Les meilleurs films fantastiques selon abscondita

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Edward aux mains d'argent est marqué par plusieurs influences : le conte, l'esthétique du cinéma fantastique, le dessin animé. Tim Burton a mixé tous ces genres pour créer un univers singulier entre rêve et réalité. Il s'est nettement inspiré des histoires de Frankenstein, Pinocchio, s'est servi de ces contes pour retranscrire la réalité telle qu'il la perçoit: un être rejeté par la société moderne, car il ne rentre pas dans les critères imposés. Burton voulait, par ce film, donner une leçon de tolérance sur le respect des différences.

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Parmi les multiples sources d'inspirations qui ont façonné l'univers du Labyrinthe de Pan, Guillermo Del Toro évoque avant tout le peintre Francisco Goya dont le tableau représentant Saturne dévorant son fils a fortement inspiré l'inquiétante créature du "Pale Man". Le dessinateur Arthur Rackham est également présenté comme une forte référence pour le cinéaste.

"À mes yeux, le fascisme est une représentation de l'horreur ultime et c'est en ce sens un concept idéal pour raconter un conte de fées destiné aux adultes, explique Guillermo Del Toro. Car le fascisme est avant tout une forme de perversion de l'innocence, et donc de l'enfance. Pour moi, le fascisme représente en quelque sorte la mort de l'âme car il vous force à faire des choix douloureux et laisse une trace indélébile au plus profond de ceux qui l'ont vécu. C'est d'ailleurs pour cette raison que le véritable “monstre” du film est le Capitaine Vidal, qui est incarné à l'écran par Sergi Lopez. Un monstre bien réel comparé à ceux qui évoluent dans le labyrinthe. Le fascisme vous consume à petit feu, pas forcément physiquement, mais au moins spirituellement."

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Guillermo del Toro a puisé son inspiration dans la littérature gothique anglo-saxone, avec des auteurs tels que M.R. James, Sheridan le Fanu ou Arthur Machen.

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toute la saga

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L'Etrange histoire de Benjamin Button est adapté d'une nouvelle de Francis Scott Fitzgerald, elle-même inspirée d'une pensée de Mark Twain : "La vie serait bien plus heureuse si nous naissions à 80 ans et nous approchions graduellement de nos 18 ans".

L'Etrange histoire de Benjamin Button évoque des thèmes familiers : le bonheur de vivre et d'aimer, la douleur de perdre des êtres chers. Eric Roth et David Fincher ont souhaité que les émotions éprouvées par Benjamin Button puissent être au cœur de toute vie, que tout à chacun puisse s'y retrouver. "David et moi voulions que cette histoire puisse être notre histoire à tous – rien de plus qu'une vie d'homme. Ce qui affecte ce personnage hors du commun concerne en définitive chaque être humain" raconte le scénariste du film Eric Roth. "Ce film touche à des questions que nous nous posons dans notre propre existence", relève Frank Marshall, "J'ai rarement vu un film susciter autant de réactions diverses et personnelles. Un sexagénaire ou un septuagénaire le percevra certainement très différemment d'un spectateur de vingt ans."

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Le film a été tourné dans le même château et le même laboratoire que le Frankenstein réalisé en 1931 par James Whale. La plupart du matériel de laboratoire utilisé comme accessoires a été créé par Kenneth Strickfaden pour le film de 1931.

Les clins d'œil aux deux premiers Frankenstein, Frankenstein et la Fiancée de Frankenstein, sont légion. Par ailleurs, une grande part du scénario a trouvé son inspiration dans le film de Rowland V. Lee, Le Fils de Frankenstein (1939), par exemple le personnage de l'inspecteur Kemp au bras articulé. Des clins d'œil sont faits à King Kong (l'exhibition dans le théâtre).

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Avec Le Règne animal, Thomas Cailley réalise son deuxième film après Les Combattants, lequel commençait sur un ton réaliste et glissait progressivement vers le fantastique. Le metteur en scène confie : "Ce trajet n’était pas programmé, je l’ai découvert en faisant le film. Mais les possibilités du fantastique m’ont enthousiasmé. En participant à un jury à la Fémis, j’ai lu un scénario écrit par Pauline Munier, dans lequel il était question d’hybridation entre l’Homme et l’Animal... J’ai eu le sentiment que cette métaphore était au croisement de tous les sujets que j’avais envie d’aborder alors : la transmission, les mondes qu’on souhaite léguer, ceux dont on hérite, qu’on détruit, ou qu’il reste peut-être encore à inventer. Le Règne animal suit la relation entre un jeune homme de 16 ans et son père, à un moment où, un peu partout dans le monde, la 'part animale' de l’humain se réveille, comme un gène endormi, troublant la frontière invisible entre l’Humanité et la 'Nature'."

Avec l’urgence écologique actuelle, le cinéaste pense qu’il est vital d'inventer de nouveaux récits qui explorent nos interactions avec le reste du vivant : "Non par le prisme de l’effondrement inévitable, ou d’un énième récit post-apocalyptique, mais en donnant à voir un élan vital, violent et créateur. Une nouvelle frontière. L’idée de la mutation homme-animal permet d’aborder cette question avec un angle physique, concret, dans le corps des personnages. L’autre point qui m’a immédiatement intéressé, c’est de faire advenir ces mutations dans le monde d’aujourd’hui. J’adore Starship Troopers de Paul Verhoeven et les films de Hayao Miyazaki, mais je ne voulais pas projeter le récit dans un futur lointain ou en faire un pur conte. Je tiens beaucoup à cette irruption du fantastique dans nos vies de tous les jours. Cette friction entre le réel et la fiction est une source précieuse d’empathie, de décalages, de dérèglements, de comédie."

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La Famille Addams n'est pas un reboot mais une nouvelle manière d'aborder la bande dessinée de Charles Addams, publiée pour la première fois en 1930 dans le New Yorker. L'un des réalisateurs, Greg Tiernan, explique : "Pour cette adaptation nous avons choisi de ne pas représenter les personnages totalement à l’identique de la bande dessinée de Charles Addams, mais ils sont dans le même esprit. Il était primordial pour nous de le saisir et de le conserver intact pour le transmettre au public".

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Un horror folk indien malayalam au noir et blanc superbe avec des plans de grandes beautés.

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Le réalisateur Stephen Sommers explique : « Je souhaitais une Momie créée sur ordinateur. Les maquillages prosthétiques, employés à bon escient, ne sont pas sans mérite, mais on ne peut y recourir en toutes circonstances. Pour répondre aux attentes du public contemporain, notre Momie nécessitait des techniques de pointe, et c'est pourquoi j'ai tout de suite opté pour l'ordinateur. » John Berton : « Il a fallu d'abord définir l'apparence physique de la Momie. Nous ne pouvions pas nous contenter d'emmailloter un acteur comme on le faisait dans les années trente ; nous devions inventer un personnage monstrueux, implacable, terrifiant… et original.
Nous avons planché sur la question pendant près de trois mois pour définir avec un maximum de précision le « look » de la Momie dont découlerait les effets spéciaux. L'un des principaux problèmes consistait à élaborer des déplacements réalistes, aussi proches que possible de la démarche humaine. Nous avons donc filmé Arnold Vosloo en mouvement et pris toute une série de vues pour analyser sa démarche en détail et la recréer dans un espace tridimensionnel.
Dans un premier temps, la Momie est totalement synthétique. Mais à mesure qu'elle se régénère, elle revêt une apparence de plus en plus humaine et proche d'Arnold. A ce stade, nous avons utilisé le visage de l'acteur filmé en prises de vues réelles et combiné à des maquillages prosthétiques numériques.
Arnold confère à la Momie une présence inquiétante. Chaque fois qu'apparaît à l'écran l'image, même partielle, d'Imhotep, c'est bel et bien d'Arnold qu'il s'agit. Lorsque la créature tourne la tête et révèle un visage incomplet auquel manque toute la mâchoire, c'est encore le visage d'Arnold, associé à un trucage infographique. Et ce genre d'effet ne s'obtient pas aisément ! »

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Mary Poppins trouve son origine dans le livre éponyme de P.L. Travers publié en 1934. Au cours des 50 années suivantes, elle écrira sept autres recueils dont Le Retour de Mary Poppins, Les Bonnes Idées de Mary Poppins et Mary Poppins en promenade.
Pour cette suite, Rob Marshall a imaginé une histoire originale en combinant des éléments issus des différents ouvrages. Avec David Magee et John DeLuca, il a conçu une histoire qui se déroule à Londres durant la Grande Dépression du milieu des années 30 (l’époque des livres de P.L. Travers), c’est-à-dire 25 ans après les événements du premier film.

Pour Le Retour de Mary Poppins, l'équipe a créé un nouveau personnage : l'allumeur de réverbères Jack, auquel Lin-Manuel Miranda prête ses traits. Rob Marshall explique : "Nous avons créé ce personnage d’allumeur de réverbères qui éclaire – littéralement et métaphoriquement – Londres en une période bien sombre. C’est un optimiste qui voit partout la lumière, même dans les ténèbres, et qui a su garder son âme d’enfant".
Dans les années 1930, les allumeurs de réverbères se déplaçaient à bicyclette avec des échelles pour grimper aux lampadaires et aux poteaux afin d’atteindre les becs de gaz. En 2016, lorsque le film était en production, il y avait encore plus de 2 500 lampes à gaz en service à Londres.

Pour Rob Marshall, réaliser Le Retour de Mary Poppins lui tenait particulièrement à coeur puisque Mary Poppins est le premier film qu'il a vu enfant : "C’est lui qui m’a fait aimer le cinéma, lui qui m’a donné le goût des comédies musicales, de l’aventure et du fantastique sur grand écran. Mais j’étais assez intimidé lorsque les gens du studio sont venus me voir. En effet, comment faire une suite à un tel monument : j’étais malgré tout ravi et très enthousiaste à cette idée... Jusqu’à maintenant, je n’avais jamais eu l’occasion de créer une grande comédie musicale directement pour le cinéma".

Rob Marshall revient sur l'interprétation d'Emily Blunt : "Je comprends ce qu’elle fait, je comprends son humour... Nous sommes très proches. Elle a créé sa propre version du personnage, une version très spéciale et très personnelle qui se concentre davantage sur la Mary Poppins excentrique que l’on retrouve dans les livres".

Les auteurs-compositeurs ont créé pour le numéro de danse et de chant Luminomagifantastique un jargon propre aux allumeurs de réverbère surnommé le "leerie speak" ("leerie" est un vieux mot écossais pour désigner ce métier), sorte d'argot cockney.

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Contrairement à nombre de productions fantastiques, le sujet de King Kong n'est pas d'inspiration littéraire mais totalement original. Cependant, si le film crédite Merian C. Cooper et Edgar Wallace comme étant à l'origine de l'histoire, Cooper déclara que le scénario ne comportait aucune idée de Wallace, et qu'il n'avait gardé son nom au générique qu'en hommage à sa mémoire - Wallace étant décédé en février 1932. Le scénario fut finalement signé par James Ashmore Creelman et Ruth Rose, la propre femme d'Ernest B. Schoedsack.

Pour la créature du "Roi Kong", ils firent appel au spécialiste des effets spéciaux Willis O'Brien, dont le travail sur, notamment, Le monde perdu (1925), avait fait sensation. O'Brien en profita pour intégrer au film des plans de Creation, projet personnel qu'il avait commencé sans pouvoir l'achever. Quant à l'animation du géant, il fut aidé par Marcel Delgado (déjà présent sur Creation). A noter que, contrairement à certaines rumeurs, King Kong n'est jamais incarné par un comédien déguisé ; il s'agit à chaque fois d'animation de maquettes image par image - technique développée par Willis O'Brien lui-même, et popularisée plus tard par Ray Harryhausen, son collaborateur sur Monsieur Joe, dans des films tels que Jason et les Argonautes (1963 ; Don Chaffey), Un million d'années avant J.C. (1966 ; Don Chaffey), ou encore Le voyage fantastique de Sinbad (1973 ; Gordon Hessler). O'Brien fit ainsi construire plusieurs détails en grandeur nature de Kong (un buste, une main pour tenir Fay Wray et une autre pour "écraser" ses adversaires, une tête et un pied), ainsi qu'une représentation complète d'une taille de 18 pouces. Pour le hurlement du monstre, les cris combinés d'un lion et d'un tigre furent utilisés. Outre le gorille, O'Brien anima également tout une galerie d'animaux préhistoriques, stéranosaure, brontosaure, tyranosaure, ptéranodon et élasmosaure, autant de créatures qui peuplent Skull Island, le territoir de King Kong. L'immense porte qui y trône, protégeant la population indigène du singe, fut brulé en 1939 pour figurer l'incendie d'Atlanta dans Autant en emporte le vent - autre production de David O. Selznick.

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Les effets spéciaux sont l'œuvre d'A. Arnold Gillespie, un doyen de la spécialité. Il doit concevoir pour le film plusieurs trucages qui n'existent pas encore comme la tornade emportant la maison de Dorothy, la sorcière en train de fondre ou encore la tête du Magicien flottant dans les airs, les singes volants, etc.

Pour donner l'illusion de la maison prise dans une tornade, Gillespie filme au ralenti en fait une réplique miniature tombant du haut du plateau sur le sol peint pour imiter le ciel du Kansas. Il projette ensuite le film à l'envers pour donner l'impression que la maison tombe vers la caméra.

Pour la tornade, il fait construire une sorte d'entonnoir en mousseline qui est ensuite fixé sur un portique amovible pouvant se déplacer sur tout le plateau, tandis que la partie inférieure passe à travers le plancher, dans une fente en forme de « S ». Le tout, d'une hauteur d'environ 9 mètres, avançant vers la caméra avec un nuage de poussière donne l'illusion d'une tornade se dirigeant vers la maison.

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Mary Poppins est un film musical américain de Robert Stevenson adapté du roman éponyme de Pamela L. Travers.
Mary Poppins est une œuvre-testament qui couronne la carrière de Walt Disney, mort deux ans plus tard.

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On trouve la figure du Djinn dans de nombreuses cultures. Pour ce film, George Miller et Idris Elba ont voulu offrir une nouvelle dimension au personnage. Le réalisateur explique : « Je crois pouvoir affirmer qu’il s’agit d’un djinn comme on n’en a jamais vu. Il est plus vulnérable, plus humain. Il est constitué d’un ‘feu subtil’ – ce qu’on appelle aujourd’hui électromagnétisme – et sa présence est très étrange dans le monde moderne qui, d’ailleurs, représente une menace pour lui ». L’acteur renchérit : « On voulait s’y prendre de manière authentique, sans jouer de manière excessive sur les codes et les figures imposées du genre. On a envisagé le personnage d’un point de vue physique, à travers ses dialogues et son accent. On l’a élaboré à partir de mon visage et de mon corps, et on a cherché à savoir comment mes caractéristiques physiques pouvaient avoir une incidence – ou pas – sur l’incarnation du personnage ».

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Film fantastique tchèque.

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Le terme "poltergeist" est un terme d'origine allemande, apparu pour la première fois au 16e siècle, qui décrit un phénomène paranormal se manifestant par de nombreux bruits et événements défiant la raison et la logique.

Le long métrage Poltergeist est considéré comme un classique du cinéma fantastique américain. A l'époque, le New York Times plaça Poltergeist parmi les 1000 meilleurs films jamais réalisés. Quant à l'American Film Institute (AFI), il classa la célèbre réplique de la jeune Heather O'ROurke "They're Here !!" ("Ils sont là !!") au 59e rang de son classement 100 Years…100 Movie Quotes.

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Une petite fille entre dans un monde parallèle grâce à ses dessins.

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Selon les dires de Tim Burton , Beetlejuice serait une version parodique de L'Exorciste.