "faire cinéma", jusque dans la dégaine de ce si beau personnage brillamment interprété par un Vincent Macaigne enfin sorti de sa zone de confort, son jeu tout en décalage donnant une épaisseur, une singularité à ce Mikaël dont on suit la descente aux enfers.

C'est tendu comme un string, émouvant, à l'image d'une bande-son qui à elle seule mérite qu'on voit ce film en salles, et terriblement bien écrit, la meilleure partie du récit se trouvant peut-être dans ces "zones de dégagement" que représente chaque visite chez les patients, d'où jaillissent douceur, poésie, radiographie sociale très précise, lucide et pourtant légère, comme une femme jouant au piano alors que tout s'écroule autour de lui, ce médecin de nuit...

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Pour avoir eu le bonheur de le voir en avant-première quelques jours avant le confinement je peux vous assurer que le prochain Tomm Moore est une bombe, un condensé de ce qu'il sait faire de mieux. C'est spectaculaire, profond, drôle, émouvant, d'une richesse incroyable dans le fond et la forme. Bref un grand spectacle familial, mais attention laissez les tout petits à la nounou sous peine de quelques nuits hantées par 2-3 images.

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En 30 minutes ce film tout simple, prix du Jury à Annecy en 2019, raconte tellement de choses sur la vie, ses joies, ses peines, sur le deuil, sur l'enfance empêchée, sur l'amour, sur la famille qu'on se choisit.

Une vraie réussite à voir en famille justement, espérons-le en salles (Il aurait dû sortir le 24 février associé à 2 autres chouettes courts : https://www.senscritique.com/activity/36924/43596939
https://www.senscritique.com/activity/36924/43596940)

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La gravitude des choses... (cf critique)

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Certains jours le choix de systématiquement refuser de lire un synopsis avant de rentrer dans une salle vous offre de divines surprises, et quelques instants de sidération.

Alors forcément je vais éviter de vous parler de ce que raconte ce film allemand divisé en 5 parties, et 5 années. Je vous dirai juste que c'est puissant, déchirant, inconfortable donc stimulant, que ceux qui comme moi déplorent l'absence de point de vue chez trop de cinéastes en auront pour leur argent.

Je sais que mon avis ne changera que très peu un fait, "Ce qui reste" a actuellement 8 notes et 40 envies sur le site, et je dois avouer que ça me rend triste de savoir que comme souvent le film le plus intéressant et marquant de la semaine risque fort de rester transparent.

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Décidément la maturité réussit à certains (Suivez mon regard !), en effet après le magnifique "Michel-Ange" Andreï Kontchalovski revient avec un thriller historique impressionnant.

Un noir et blanc incroyable, un usage du plan fixe vertigineux, le tout au service d'un récit implacable, rude, et surtout intelligent, le bonhomme ayant la délicatesse de montrer que l'humanité est partout, même chez les pires de chez ses ennemis idéologiques.

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Voici le film compliqué à débusquer en salle du moment que je conseille vivement.

C'est une vraie proposition de cinéma mais pas que, parce qu'il ne s'agit pas d'un simple exercice de style, huis-clos où l'art du cadre et du déplacement sont rois, où la place d'un objet fait sens, car il y a de la cruauté, de la douleur dans ces marivaudages bavards où pourtant les regards parlent plus que les mots.

C'est donc léger en apparence mais profondément intelligent et complexe sur la durée, et le regard, le sourire d'une certaine Henriette Confurius me poursuivront longtemps.

NB : Existe-t-il actuellement un film sans le "voyage, voyage" de Desireless ? "Compartiment N°6", générique de fin de "De son vivant", et donc en Suisse aussi. Et ici c'est sans arrêt, en instru au piano, fredonné par les protagonistes hors champ, etc. Totalement entêtant, comme la petite musique de cette "Jeune Fille et l'Araignée".

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J'ai vu des gens bouleversés, des connaissances les yeux rougis une fois la lumière de la salle rallumée. Et curieusement moi dont on se moque pour ma faculté à verser une larme plus que facilement, rien, pas le début d'une quelconque humidité au coin des yeux.

Peut-être tout simplement parce que l'exercice de style, la mise en abyme d'une intelligence folle m'ont tenu à distance de l'émotion première qu'a provoqué sur d'autres le parcours de ces deux êtres brisés, en quête de survie.

Mais après tout quelle importance, si ce "Drive My Car" ne m'a pas époustouflé comme les précédents Hamaguchi j'y ai une fois de plus reconnu la marque d'un grand, d'un très grand auteur et metteur en scène. Avec dorénavant une seule envie : voir son "Wheel of Fortune and Fantasy" qui s'annonce.

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Bien entendu c’est clivant puisque c’est du Apichatpong Weerasethakul. Bien entendu c’est abscons, fascinant et hypnotique puisque c’est du Apichatpong Weerasethakul. Bien entendu il faut laisser son cerveau à l’entrée de la salle pour ressentir plutôt qu’intellectualiser puisque c’est du Apichatpong Weerasethakul…

Probablement son film le plus lisible cependant, ce sera à vous de le vérifier le 17 novembre.

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Un conseil : essayez de dénicher ce petit film actuellement en salles ! Petit par son budget, son ambition de façade, son circuit de distribution mais certainement pas par ce qu'il provoque.

En effet Hamy Ramezan choisit d'aborder le sujet des réfugiés, soit ses propres souvenirs, par le bais d'une certaine légèreté et non sans humour, à la manière d'une chronique adolescente, l'âge de l’insouciance, douce et pudique, joyeuse malgré le drame susceptible de frapper à tout instant.

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Clairement l'immense surprise de ce mercredi tant je suis allé rencontrer (ou non) cette "Panthère des neiges" à reculons. Pour tout dire ce n'est qu'en apprenant que la BO était signée Warren Ellis et Nick Cave que je me suis décidé à tenter ma chance.

Et bien m'en a pris car ce documentaire n'a rien du film animalier classique ni d'une leçon de morale tellement à la mode en ce moment dès qu'il s'agit d'évoquer la nature.

Nous somme juste conviés en tant que spectateur à partager l'art de l'affût de Vincent Munier auquel se greffent les mots simples de Sylvain Tesson, leurs échanges minimalistes, à savoir comme eux détecter une présence animale dans des paysages sublimes, encore préservés de la conn..., pardon de la présence humaine.

C'est tout simplement beau, comme une parenthèse de 92 minutes avant de retrouver les bruits de la ville, la frénésie de nos vies.

« Se contenter du monde et lutter pour qu'il demeure... »

J'avoue que je ne sais toujours pas quoi penser de Tesson, qui concède d'ailleurs ici sa propre schizophrénie, mais cette conclusion a de la gueule.

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La première partie est probablement ce que j'ai vu de plus drôle depuis... "Apnée" du même Jean-Christophe Meurisse. Il nous refait le bonheur de tirer sur tout ce qui bouge, de ne rien respecter, d'aller loin, très loin dans le mauvais goût et le politiquement incorrect.

A noter que grâce à un bouche à oreille très positif, preuve que les spectateurs sont demandeurs de comédies non formatées, le nombre de copies a été revue à la hausse et que le film reste en conséquence visible dans pas mal de salles.

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Chris Kraus", auteur de "La Fabrique des salauds", vient de sortir son nouveau roman "Baiser ou faire des films", et tel pourrait être le sous-titre de ce passionnant "Malcolm & Marie".

Passionnant pour ce qu'il raconte du cinéma et de la création, pour toutes les questions qu'il pose sur le "jeu", à l'écran comme dans la vie, sur ce qu'est le consensuel, le statut d'auteur selon d'où il parle, mais aussi et surtout l'authenticité.

Vaste question que cette dernière, encore plus venant d'un réalisateur qui signe un film pour le moins poseur, avec ce noir et blanc granuleux et ce jazz qui le statufient d'emblée et de force comme objet élégant.

Décidément ce Sam Levinson n'a pas fini de m'intriguer. Après son "Assassination Nation" il signe à nouveau un truc dont je ne sais s'il est incroyablement novateur et AUTHENTIQUE ou totalement fake. Et quand on sait qu'il a produit "Pieces of a Woman", autre objet soit génial soit manipulateur...

Quoi qu'il en soit je suis sorti de ces 106 minutes remué car interrogé en permanence. Et très énervé aussi en imaginant un monde où les films les plus singuliers n'auraient plus leur place dans les salles mais sur les plateformes du diable.

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Drive My Train... (cf critique)

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Comme c'est souvent dans les vieux pots qu'on fait... (Oui oui j'avoue je prêche un peu pour ma paroisse) j'ai décidé que je passerais ma toute dernière séance de l'année en compagnie du vétéran Schrader.

Et bien m'en a pris car si comme parfois chez lui c'est à la limite de se casser la gueule, cette fois faute à un scénario pour le moins curieux, ce film fait partie de ceux que seuls de grands réalisateurs peuvent nous offrir, ceux qui ne tiennent que par l'élégance de la mise en scène, des séquences qui puent la classe absolue et compensent la précédente qui tutoyait le ridicule.

Du cinéma hors du temps, et une certitude après l'épatant "First Reformed", le Paul a retrouvé la forme.

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Après un dernier mercredi de sorties en salles moyen moyen le jeudi 30 décembre m'aura presque réconcilié avec cette année de cinoche 2021.

Grâce à deux expériences bien différentes, et tout d'abord cette balade en Islande, comme souvent avec ce pays petit par la taille mais grand fournisseur de sacrés films, peu commune.

Deux solutions s'offrent à vous : chercher de la crédibilité et être éjecté au bout de 10 minutes ou accepter de jouer le jeu et être envoûté par cette ambiance aussi angoissante et émouvante que glaçante. Du cinéma de l'attente, où on perçoit une menace possible à chaque plan, jusqu'à ce que...

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Je crois que j'aurais mis un petit point supplémentaire si ce film avait été expurgé de ses chansons à la sauce Disney mais je ne vais pas faire la fine bouche tant cette relecture 2.0 de "La Belle et la Bête" fait du bien à l'heure où l'animation japonaise subit un sacré coup de frein.

Mamoru Hosoda marie ses univers, passant du virtuel ultra-spectaculaire, inondé de couleurs et d'imagination, à un réel classique dans le sens noble du terme, n'oubliant pas d'où vient le cinéma nippon. Rien n'est oublié, pas même l'émotion au moment de découvrir l'identité de la Bête...