Les meilleurs films sur le deuil selon abscondita

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"Time to die": le rapport de robots humanoïdes à la mort.

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Quelques minutes après minuit est adapté du roman du même nom de Patrick Ness, un romancier anglo-américain spécialisé dans la littérature pour enfants. A l'origine, cette histoire est née de l'imagination de l'auteure britannique Siobhan Dowd décédée des suites d’un cancer en 2007. Elle souhaitait en faire son cinquième roman avant que la maladie ne l'emporte et c'est Ness qui a ensuite repris ses premiers écrits pour en faire le livre qui a donné lieu au film de Juan Antonio Bayona.

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« Sous couvert d’une méditation sur le chagrin, et d’une réflexion sur le deuil, Demolition est un film qui célèbre la vie et nous rappelle qu’il faut simplement prendre le temps de vivre et d’aimer. Je me suis senti très proche de Davis. Moi aussi, il m’est arrivé d’oublier comment aimer à une époque de ma vie. J’étais trop occupé à essayer de réussir, à gagner de l’argent, à payer les factures… J’étais focalisé sur ces questions-là et j’en ai oublié que je pouvais aussi savourer cette satanée vie. Je me sentais indifférent. J’ai fait énormément de choses par facilité. J’espère que le spectateur vivra Demolition comme une expérience sensorielle davantage qu’intellectuelle. » (Jean-Marc Vallée)

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Mar adentro est tiré d'une histoire vraie. Celle de Ramon Sampedro, devenu tétraplégique à la suite d'un accident, et qui s'est battu durant vingt-neuf ans pour le droit à l'euthanasie. Au terme d'une longue bataille juridique qui ne lui permit pas d'avoir gain de cause, Ramon Sampedro décida de mettre lui-même un terme à ses souffrances. Le 12 janvier 1998, grâce à l'aide de onze amis, il se donne la mort. Aucun de ses "complices" ne fut accusé, car Sampedro brouilla habilement les pistes, chacun ayant une mission secrète ne l'impliquant pas de façon certaine dans la mort de leur ami : l'un avait les clefs de son domicile, l'autre acheta le cyanure, le suivant plaça le verre sur la table de nuit, le quatrième plongea la paille et ainsi de suite jusqu'au dernier qui filma Ramon, sourire aux lèvres, quelques secondes avant sa mort.

"Il y avait le paradoxe de Ramon : qu'une personne si pleine de vie et qui s'entendait tellement bien avec les autres soit en quête de la mort. La mort est un thème récurrent dans mes films mais, si Les Autres était un portrait de famille vu sous un angle obscur, du point de vue de la mort, Mar adentro est une approche de la mort vue sous l'angle de la vie, du quotidien, du naturel, une approche très lumineuse." (Alejandro Amenabar)

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Uberto Pasolini s'est inspiré d'une histoire vraie qu'il a lue dans le journal. Le réalisateur a contacté les services sociaux, qui ont refusé de lui en dire davantage, donc il s'est contenté des éléments relatés dans l’article : "En gros, c’est l’histoire d’un père célibataire qui élève seul son fils de quatre ans. La mère de l’enfant est partie juste après sa naissance, elle est retournée dans son pays d’origine sans laisser d’adresse. Le père n’a pas de parents, d’oncles ou de cousins. Quand il apprend qu’il lui reste quelques mois à vivre, il cherche une famille pour son fils. J’ai mené mon enquête auprès des différentes organisations qui ont un rapport avec l’adoption, et ensuite seulement, j’ai écrit le scénario." (Uberto Pasolini)

"Le Père essaye de protéger son fils de tout ce qui est trop émotionnel, et j’en fais de même avec le spectateur. Je procède par touches, délicatement, doucement. J’ai essayé de faire un film impressionniste. Je ne voulais pas raconter, mais mettre en scène deux mois dans la vie de cet homme et de son fils. Comme si on prenait leur histoire « en cours », si l’on peut dire. On les rencontre et petit à petit on apprend des choses sur eux, on fait un bout de chemin avec eux, puis on les quitte. On suit des émotions, plutôt que des situations." (Uberto Pasolini)

Un endroit comme un autre est raconté du point de vue du père. Un choix permettant à Uberto Pasolini de décrire sa façon d’accepter ce qui lui arrive et de comprendre ce qui est le mieux pour son fils. "C’est un film sur la vie, et comme toujours, c’est la proximité de la mort qui rend la vie encore plus précieuse" (Uberto Pasolini)

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Le Septième Sceau est un film ouvertement métaphysique. Le cinéaste y pose de manière très explicite la question de l'existence de Dieu et du sens à donner à la vie. Ces thématiques se retrouvent dans une très grande partie de l'oeuvre du cinéaste. Elles sont à la base même de films comme Le Silence, Les Communiants et Persona. Ici, deux conceptions s'affrontent. Antonius Block ne cesse de se tourmenter sur la survie de l'âme après la mort tandis que Jof et Mia, diminutifs de Joseph et Marie, profitent des simples joies de leur présence sur terre et de leur amour.

Tourné en 1957, Le Septième Sceau et sa vision apocalyptique du futur ne pouvait que toucher les spectateurs de l'époque. En pleine Guerre froide, l'idée d'une menace pesant sur la survie de l'humanité avait une résonance particulièrement forte.

Le Septième Sceau est à l'origine l'adaptation d'une pièce en un acte écrite par Ingmar Bergman pour les élèves du conservatoire de Malmö. Le cinéaste réaménage Peinture sur bois en modifiant de très nombreux éléments tout en essayant de rester fidèle à l'atmosphère de sa première oeuvre. Un producteur accepte de le soutenir, mais, devant la difficulté du sujet, oblige Bergman à tourner le film en 36 jours en studio pendant l'été avec un budget d'environ 150 000 euros. Le Septième Sceau reste malgré tout une des oeuvres préférées de son réalisateur : "C'est un de mes rares films qui me tient vraiment à coeur. Au fond, je ne sais pas pourquoi. Ce n'est pas une oeuvre sans défaut. Elle est entachée de toutes sortes de folies et on devine la hâte avec laquelle elle a été faite. Mais je la trouve énergique, pleine de vitalité, débarrassée de toute névrose. De plus, mon thème s'articule avec passion et plaisir."

Ingmar Bergman a dit à une époque avoir tiré l'inspiration de son film dans les réalisations contemporaines d'Akira Kurosawa, qu'il admirait profondément. On peut alors faire un parallèle entre Le Septième Sceau et Le Chateau de l'araignée ainsi qu'avec Les Bas-fonds, réalisés cette même année 1957.

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Film traitant de l'euthanasie

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John Hillcoat a écrit plusieurs pages pour présenter sa vision des choses à l'ensemble de l'équipe. Il y a notamment écrit : "Le film fonctionnera sur plusieurs niveaux, il pourra être lu comme le voyage métaphorique d'une âme, une fable, un conte de fées pour adulte sur la transmission des valeurs d'une génération à une autre, une histoire sur le caractère inéluctable de la mort et sur la plus grande peur des parents : la culpabilité et la douleur de laisser un enfant derrière eux (et par extension la peur que ressent n'importe qui à l'idée de se retrouver seul et abandonné). Ce sera aussi un avertissement, un conte moral sur la nécessité de faire prévaloir sur toute chose la bonté, la confiance, l'espoir et la foi face à l'horreur et la destruction imminente. Sur un autre niveau, le film pourra être vu comme une aventure épique, sombre, terriblement réaliste et viscéralement pleine de peur et de tendresse. Nous sommes tous les témoins d'une nouvelle époque de violents conflits mondiaux, et nous sommes tous hantés par le spectre d'une catastrophe environnementale à l'échelle globale qui entraînerait la fin de notre monde. La Route résonne donc dans notre psyché collective avec la force d'un cauchemar universel."

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L'enterrement mouvementé d'un homme dans un village côtier de l'Inde.

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« Dans La chambre du fils, la chose que je devais raconter de façon urgente c'était cette douleur, la mort d'un être cher, les différentes façons dont les proches réagissent à cette mort. Je sentais comme vraiment important la nécessité de mettre ce récit en scène. Jamais je ne me suis senti investi par le sentiment d'un film comme ce fut le cas cette fois-ci. Ca ne m'était jamais arrivé. » (extrait d'un entretien accordé par Jean A.Gili, in « Nanni Moretti » - Editions Gremese).

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Les relations avec les proches au travers la brutalité de la mort qui frappe une famille: d'abord les deux enfants, puis le père, puis la mère...

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Un urgentiste confronté jour après jour à la mort.

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Blackbird est né d’une rencontre lors d’un dîner entre la productrice Sherryl Clark et le scénariste Christian Torpe, qui travaille alors sur une adaptation américaine du film danois Stille Hjerte. Clark se souvient : « Par simple politesse, j’ai accepté. Il me l’a envoyé, et j’ai été bouleversée par l’histoire de cette famille qui se bat contre la décision prise par la mère de choisir sa fin de vie des suites de la maladie de Charcot. »