Top films 2015

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Le plus intriguant, au fond, c'est d'observer la trajectoire depuis leur condition d'enfants de petits bourgeois jusqu'à leur réflexion sur la nécessaire implication dans la lutte armée. Ils ont eu les moyens de se forger une conscience intellectuelle qui s'est progressivement tournée contre la génération de leurs parents, contre les restes de la société nazie périclitante, et contre l'autorité répressive en général. Même s'il n'y a pas à proprement parler de propos sur cette théorie de la violence, je trouve assez fascinant comment de simples révoltés, ignorés par le pouvoir, ont fini par se métamorphoser précisément en la figure de terroristes qu'on leur avait posée, un peu hâtivement, au tout début de l'histoire de leur organisation.

Comment des journalistes, de éditeurs, des cinéastes, des jeunes appartenant à une certaine élite bourgeoise et intellectuelle sont passés de la nécessité de la lutte sociale à une nécessité d'une toute autre forme, résolument violente. Comment l'utopie intellectuelle a engendré presque naturellement l'avènement de l'action sanglante : le passage de l'un à l'autre, souligné dans le documentaire par la parole qu'on ne leur donne jamais vraiment dans les médias de l'époque, (journaux, émissions, etc.) bien avant le point de bascule violent, trouve une résonance très particulière avec la perception de la radicalisation terroriste contemporaine.

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Le docu retrace très rapidement l'histoire des effets spéciaux en remontant à des personnages antiques et emblématiques comme Lon Chaney en allant jusqu'à la jonction avec l'ère numérique, bien sûr, sans trop d'amertume dans le discours, mais en constatant clairement un point de non-retour partagé par bon nombre de personnes biberonnées aux effets bien dégueulasses caractéristiques des années 80. Pas de jugement hautain, mais de mépris, juste des passionnés qui parlent de leur art et qui laissent entrevoir un petit bout de leur immense talent. Quelques témoignages sur la transition très difficile vers l'imagerie de synthèse, avec des avis relativement nuancés, à travers notamment l'interaction qu'il existait entre un maquilleur et un acteur, ce que l'on ne retrouve plus sur fond vert. À ce titre "Jurassic Park" est présenté comme le film-charnière par définition, à l'interface entre les deux mondes. L'histoire de Rick Baker est aussi renversante, dégagé du tournage de "Men in Black" à la faveur des effets spéciaux émergeants alors qu'il avait créé toutes les créatures. On peut regretter l'absence de Rob Bottin dans ce paysage magique, même si son travail sur "The Thing" de Carpenter est évidemment mentionné, ma référence absolue en matière de conception d'effets spéciaux à l'ancienne.

Ce qui frappe dans cet océan nostalgique, c'est qu'on a souvent l'impression de voir de grands (et vieux !) enfants s'exprimer sur leur passion démentielle, et les témoignages abondent en ce sens : "you have to keep the kid feeling alive", "it's important to see the world through child-like eyes", etc. Des enfants qui ont vieilli, et qui ont conscience d'avoir vécu un âge d'or, de l'avoir vu émerger et de l'avoir vu disparaître. Le docu a le mérite de faire ressentir l'idée présente dans le titre, à savoir le fait que ces gens ont littéralement donné vie à des créatures à travers ces films, dans un foutoir créatif inimaginable. Un travail d'artisan, avec des animatroniques nécessitant 15 personnes autour pour gérer les différentes parties de la bestiole, assorti d'un regard très mesuré sur le passage du traditionnel au monde moderne.

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Autant sa façon de filmer l'âpreté des conditions de travail est puissante et percutante — les mineurs qui triment au fond des galeries ou en surface, le visage maculé de traces noires comme au siècle dernier en France — autant les allégories oniriques et autres affèteries de mise en scène (voix off, personnage-narrateur) m'ont paru vraiment superflus ou du moins un peu ratés dans l'effet recherché et non-atteint. Quelques effets étranges, comme ces plans fragmentés irréels, parents de Sokourov. Le film file la métaphore éponyme de Béhémoth, les travailleurs étant perçus comme des créatures minuscules dominées par le monstre qu'ils ont eux-mêmes créé, symbole des mirages de la vie moderne, dévorant autant la terre que les hommes. La symbolique finit par être un peu lourde à force d'être matraquée ("Ceci n'a rien d'un rêve. Il s'agit bien de nous. Nous sommes ce monstre, nous sommes ces laquais.") mais elle est en un sens compensée par les transitions thématiques et colorimétriques du docu, évoluant entre gris, rouge et bleu, entre enfer, purgatoire et paradis (artificiel bien entendu, avec ces villes-fantômes particulièrement flippantes).

Cette figuration de l'exploitation et de l'industrialisation monstrueuses, incontrôlables, est plutôt bien rendue, avec pour point de chute des humains réduits à l'état d'esclavage. Zhao Liang est plus efficace lorsqu'il s'intéresse à la destruction des paysages que lorsqu'il essaie de montrer les ravages sur les corps des ouvriers malades — cette séquences paraissant étrange et forcée (alors que le sujet est tout aussi pertinent). À mon goût, un peu trop didactique et une poésie un peu trop surlignée, à l'image de l'aphorisme "Tout l’or scintillant sous la lune n’a jamais apporté à l’humanité usée par le travail un moment de réconfort."