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On prend peu à peu connaissance des conditions qui ont poussé les différents intervenants, pour des raisons parfois très différentes, à exécuter de telles opérations. Il est beaucoup question de compétition, dans l'optique d'impressionner la hierarchie et ainsi pouvoir prétendre à de plus hautes positions, mais la question de la passivité est également abordée, et c'est sans doute là que se loge la partie la plus dérangeante du film. C'est le personnage de Ken Watanabe et de son collègue, tous deux infirmiers qui auraient pu dire "non", qui cristallisent cette thématique morale : ils avaient parfaitement conscience de la nature de l'opération et ils ne s'y sont pourtant pas opposé. Le prétexte est sans doute tout à fait sincère, mais le résultat est le même : ils ont participé à la mise à mort d'un être humain. Le fait que des enseignements en découlent, en termes de chirurgie de guerre, n'y change pas grand chose. Ainsi, des médecins ont fait des expériences afin de voir jusqu'à quel point on peut aller dans l'ablation d'organes vitaux comme les poumons ou le foie avant que mort s'en suive. Autant dire que thoracotomies et massages cardiaques sont de la partie : c'est à ce titre un film à réserver à un public averti, car dans une logique de réalisme horrifique, il semblerait que des corps d'animaux bien vivants (des chiens a priori) aient été utilisés pour simuler les opération in vivo. Et on y croit. Heureusement, c'est en noir et blanc.

La dernière partie s'engage après une énième horreur, après que les soldats japonais aient demandé aux infirmiers de conserver le foie d'un soldat américain dans un bocal comme artéfact autour duquel une fête s'organisera, pour des raisons laissées floues. Les remords commenceront à parcourir les deux protagonistes, et l'un des deux en viendra à douter de son état : se pourrait-il qu'il soit réellement vivant et qu'il éprouve aussi peu d'émotion, aussi peu de compassion, à l'égard d'un autre être vivant ? Le film s'engage au cours de ce segment dans la veine d'un conte moral, une sorte de conclusion hors du temps captée dans l'ombre, après avoir passé l'essentiel du film derrière les barreaux d'une prison (pour le temps présent) et dans tous les recoins d'un hôpital (pour l'époque des flashbacks). L'amosphère clinique particulièrement lourde et sombre s'atténue enfin, dans les dernières minutes, et laisse place à...

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... des questionnements existentiels atemporels, sur le thème de l'aliénation, de l'asservissement au pouvoir, du statut de bourreau volontaire et des conséquences de l'égoïsme, de la lâcheté, de la jalousie ou encore de l'ambition.

Expérience de Milgram.

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Mais il complète rapidement le portrait en nous montrant l'aisance incroyable avec laquelle un gamin de 5 ou 6 ans parcourt les couloirs et escaliers du centre afin de montrer une feuille de résultats à un adulte. On n'aurait presque pas vu de différence s'il n'était pas aveugle, tant on aurait pu relier cette démarche maladroite à son très jeune âge. La séquence suivante montre une éducatrice accompagnant, à l'aide d'une canne, une autre enfant à la découverte des territoires mal connus, à savoir ces couloirs, ces escaliers, ces portes. Parcours initiatique par excellence, on suit de près l'appréhension de son environnement et l'analyse des sons, des textures, des obstacles. L'environnement direct est sans cesse questionné, par les sens valides autant que par le rationnel — le type de porte, avec ou sans carreaux, avec ou sans paillasson, renseigne directement sur l'endroit où l'on se trouve.

Sans surprise, on retrouve ces séquences indissociables de la méthode Wiseman : l'observation de la parole, soit lors de débats (réunions, confrontations), soit lors d'échanges techniques (au téléphone, dans un bureau). Elles sont innombrables, mais parmi les plus marquantes, on retient cette mise au point entre un adulte et un enfant, premier signe négatif après une première heure un peu idyllique, ce dernier ayant brisé ses lunettes (pour attirer l'attention, probablement, dans un centre pour aveugles et malvoyants, ça ne s'invente pas), ou encore ce cours d'éducation civique où l'on entend des trivialités états-uniennes comme "ici, en Amérique, une personne, si elle en a le potentiel, peut atteindre n'importe quel but qu'elle s'est fixé".

La caméra balaie les lieux, les âges, les personnalités, de la maternelle à la terminale, de l'apprentissage basique de l'autonomie jusqu'à l'immersion dans un cadre plus "normal", en multipliant les outils-béquilles. Une exploration du monde du handicap qui sera complété par trois autres films sortis la même année, "Deaf", "Adjustment & Work", et "Multi Handicapped"

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De temps en temps la concentration en stéréotypes devient un peu excessive, au-delà de ce que ce format tolère à mes yeux, à l'image des dialogues entre les personnages figurés par des écus qui sortent de leur bouche — pas de vrais dialogues parlés dans ce film. Bien sûr la symbolique des rats (avec quelques inserts de vrais animaux) qui envahissent la ville est très forte, mais elle complète assez bien l'ambiance gothique médiévale des ruelles étroites et des arches gothiques menaçantes, et permet de refermer l'histoire sur un mouvement franchement sordide. L'ambiance générale, avec ses couleurs et ses lumières, constitue ainsi quelque chose de vraiment saisissant, inspirée par l'univers de Robert Wiene ("Le Cabinet du Docteur Caligari" est une référence citée par le réalisateur).

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De manière tout à fait surprenante, Nicolas Roeg parvient à tisser une atmosphère incroyablement originale et bizarre de ce postulat de départ rachitique, en instillant peu à peu les ingrédients discrets d'une discorde qui détruira le magnifique paysage. Elle rêvait d'apprendre à survivre un peu comme un peuple primitif, mais lui avait tout simplement prévu de vivre d'amour et d'eau fraîche (fraîchement et régulièrement envoyée par son éditeur, comme une avance sur la publication du livre retraçant cette expérience à paraître) et de se repaître de cette monumentale flemme. Sauf qu'emmuré dans son obsession contemplative, il perd l'assentiment de sa conjointe qui en retour refuse de faire l'amour. Il s'ensuit une série de monologues, décrivant une situation d'incommunicabilité délirante, ponctuée par-ci par-là d'infections et de maladies en tous genres. Sur un rythme vraiment très étrange, avec un sens très singulier de la poésie, le paradis annoncé se transforme en un purgatoire parfaitement insolite.

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La surprise du chaos narratif, partagé entre une forme de réalisme exacerbé et une certaine tendance à s'éterniser dans le plan, se poursuivra jusque dans le dernier temps du film, lorsque la réalité se rappellera au contrôleur, perdu au milieu de l'océan et contraint de sauter de bateau en bateau pour retrouver la rive et sa vie de train. Une échappée buissonnière totalement foutraque et insolite, clivante aussi, dont le caractère fantaisiste pourra être très rebutant, le propre des comédies loufoques. Mais cette façon de filmer une envolée existentielle, le temps d'une courte escapade, façonnée dans un pragmatisme quotidien paradoxal, se terminant en cuissardes, valise à la main, échoué sur un banc de sable après l'annulation d'un vol pour New York, est d'une tendresse incroyablement attachante. Le bazar absolu d'une soirée samba surréaliste dans une salle municipale, ce moment de liberté, au-delà des obstacles à la communication et avant le retour à la réalité, aura changé bien des choses.