Ces perles méconnues...

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650 avis le 13 mai 2018.

Cela faisait plus de six mois que je n'avais pas fait une découverte cinématographique aussi marquante, que je n'avais pas ressenti une explosion d'émotions aussi forte. Cela, malgré quelques chutes de rythme au long du métrage qui empêche la narration d'être pleinement virtuose et captivante. Ces quelques légères longueurs, où les motifs narratifs s'étirent parfois un peu trop sont finalement caractéristique du cinéma muet et de son aspect théâtral. Le grand paradoxe reste que ces petits détours manquant de subtilité amènent au final parmi les plus émouvants de l'histoire du cinéma, une réconciliation foudroyante qui érige ce couple en mythe.

Ainsi, tout le propos du film nous revient en pleine figure, le poids des normes sociales qui pèse sur les épaules de cette famille qui découvre qu'elle peut finalement s'en affranchir. En représentant ses personnages au milieu de la foule qui donne son titre au film, King Vidor trouve la plus belle des métaphores pour exprimer l'étouffement de la vie urbaine, du travail à la chaîne, des tragédies individuelles qui se trouvent diluées, oubliées parmi la foule. Voilà une pierre angulaire du cinéma moderne, qui condense tout le lyrisme d'une belle histoire d'amour et le regard si désabusé sur notre société que tant de cinéaste, de Bergman à Tarkovski en passant par Wilder et sa "Garçonnière" auront après ce film.

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793 avis le 9 janvier 2016

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334 avis le 2 aout 2015

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591 avis le 2 aout 2015

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200 avis le 2 aout 2015

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520 avis le 13 décembre 2015.

"Le Plongeon" est d'un surréalisme fascinant. Burt y est flamboyant, désespéré, terriblement touchant. En rejoignant sa maison de campagne de piscine privée en piscine privée, il multiplie les rencontres incongrues, et accomplit sa descente aux enfers dans l'échelle social et les méandres de la névrose. Des riches hypocrites, il rejoint les pauvres dans la piscine municipale bondée de monde, en passant chez une ancienne maîtresse, toujours à la recherche d'une sensualité et d'une reconnaissance qu'il a définitivement perdu. Une quête hautement symbolique, ponctuée par une mise en scène parfois expérimentale, toujours surprenante. Une expérience incroyable, empreinte de mystère et faisant le portrait lucide d'une société de l'apparence, du mépris et de l'amertume.

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405 avis le 2 aout 2015

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930 avis le 15 mars 2018.

Voilà encore un film purement sensoriel dont je ne pourrais pas dire grand-chose de pertinent. Je suis insurgé qu'il soit autant méconnu et sous-estimé, bien que je comprenne pourquoi, tant le pacte avec le spectateur sort des sentiers battus, tant aussi bien du rythme du film que de l'ambiguïté des personnages. Mais cette radicalité fait que, lorsqu'on y plonge à corps perdu, on en sort pas indemne.

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355 avis le 2 aout 2015

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228 avis le 2 aout 2015

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815 avis le 2 aout 2015

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315 avis le 27 mars 2018.

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203 avis le 2 aout 2015

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301 avis le 2 aout 2015

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279 notes le 24 février 2018.

Fleischer signe un film de flic d'anthologie : alors qu'on prêtait déjà à "French Connection" des allures de documentaires, celui-ci, par le milieu qu'il décrit (les flics dans les quartiers pauvres de LA) et par son ambiance très réaliste, va encore plus loin dans cette démarche, avec au passage quelques scènes surréalistes (celle du tunnel notamment) de très bon acabit. Il n'y a certes pas de mise en scène révolutionnaire ou de propos particulièrement étonnant, mais l'humanité qui ressort de chaque personnage et la noirceur du ton générale font de "Les flics ne dorment pas la nuit" un morceau de choix du Nouvel Hollywood.

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868 avis le 20 janvier 2018.

Schatzberg réalise une introspection dans le milieu des drogués de Needle Park à New York dans les années 70, s'abordant comme le pendant dramatique du point de vue des victimes de la drogue de "French Connection" sorti la même année, tant les deux partagent la même réalisation proche du documentaire. Certes, le rythme et l'écriture ne sont pas aussi aboutis que dans "L'épouvantail", mais le cinéaste a le mérite de se focaliser sur une réalité sociale toute particulière, tout en humanisant ses personnages avec une direction d'acteur exceptionnelle. Pacino et Winn crèvent l'écran, déchire les entrailles du spectateur, et comparé à un "Requiem for a dream" tout cela se fait sans effets de manche. Le cercle vicieux de l'addiction, les gros plans sur les aiguilles qui transpercent la peau, la descente aux enfers du couple qui perd toute dignité pour quelques dollars, rien ne nous est épargné et tout est juste. Avec une fin là encore très abrupte et d'autant plus marquante, Schatzberg montre qu'il ne se complaît pas dans cette réalité sordide, mais veut simplement la décrire et laisser du lest à ses personnages. Je crois que je pourrais écrire des pages entières rien que sur la manière dont "Panique à Needle Park" et "L'épouvantail" se terminent, tellement, c'est paradoxal et passionnant d'un point de vue narratif. Voilà en tout cas du grand cinéma social, synthétisant toute l'hystérie et la détresse des récits du Nouvel Hollywood.

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36 avis le 29 août 2017.

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989 avis le 26 février.

Kurosawa reprend sa thématique de la maladie déjà développée dans "L'Ange Ivre" pour en faire un tout autre usage. Ici, c'est une passionnante réflexion sur le sacrifice et la passivité existentielle, celle d'un vieil homme momifié depuis 30 ans qui opère un basculement radical et pathétique. Il y a peu de réalisateur qui peuvent s'enfoncer à ce point dans le drame, le lyrisme et le symbolisme (ici, en rempart contre la bureaucratie et l'indifférence/l'incompréhension familiale) et Kurosawa en fait parti sans tomber dans le pathos. Son humanisme est d'autant plus touchant qu'il est aussi rudement lucide dans sa conclusion et pertinent dans son architecture narrative.

Scindé en deux parties, le film tend à rabaisser le personnage dans la première partie, qui cherche des points d'accroches vitaux illusoires (la boisson, le spectacle, un rencart avec une jeune employée candide) pour mieux prendre ses distances ensuite par l'ellipse et le flash-back, qui tendent à l'iconiser au contraire. La scène des funérailles est alors assez longue et redondante, mais appuie le sens de l'oeuvre avec rigueur, quand l'adjoint du maire est présent puis, après son départ, quand les masques tombent avec l'alcool et les témoignages, sans pour autant amener à une véritable prise de conscience collective.

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519 avis le 25 mars 2017.

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111 avis le 22 octobre 2017.

En 1 heure 15, King Vidor propose un manifeste de cinéma utopique alors que les classes populaires aux Etats-Unis vivaient toujours les conséquences du krach de 29. Le chômage ayant délivré des milliers de personnes du joug du salariat pour les plonger dans un état encore moins enviable, celui du déclassement et de l'expropriation, le cinéaste veut redonner courage et dignité à la misère publique écrasante, leur inventant un lieu et un mode de vie investi et géré par eux-mêmes, dans une propriété foncière en marge de la ville. Loin d'être communiste pour autant, l'idéologie du film tend à renvoyer dos-à-dos les deux modèles dominants qui se feront la guerre (froide) quelques décennies plus tard. Il faut bien concéder de nombreuses maladresses à cette démarche (quelques passages franchement machistes, entre autres) mais en choisissant la figure du leader charismatique incarné par le personnage principal, Vidor n'oublie pas d'en démontrer les limites avant la résolution finale des péripéties, ce qui est déjà remarquable.

Fondé sur une architecture narrative très classique (la communauté se fonde, et fait face à des difficultés qu'elle va successivement résoudre jusqu'au triomphe final) le métrage est un pur représentant de cette période transitoire où les films parlants ressemblaient encore beaucoup aux films muets, autant par les jeux d'acteurs que par une narration visuelle percutante. Cela a beaucoup de charme, mais c'est quand le film transcende ce postulat avec des montages inventifs (la scène du jaillissement de la fontaine est un cas d'école) que sa forme est la plus réjouissante. De tous points de vue, ce que transmet King Vidor est avant tout un sentiment d'ardeur collective exaltée, où tout semble possible lorsqu'une communauté agit comme d'un seul corps, autant pour partager ses biens que pour accomplir un dur labeur. Tout cela est peut-être idéaliste, mais Fritz Lang lui-même ne l'est-il pas dans la conclusion de « Metropolis », tout comme Murnau dans « L'Aurore » dont Vidor reprend la résolution romantique du trouble que traverse son couple de personnages principaux ?

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162 avis le 18 novembre 2018.

Voilà un teen-movie remarquable, sorti miraculeusement de l'oubli cette année par sa restauration. Il est un cas d'école d'une narration qui parvient à s'extirper de ses automatisme, notamment en se focalisant sur un clivage social opposant les étudiants aisés venant des grandes villes aux "tailleurs", jeunes défavorisés issus de la petite ville de province où l'université à été construite. Cela lui permet de construire une unité de lieu, une cohérence qui rend la destinée des quatre personnages principaux d'autant plus touchante. Pour le reste, la forme parvient très bien à sublimer une structure narrative très classique (celui de la confrontation au groupe social ennemi par la compétition sportive) par un rythme et une bande-son qui rendent exaltantes les scènes de courses à vélo. On y ressent à merveille le sentiment l'insouciance et de la joie, en roue libre.

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374 avis le 2 aout 2015

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410 avis le 2 aout 2015

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760 avis le 2 aout 2015

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621 avis le 2 aout 2015

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137 avis le 7 juillet 2016.

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497 avis le 2 aout 2015

Un grand western, assurément. Certains aspects ont évidemment mal vieillis, mais l'essentiel est là : une belle amitié, virile et complexe, des personnages pas si manichéens qu'on pourrait croire, une bande-son inoubliable bien qu'un peu entêtante, et un gunfight final de légende.

On pourra dire qu'il m'en faut peu pour me satisfaire, mais Kirk Douglas joue ici un personnage très fort, torturé, nihiliste, nerveux et détesté de tout le monde. Le film vaut le détour rien que pour lui, et il n'a pas que cela à offrir...

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461 avis le 2 aout 2015

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809 avis le 2 aout 2015

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227 avis le 11 octobre 2017.

Kurosawa sonde encore la névrose japonaise post-seconde guerre mondiale, dans la même démarche que « L’ange ivre » et « Chien enragé » sortis juste avant et juste après « Le duel silencieux ». Ici, la métaphore est encore plus limpide : atteint de la syphilis durant une opération où son sang est mêlé à celui de son patient, un jeune médecin de guerre ne peut voir perdurer ses espoirs de mariage après la guerre. Grâce au jeu tout en retenue de Mifune, Kurosawa exprime toute la frustration et la souffrance d’une génération qui a perdu son innocence et son âme sur le champ de bataille. Le lyrisme est bien amené, au long d’une dramaturgie finement menée : d’une relation père-fils très touchante à l’obstination de la fiancée du médecin en passant par la réapparition du patient contaminateur, chaque élément de narration trouve sa place pour étayer le propos. Le cinéaste ne propose pas pour autant un sommet de mise en scène, mais prouve déjà sa capacité de réflexion et d’affect sur la société japonaise de son époque : sorti en 1949, le métrage est un témoignage à chaud, mais déjà avec le recul nécessaire.