Les meilleurs films italiens selon abscondita

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«Tourner en anglais n'a pas été source de frustration. C'est un choix que j'ai fait moi-même. Lorsque j'ai décidé de faire ce film, j'ai tout de suite su que ce ne pourrait être un film italien. C'était impossible, non seulement parce que les coûts auraient été trop élevés pour le faire en italien, mais parce que le thème du film est si universel que le faire dans une langue comprise seulement d'une petite partie de la planète aurait été une erreur.» (Tornatore)

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"Mon idée de départ était de faire un film sur notre génération, la génération des gens de quarante ans, même si Agenore Incrocci et Furio Scarpelli ont quelques années de plus. C'est l'âge des bilans, des "check-up" physiques et psychologiques. Nous avons donc pensé réaliser un film sur ce bilan, sur ce que nous étions devenus, sur ce que l'Italie était devenue au cours des trente dernières années, de la Résistance à aujourd'hui." (Ettore Scola)

le réalisateur fait appel à de nombreux souvenirs, notamment d'enfance, il n'a cependant pas cherché à faire une œuvre autobiographique "au sens étroit du terme". Il explique : "je n'ai pas participé à la Résistance en 1944. J'avais douze ans...Cependant, comme idéologie et comme thématique, je dirais oui. J'ai participé aux premiers ciné-clubs, j'ai aimé les premiers films de De Sica; je souffrais lorsque je voyais des films où il faisait l'acteur sottement. Je suis comme tous les auteurs de cinéma, d'extraction bourgeoise, et donc même si je n'ai pas épousé la fille d'un riche exploiteur, (...), il est clair que je fais partie de cette bourgeoisie italienne qui, dans les années soixante, a cru seulement au bien-être économique, au "boom", à la consommation. (...) Je peux dire qu'il y a un peu de moi dans chacun des trois personnages. En fait, ils sont trois aspects d'un personnage unique, celui d'un italien avec ses contradictions internes, des contradictions qu'aujourd'hui nous avons tous".

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Avec Amarcord, Federico Fellini signe un long-métrage autobiographique dans lequel il revient sur ses jeunes années passées dans le village de Rimini. C'est logiquement que le réalisateur a choisi le titre Amarcord puisque celui-ci signifie "je me souviens" dans le patois de l'Emilie, province du nord de l'Italie dont il est originaire.

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Luigi Comencini s'est toujours intéressé aux émotions que pouvait procurer son cinéma : "La chose qui me passionne le plus est le rapport affectif, qui laisse de côté le raisonnement. Le miracle de la vie est le fait d'avoir des sensations, une compréhension inconsciente pour l'autre dont nul ne peut expliquer les raisons."

L'incompris est l'adaptation du roman de Florence Montgomery publié en 1968. Quelques années après la réalisation du film, Luigi Comencini a qualifié le livre de "machine à faire pleurer."

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L'immeuble où est tourné le film est reconstruit selon le modèle de l'édifice qui se trouve viale XXI Aprile à Rome. Ettore Scola affirme : « Il s'agit vraiment d'une œuvre du régime fasciste : construit en 1934, avec cette architecture littoriale babylonienne, il fut inauguré par le Duce lui-même. […] C'était la plus haute construction de Rome. L'immeuble fut donné en location aux petits et moyens fonctionnaires du régime. À l'intérieur de l'édifice, régnait une nette division en classes. […] Il y a une réplique dans le film... […] Où une femme, descendant les escaliers, dit à Antonietta (Sophia Loren) : "C'est vrai, vous n'avez pas de bonne." »

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Film italo-français.
C'est l'adaptation du roman éponyme de Carlo Levi racontant, dans l'Italie fasciste, l'exil d'un opposant dans un village perdu de Lucanie.
Le film fut tourné sur les lieux mêmes où Carlo Levi résida dans le Basilicate à Aliano et dans la région alentour : pour les vues panoramique et les rues du village, ce sont en fait celle de Craco situé à une quarantaine de kilomètres d'Aliano, alors que l'église et la mairie sont celles de Guardia Perticara à environ 20 km. Seule la gare se trouve dans les Pouilles à Gravina in Puglia.

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Divorce à l'italienne fut le premier film à recevoir l'appellation "comédie à l'italienne"; une expression caractérisant une grande partie de la production cinématographique italienne dans les années 1960 et 1970, et qui accouchera de nombreux chefs-d’œuvre du genre.

le film prend pour point de départ une situation historique réelle : l'interdiction pure et simple du divorce en Italie; la vie de couple ne prenant fin qu'à la mort de l'un des deux conjoints. Il faut en effet savoir que lorsque Rome fut proclamée capitale de l'Italie en 1870, le Code Civil, unique pour tout le royaume et semblable au code Napoléon, avait été promulgué cinq ans auparavant. L'une des rares – mais essentielles – différences entre les deux codes était l'exclusion du divorce en Italie : le mariage ne se dissolvait qu'à la mort de l'un des époux. En fait, cette interdiction ne dépendait pas essentiellement de causes religieuses. Si le poids des us et coutumes catholiques est l'une des raisons, c'est surtout pour des motifs de maintien de l'ordre social. Si l'affaire sans doute la plus connue en Italie est l'annulation du mariage de Sophia Loren en 1962, que l'actrice demanda pour épargner à son mari Carlo Ponti l'accusation de bigamie, la situation dans les quartiers populaires et pauvres en Italie était en revanche dramatique.

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Les frères Taviani découvrent un épisode célèbre dans l'histoire du cinéma américain : au cours du tournage d' Intolérance, D. W. Griffith est sujet à de terribles interrogations. En visionnant Cabiria (1914), il prend conscience que les décors de sa Babylone ne peuvent être idéalement réalisés que par les artisans italiens qui ont travaillé sur le film de Giovanni Pastrone. De surcroît, il visite l'Exposition universelle de San Francisco de 1914, dans laquelle il peut admirer la tour des Joyaux, construite par des ouvriers-architectes italiens. Il s'efforce, dès lors, de faire rechercher ces artisans en Italie et de les ramener aux USA : "À peine l'avons-nous lue, cette idée nous a tout de suite beaucoup stimulés. Les trois ouvriers se sont transformés en deux frères et de là est né notre sujet puis notre scénario.

La forme d'expression la plus haute de ce siècle, c'est le cinéma, et comme les cathédrales, le cinéma est aussi le fruit de la collaboration de nombreuses personnes. Le cinéma est l'œuvre d'un auteur, mais cet auteur est fait aussi des nombreuses personnes qui travaillent avec lui. Cela ne se retrouve pas dans les formes d'art comme la peinture ou la littérature. Par contre, le travail collectif existe dans l'architecture et seulement à certains moments de l'histoire de la peinture. Les artistes naissaient dans un climat d'artisanat, des artisans qui travaillent ensemble à la réalisation de quelque chose. Dans le film, nos deux protagonistes sont deux artisans, ce ne sont pas deux artistes qui arrivent à Hollywood. L'Hollywood que nous avons essayé de représenter est le lieu de rencontre d'une multitude d'artisans. La famille des Bonanno, qui a derrière elle mille ans d'expérience dans le travail de la pierre, a une conscience culturelle de son métier. Au contraire, les jeunes qui étaient à Hollywood avaient en main leur métier de manière quasi inconsciente, non certes culturelle. Ils possédaient leur instrument de travail de façon très pragmatique, pragmatisme qui caractérise généralement les Américains. Mais, au fond, c'est le même esprit qui les unissait. En relisant tout ce que les témoins de l'Hollywood d'alors ont écrit, nous avons constaté que, de manière très ingénue et parfois de façon très émouvante, ils mettaient en commun leurs découvertes. Au fond, c'est comme ça que Griffith a peu à peu découvert tous les divers éléments du langage cinématographique, par exemple, le premier plan." (frères Taviani)

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Premier volet de "la trilogie du milieu" réalisée par Fernando Di Leo et qui appartient au genre poliziottesco

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Histoire de Tommaso Buscetta qui fut le premier mafieux à briser l'omerta de la mafia. Grâce à sa coopération avec le juge Falcone, qui le paiera de sa vie, un procès se tient en Sicile en 1986. 360 mafieux comparaissent. Tommaso Buscetta finira ses jours, sous couverture, en Amérique.

Le film est bien documenté. Bellocchio a rencontré, entre autres, le procureur, Giuseppe Ayala, qui a présidé le maxi procès, mais aussi des mafieux qui ont été condamnés.

La scène du maxi procès, qui s'est déroulé en 1986, a été tournée là même où il avait eu lieu. La salle est restée inchangée. Ce tribunal collé à la prison de Palerme avait été construit spécialement pour l’occasion. C’était une structure blindée capable de résister à des armes lourdes, un vrai bunker. Le long des murs, il y avait plusieurs cages renfermant des groupes de détenus.

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Médée est l'adaptation sur grand écran de la pièce éponyme écrite par le poète grec Euripide, au Ve siècle avant J.C. La plupart des pièces d'Euripide, souvent basées sur la mythologique, ont pour nom Andromaque, Iphigénie ou encore Les Bacchantes.

Médée marque la seule expérience de la cantatrice grecque Maria Callas sur grand écran. Née Maria Kalogeropoulos à New York, en 1923, Maria Callas fréquente le Conservatoire d'Athènes puis s'impose à la fin des années 40 comme l'une des plus célèbres sopranos de l'histoire. Dôtée d'une voix hors du commun, celle que l'on surnomme désormais "La Callas" se spécialise dans l'interprétation, souvent lyrique, de grands rôles de l'opéra italien tels que La Traviata, Médée ou La Somnambule. Maria Callas s'est éteinte en 1977, à Paris.

La chanteuse Maria Callas perdit sa voix durant le tournage de Médée. Elle fut doublée par une autre actrice pour les passages chantés et parlés, mais elle tint tout de même à effectuer elle-même les cris de son personnage.

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"Pourquoi un super-héros italien ? J'aime le cinéma de genre et je pense que celui des super-héros représente le défi le plus complexe et le plus dangereux. À mon avis, faire un bon film signifie raconter une histoire avec originalité. Lorsque l'on aborde un nouveau genre, il est difficile de ne pas tomber dans l'imitation. Nous ne voulions pas raconter les aventures d'un Superman en collants. Il fallait persuader les spectateurs de croire en lui dès le début. Comment ? C'est par les vérités propres à notre tradition, par la fragilité des personnages, que le public se laisse, j'espère, emporter dans une histoire urbaine remplie de superpouvoirs" (Gabriele Mainetti)

"L’idée d’origine était de s’emparer de cette immense vague de super-héros qui nous vient des États-Unis et qui détruit tout sur son passage en y répondant avec notre imaginaire italien. J’aime le cinéma de genre et je pense que les films de super-héros constituent le plus complexe et le plus dangereux des défis. Mais les films de super-héros actuels ont perdu leur substance, ils ne procurent plus d’émotions. Nous avons donc essayé de faire un grand plongeon dans notre humanité. On l’appelle Jeeg Robot est un film de super-héros, mais qui parle aussi des difficultés sociales dans les banlieues de Rome. Le protagoniste a grandi à Tor Bella Monaca, une banlieue difficile de Rome, nous avons montré le climat difficile et la criminalité qui règne dans ce quartier et le film est un peu comme un mélange entre Pasolini et la science-fiction." (Gabriele Mainetti)

On l'appelle Jeeg Robot détourne les codes du film de super-héros en utilisant notamment le thème des réseaux sociaux (les criminels mettent leurs vidéos sur le net et Enzo alias Jeeg Robot devient vite une icône) pour mieux livrer une sorte de pastiche de notre monde moderne hyper-connecté. "Il y a dans le film une violence de dessin animé ou de bande dessinée, mais on y sent aussi beaucoup de douleur, ce qui est typique du cinéma italien" (Gabriele Mainetti)

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La Dolce vita, qui se présente comme une dénonciation violente et très crue des moeurs contemporaines, soulève une vive polémique lors de sa sortie en 1960. Avant même que le film ne soit projeté durant le Festival de Cannes, de nombreux bruits courent concernant le caractère outrancier de l'oeuvre. Les milieux aristocratiques et ecclésiastiques s'indignent de son exhubérance et de sa sensualité. Le Vatican considére même le long métrage comme pornographique et blasphématoire et se trouve à deux doigt d'excommunier le rélisateur italien Federico Fellini.

Federico Fellini semblait toutefois bien éloigné de toute volonté de scandale et désamorçait la polémique : "J'ai toujours déçu les amis et les journalistes en disant que la Rome de La Dolce Vita était une cité intérieure et que le titre ne comportait nulle intention moraliste ou dénigreuse : il entendait surtout dire que, malgré tout, la vie avait une douceur bien à elle, profonde et indéniable."

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L'Oscar du Meilleur acteur remporté par Roberto Benigni est seulement le deuxième gagné par un acteur dans un film qu'il a réalisé lui-même. Le premier fut remporté par Laurence Olivier pour Hamlet, en 1948. C'est également la deuxième fois qu'un Italien remporte la célèbre statuette, la première fut Sophia Loren pour La Ciociara en 1960.

Le numéro de prisonnier de Roberto Benigni dans La vie est belle est le même que celui sur l'uniforme de Charlie Chaplin dans Le Dictateur, une satire du facisme et du racisme de Hitler.

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En 1964, l'ingénieur italien Giorgio Rosa décide de créer de toutes pièces une île au large de Rimini, sur la côte Adriatique. En 1968, une plateforme de 400 m est érigée sur des colonnes fortifiées. Rosa déclare le 1er mai l'indépendance de son île, qui possède sa propre monnaie et son propre drapeau. Mais le gouvernement italien ne l'entend pas de cette oreille, faisant disparaître l'île le 25 juin 1968. Avant sa mort en 2017, Giorgio Rosa a approuvé le projet d'adaptation inspiré de sa vie.

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Interdit aux chiens et aux italiens a été conçu comme un dialogue fictif avec Cesira, la grand-mère décédée d'Alain Ughetto, à qui ce dernier demande tout ce qu’il aurait aimé savoir :
"Lors des repas de famille, mon père racontait qu’il y avait dans le Piémont en Italie un village qui s’appelait Ugheterra où tous les habitants portaient le même nom que nous. À sa mort, je suis allé voir si ce village existait. Il existait : Ugheterra, la terre des Ughetto ! Mon enquête a commencé là, il y a neuf ans, le film aussi. Dans le cimetière, je n’ai trouvé ni la tombe de mon grand-père Luigi, ni celle de ma grand-mère Cesira… Que s’est-il passé ?... Les témoins de cette époque italienne (les années 1870) ont disparu, les toits des maisons se sont effondrés sur leur passé de paysan ; les arbres ont repoussé sur leur vie de charbonnier. Le cadeau de ce film a été la découverte du livre de Nuto Revelli, Le monde des vaincus. Ce sociologue italien a enregistré les témoignages de paysans et de paysannes du même âge que mes grands-parents et qui vivaient dans le même endroit du Piémont. Des témoignages poignants sur la faim, la misère, les guerres…"

À Ughettera, Alain Ughetto a ramassé tous les objets qui faisaient leur quotidien : du charbon de bois, des brocolis, des châtaignes, etc. Revenu dans son atelier, le metteur en scène a composé un décor : "Les brocolis deviennent des arbres, le charbon de bois fait montagne, les sucres font brique… Au cœur de mon atelier, avec Jean-Marc Ogier et son équipe, nous avons reconstruit ce monde disparu. Nous nous souvenons de notre père, de notre mère, un peu de nos grands-parents, mais au-delà plus grand chose : c’est le noir, c’est la grande histoire. Ce qui m’intéressait, c’était de remonter le cours du temps pour lier mémoire intime et évocation historique. Aujourd’hui derrière mon nom, j’ai trouvé un récit, la chronique d’une famille parmi des centaines d’autres. Pour écrire cette histoire, je me suis inspiré du réel. Du réel de la vie d’une partie de ma famille originaire du Piémont italien. J’ai fouillé dans ma mémoire, puis dans celle de mes cousins, de mes cousines, de mes frères et sœur. Entre guerre et migration, entre naissance et décès, un récit s’est tracé. Au-delà du chagrin que procure l’histoire personnelle, j’ai découvert un parcours étonnant, raconté dans le film."

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Premier film réalisé par Sergio Leone seul, Le Colosse de Rhodes est une oeuvre qui s'amuse à détourner les codes du péplum. Tout est ici accentué dans une optique de dénonciation : les flèches transpercent les gorges, les costumes, excessivement ajustés, sont souvent anachroniques, les décors sont visiblement factices, etc. Quant à la pharaonique sculpture de Rhodes, elle semble faire office d'anti-Statue de la liberté. Contrairement à la dame de Bartholdi, qui brandit sa flamme pour accueillir avec bienveillance les migrants, le colosse se veut une figure protectrice et un rempart contre l'étranger.

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Considéré comme l'un des meilleurs films italiens de la saison 2009, L'uomo che verrà l'est « du point de vue de la reconstruction historiographique qui ne concerne pas uniquement le massacre mais aussi la vie quotidienne des métayers de l'Italie centrale jusqu'aux années du boom et du dépeuplement des campagnes. [...] Ce film est le meilleur parmi ceux, rares, qui ont essayé de représenter le monde paysan. [...] Seul, L'Arbre aux sabots d'Olmi atteint la même vérité. »
Goffredo Fofi in : Uomini d'ogni tempo, a cura di Daniela Basso, Milan, Feltrinelli, 2010.

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Le film est adapté de l'unique roman de Giuseppe Tomasi Di Lampedusa. Issu de la noblesse sicilienne, vivant de ses rentes, il se mit à écrire sur la décadence de cette haute société dans le contexte houleux du rattachement à l'Italie en 1860. Décédé en 1957, son roman fut publié en 1958 et devint le premier best-seller italien.
Après avoir été l'objet de multiples invasions et guerres de succession, la Sicile échoue en 1734 aux mains des Bourbons. Comme les souverains précédents, le roi d'Espagne ne gouverne pas la Sicile depuis le pays même, et l'aristocratie locale jouissait d'une autonomie certaine. Au cours du XIXème siècle, la Sicile connaît plusieurs émeutes, motivées par la volonté qu'a Ferdinand d'Espagne de diminuer cette autonomie. Lorsque Garibaldi débarqua le 11 mai 1860 à Marsala avec ses Chemises rouges pour rattacher l'île au royaume d'Italie naissant, toute la Sicile se souleva et se rallia à la cause unitaire italienne. Cet épisode historique est connu sous le nom d'expédition des Mille, en références aux 1149 soldats garibaldiens.

La scène du bal : "Bien que Luchino Visconti aurait préféré le palais Mazarino, le bal fut tourné au palais de Gangi sur la piazza Santa Anna à Palerme. Des bougies à base d'acide gras purifié avaient spécialement été installées pour qu'elles ne fondent pas sous la lumière des projecteurs. La fameuse séquence nécessita quarante nuits de tournage et dure au final cinquante minutes. Martin Scorsese s'est inspiré de cette scène pour son bal du Temps de l'innocence (1993). "

Minutieux, voire maniaque, le travail de reconstitution de Luchino Visconti nécessita l'emploi de cent cinquante décorateurs (et presque autant de maquilleurs et coiffeurs), ainsi qu'une cinquantaine de fleuristes. Achat de mobilier d'époque, location de propriétés ou encore remise en état de certains bâtiments coûta une véritable fortune. Le réalisateur déclara que "ce qui compte dans le travail d'un film, c'est d'établir un certain climat qui corresponde historiquement et psychologiquement au climat originel où l'action s'est déroulée soit dans la réalité, soit dans l'imagination de l'auteur."

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production italo-française.

La Ciociara est une zone du centre de l'Italie recouvrant entre autres la province de Frosinone. Elle est liée à un dialecte rural, le Ciociaro.

Le corps expéditionnaire français, dirigé par le général Alphonse Juin, constitué notamment de soldats marocains, algériens, tunisiens et sénégalais des colonies françaises, se rendit coupable de crimes de guerre dans les environs de la région de la Ciociarie en Italie. Destruction de villages, vols et violences, mais surtout viols de masse (et assassinats de ceux qui essayaient de les défendre) se multiplient autour du Monte Cassino4. Les chiffres varient de plusieurs centaines à plusieurs milliers de femmes, d'hommes et d'enfants violés4, et de plusieurs morts. Ces exactions ont reçu en Italie l'appellation de marocchinate (littéralement « maroquinades »)5. Ces événements servent de toile de fond au roman d'Alberto Moravia dont a été tiré ce film.

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"C’est Matteo (le 2e réalisateur) qui nous a conduits vers Vejano. Il connaissait Ercolino, un Romain installé là-bas depuis plusieurs années et qui possède un gîte au beau milieu d’un domaine où se réunissent régulièrement des chasseurs de la zone pour manger, boire et raconter des histoires locales. L’une de ces légendes, celle d’une panthère qui terrorisait le village, nous a donné l’idée de Belvanera. Pendant le tournage, les chasseurs nous ont raconté une autre légende, et nous avons alors réalisé un deuxième documentaire : Il Solengo. Cette fois encore, durant la réalisation du film, nous avons entendu une autre légende : l’histoire de Luciano, le héros de La Légende du Roi Crabe." (Alessio Rigo)

Alessio Rigo de Righi et Matteo Zoppis ont fait de nombreuses recherches. Ils ont, par exemple, cherché dans les archives des traces du voyage que, d’après leurs amis chasseurs, Luciano aurait fait entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle. Ils racontent : "Nous avons trouvé plusieurs homonymes parmi les immigrants italiens en Argentine : l’un d’entre eux pourrait être Luciano. Nous nous sommes à notre tour rendus en Terre de feu, pour effectuer des repérages. Nous avons découvert un univers riche de récits et d’aventures invraisemblables d’Italiens émigrés. Nous voulions que, dans la partie argentine, l’histoire de Luciano fasse écho à tous ces mythes issus de la culture de l’émigration."

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« L'Arbre aux sabots est le premier sujet que j'ai écrit pour le cinéma, tout de suite après le décès de ma grand-mère Elisabetta : une femme extraordinaire qui a tenu une grande place dans ma vie. J'ai voulu fixer ses récits sur le papier. Mais, « en 1964, (...) j'ai écrit un sujet qui ne m'a pas satisfait : mon histoire me semblait trop personnelle, une sorte d'album de famille. (...) Il y a six ans (en 1976) (...) je suis tombé par hasard sur ces notes et j'ai senti que le moment était venu de les agencer pour en faire une version définitive. À ce moment-là, j'ai considéré cette matière première avec le respect affectueux d'un témoin. (...) Je suis simplement retourné au milieu des gens de ma race, et je leur ai fait un récit aussi bien qu'à moi-même, racontant une culture paysanne qui est ma culture. » ( Ermanno Olmi.)

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Deuxième volet de "la trilogie du milieu" réalisée par Fernando Di Leo et qui appartient au genre poliziottesco

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Troisième volet de "la trilogie du milieu" réalisée par Fernando Di Leo et qui appartient au genre poliziottesco