Les meilleures séries d'Animation Japonaise

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Dans le foisonnement incessant de récit portés sur l'imaginaire, il est parfois facile d'oublier que l'art de la sobriété peut être le moyen le plus efficace pour produire une émotion instantanée. Mushishi est ainsi l'une des rares œuvres où les notions de poésie, de contemplation et d'onirisme ne sont pas des artifices pompeux mais servent une véritable ambition artistique. La plus grande qualité de ce récit remarquable tient dans la sincérité de ces sentiments où grâce à l'exploitation ingénieuse de son cadre fantastique, cette série de contes initiatiques interpelle avant tout sur l'existence humaine.

Il ne sera pas ici question de violence et d'arrogance puérile mais de guérison et d'humilité. Accepter que l'être humain vit dans un monde immensément vaste dans lequel il ne peut espérer avoir le contrôle total de son existence et continuer à vivre en dépit de cette injustice. Chaque épisode est une nouvelle exploration des facettes de l'âme humaine où le désespoir face au deuil, la mélancolie face à la séparation se succèdent à la combattivité humaine, à l'espoir acharné, à l'harmonie de l'homme avec son environnement. Le récit a également l'humilité de mettre son personnage principal, héros aussi décalé qu'attachant, au second plan pour faire de lui un intermédiaire entre le spectateur et le conte initiatique présenté. Si la teneur de l'intrigue varie et alterne de manière imprévisible la tristesse et l’attendrissement, cette série d'animation dégage en permanence un incroyable sentiment de plénitude qui témoigne de la justesse de son récit.

Que sont les Mushis? Ces choses qui se cachent dans l'ombre et que l'on sent dans l'air. Ce caractère indescriptible de la vie avec lequel l'homme a appris à coexister depuis des millénaires, cette immensité existentielle que tant d'artistes ont cherchés à dépeindre dans leur création. Et contre toute attente, cette série d'animation Japonaise aura rejoint les rares élus ayant réussi à matérialiser cet indescriptible, cette chose que nous nommons de manière si vague "la vie".

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Rarement une œuvre d'animation (même cinématographique) aura réussi à retranscrire avec autant de justesse et de sincérité les échanges entre un adulte et son enfant. Si l'auteur du manga initial mérite le respect éternel pour la trame narrative ayant inspiré cette adaptation, un rapide comparatif avec l’œuvre originale suffit pour prendre conscience du gain qualitatif opéré par le passage en animation.

Il n'y a pas grand chose d'autre à dire sur Un drôle de père sans basculer dans les spoilers inappropriés. N'attendez juste rien d'incroyable de cette série d'animation en termes de rebondissements dramatiques. Cette œuvre est simplement le récit des nombreux problèmes d'un homme simple dont le seul caractère exceptionnel est d'accepter courageusement de sacrifier son plaisir individuel au profit de l'enfant qu'il aime.

Car le sourire de sa fille est déjà suffisant à ses yeux. Et en tant que spectateur, il le sera également pour vous.

Maintenant une saison 2 s'il vous plaît!!!

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Le génie de Naoki Urasawa intelligemment retranscrit en série d'animation faisant preuve à la fois d'une fidélité absolue au matériau d'origine mais d'une vraie inventivité dans sa réalisation. Comme dans la plupart des récits de ce génie de la narration, Monster est une œuvre sombre et intimiste privilégiant toujours l'humanité de ses personnages à un dynamisme outrancier. Les protagonistes sont en effet la moelle épinière de cette intrigue, le récit préférant s'attarder sur leur psychologie tourmentée que sur les rebondissements de son action. Des individus humains, donc perfectibles et imparfaits, qui se voient obliger d'affronter dans la souffrance une menace qui les dépasse et dont l'ampleur maléfique de l’adversaire confère au récit, en dépit de son réalisme, une atmosphère fantastique mettant à rude épreuve la moralité des personnages.

Si la transposition du manga originel est parfois un peu trop sage et aurait gagnée à s'émanciper du récit initial, la qualité de fabrication de l'ensemble est remarquable et embellit considérablement le génie narratif d'Urasawa offrant ainsi au spectateur une expérience véritablement émotionnelle et poignante. Devant la réussite de cette adaptation, il est d'ailleurs incompréhensible que les autres chefs d’œuvres d'Urasawa n'aient toujours pas été transposés en animation.

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L'adaptation réussie du meilleur Shonen jamais crée, l'un des rares récits du genre conservant une qualité constante sur le long terme, exploitant intelligemment l'ensemble de ses protagonistes et offrant un équilibre adéquat entre son humour, ses combats spectaculaires et sa dimension dramatique. Bénéficiant d'un rythme maitrisé (contrairement aux habituelles productions du genre), d'une animation exceptionnelle et d'une excellente bande sonore, cette adaptation visuelle souffre seulement d'un traitement parfois hasardeux dans sa transposition du récit originel et d'une mise en scène beaucoup moins inventive que celle de la première série animée. Sans ses lacunes, cette série serait peut être positionnée en haut de ce classement.

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Œuvre fondamentalement contemplative, Casshern Sins préfère privilégier la puissance évocatrice des images aux dialogues explicatifs et entraîne le spectateur dans l'exploration d'un monde à la triste beauté. Au fil des épisodes se dessine un univers invraisemblable offrant un mélange surréaliste et miraculeusement efficace entre la désolation de Mad Max, les questionnements identitaires de Ghost In The Shell, la tristesse de The Road et la dimension épique de Saint Seiya.

Et au sein de cet univers foisonnant, le récit parvient à éviter les deux lacunes associées à ce type d'univers, la prétention intellectuelle d'une part et de l'autre un prétexte à une sauvagerie débridée. Car Casshern Sins est avant tout un récit sur l'humanité confrontée à sa propre imperfection. En dépit de la gêne parfois suscité par la lenteur du récit, l'aspect poseur de la mise en scène ou l'écriture maladroite de certains personnages, cette admirable série d'animation ne délaisse jamais la construction identitaire de ses héros, pierre angulaire de son univers davantage que le contexte apocalyptique qui les entoure.

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Ce n'est pas pour rien qu'Attack On Titans est devenu un pilier fédérateur de la communauté des animes. Sa principale thématique, sa principale réussite a été justement de fédérer en son sein des influences diverses et à première vue paradoxales, d'unifier par le sang et la rage les archétypes des Shonen et Seinen dans une surréaliste cohésion. Il porte en lui plusieurs des archétypes rébarbatifs associés à ces genres, principalement dans ces protagonistes féminins malheureusement maltraités par le récit, et il pourra toujours lui être reprocher de ne pas aller totalement au bout de son propos, du moins pas durant cette première saison. Mais l'exubérance épique dont il témoigne n'a d'égale que l'intensité dramatique percutante qu'il parvient à véhiculer lorsque le récit se libère de ses conventions.

Attack on Titans n'est pas une histoire d'hommes et de dieux. C'est le récit d'hommes et de femmes qui ne résignent pas devant la fatalité, qui refusent l'inexorable anéantissement du monde.

L'histoire d'hommes et de femmes qui voulaient désespérément croire qu'ils pouvaient apprendre à voler.

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Les différents éléments du synopsis pourront déjà vous sembler familiers mais le ressenti véhiculé par Erased est pourtant distinct des références que vous pourriez avoir en tête. Moins focalisé sur le ressenti mélancolique du héros comme dans Quartier Lointain, moins intéressé par les conséquences des choix du héros à la Life Is Strange et n'évoluant pas dans l'angoissante spirale infernale de l'Effet Papillon , Erased mise davantage sur un romantisme aussi naïf qu'attachant, s'attardant sur les liens affectifs que le héros parviendra à nouer grâce à cette seconde chance de vie.

La charge émotionnelle d'Erased surpasse ses maladresses et en dépit de son final bien trop expéditif, le souvenir de la série reste gravé dans les mémoires avec le nom des jeunes héros qui ont participé à cette aventure. En témoigne cette magnifique scène de l'épisode 11, symbolisant en quelques instants tous les sacrifices consentis par le héros pour sauver ses camarades.

Erased est le parcours de jeunes enfants dont l'ingéniosité de la mise en scène et de la narration parvient à faire ressentir émotionnellement le lien qui les unit.

Les œuvres qui subliment véritablement la beauté de l'enfance sont rares. Celle ci en fait parti.

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La grande popularité de cette série sur l'échelle mondiale provient principalement de sa direction artistique et son ambiance s'imprégnant énormément de la culture américaine en offrant un mélange maitrisé entre western, science fiction et culture Jazz. Pour cette raison, l'univers de Cowboy Bebop trouve ainsi un impact beaucoup plus fort en Occident que le traditionnel imaginaire Japonais. Malgré le charisme certain de ses personnages, cette série d'animation n'est toutefois pas forcément remarquable en terme d'écriture avec des enjeux finalement simples (mais limpides) et quelques regrettables caricatures (ce maudit gamin!) infantilisant un univers pourtant majoritairement adulte. Mais en terme de direction artistique, d'animation, de mise en scène, de bande sonore, bref de réalisation globale, c'est ni plus ni moins l'une des productions visuelles les plus réussies jamais créées.

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Peu importe le classicisme d'un sujet, l'important est son traitement. Sur un principe d'une banalité absolue, Watanabe crée une série incroyablement touchante et humaine, parvenant à réaliser ce que de nombreux animés sont généralement incapables : nous faire croire à ses personnages.

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L'adaptation la plus audacieuse et l'une des plus réussies du classique d'Alexandre Dumas. Car il ne faut pas s'y tromper, si Gankutsuou transpose la trame du Comte de Monte Cristo dans un cadre futuriste et forcément plus mercantile, cette série d'animation témoigne d'un désir sincère de respecter l'atmosphère du roman originel. Le récit plonge ainsi le spectateur dans une ambiance aristocratique et romanesque où la richesse décomplexée des protagonistes ne sert qu'à dissimuler la dépravation de leurs sentiments. L'ingéniosité de la narration est de nous présenter le récit non pas du point de vue d'Edmond Dantès, dont la quête de vengeance demeure pourtant le déclencheur des évènements, mais de celui d'un jeune adolescent qui trouve dans le Comte de Monte Cristo la figure paternelle qui saura répondre à ses tourments identitaires. L'intérêt de cette approche narrative est double, elle permet d'une part de magnifier l’icône élégante du Comte à travers les yeux du jeune héros mais également d'enrichir le récit avec une exploration plutôt pertinente du mal être adolescent, les désillusions successives du personnage principal s'entremêlant avec les plans de vengeance de Dantès et constituant le vrai fil conducteur du récit.

La direction artistique flamboyante de la série enrichit justement cette thématique en accentuant le luxe étouffant qui constitue le quotidien du héros et en illustrant à l'écran son chaos mental grandissant. Certes la profusion d'effets visuels rend parfois l'action un peu confuse mais l'esthétique de Gankutsuou est à la mesure de la multitude des émotions éprouvées par les protagonistes où amour, haine, espoir et nostalgie se succèdent dans un tourbillon sentimental éprouvant.

Il est malheureusement regrettable que la dernière partie de l'intrigue ternisse son propos, d'une part en basculant vers une niaiserie Japonaise que le récit avait pourtant évité et surtout en vulgarisant ses personnages qu'il s'agisse du charismatique Comte se diabolisant jusqu'au ridicule et surtout du jeune héros, devenant tellement passif et pleurnichard qu'il en est exécrable. Si la maladresse du dénouement empêche ainsi Gankutsuou de grimper au Panthéon des séries d'animation Japonaise, l'originalité du concept et la pertinence de son exploitation durant la majorité du récit confèrent à ce Comte de Monte Cristo un attrait véritablement unique et offrent au spectateur une véritable immersion émotionnelle dans un univers aussi fascinant que repoussant.

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Étrange et déconcertant sont les mots définissant le mieux Ergo Proxy tant cette série s'évertue sans relâche à déjouer les attentes du spectateur et à troubler ses repères. Cette alternance ininterrompue dans les atmosphères proposées est à double tranchant. Tantôt, la série fascine par son audace créatrice et la pertinence de la réflexion qu'elle suscite, tantôt elle agace par sa masturbation intellectuelle prétentieuse et tournant en rond.

Il en résulte une œuvre inévitablement inégale car finalement trop hasardeuse et expérimentale dans sa narration. Pourtant en dépit de toutes ses lacunes, Ergo Proxy continue à véhiculer un intérêt persistant. Parce que la série parvient dans ses meilleurs moments à offrir une vraie beauté métaphorique tout en suscitant la réflexion du spectateur et une véritable empathie envers ces personnages englués dans leur chaos identitaire. Ou peut être simplement parce qu'à l'heure où la passivité des œuvres de divertissement est souvent reprochée, il est difficile de ne pas apprécier une série qui ne sacrifie jamais l'ambition de sa démarche sur l'autel du conformisme. Une œuvre imparfaite mais suffisamment originale et audacieuse pour mériter qu'on lui laisse sa chance.