Les meilleurs films d'animation (dessins, 3D, etc.) selon Marius Jouanny

Annotation :

voir critique.

Annotation :

Deuxième visionnage. -1.

Après lecture du manga, il est clair que le long-métrage est moins touffu et laisse d'ailleurs un peu sur sa faim quant à la résolution des enjeux en conclusion de métrage, un peu à la manière d'Akira. Mais tout de même, quelle claque ! Quelle virtuosité formelle pour l'époque, dans le mouvement, les décors. Et quant au propos écologiste, on peut tout autant dire qu'il est très largement avant-gardiste. Au delà de ces éléments saillants, le film marque pour le déluge d'émotions qu'il délivre à travers le seul personnage principal. Nausicaa incarne une vitalité qui submerge d'autant plus qu'elle se révèle aussi étouffée d'angoisse et de faiblesse. Cette ambivalence est d'ailleurs parfaitement symbolisée par le double-décor de la forêt toxique qui révèle finalement sa pureté naturelle. Le motif des souvenirs d'enfance de Nausicaa qui traversent le film viennent parachever cette impression unique d'une jeunesse inoxydable et pourtant tourmentée qui ne fait finalement qu'un avec la nature souillée par les hommes mais pourtant toujours bien vivace.

Annotation :

Voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

Comme je l’espérais, « Akira » synthétise avec brio en deux petites heures la force métaphysique qui émane de l’écrasante série de manga dont il est l’adaptation. Il retranscrit d’abord cet univers sombre, poisseux et dense qui fait tout le charme des deux œuvres : les buildings, quartiers industrielles, laboratoires et complexe militaire souterrain de ce Néo-Tokyo en 2019 prennent vie sous nos yeux avec une inventivité visuelle foisonnante. Dans cette optique, l’excellente et envoutante bande-son rajoute une dimension supplémentaire, fusionnant avec l’action et les décors par des envolées audacieuses et ébouriffantes.

Le film plante donc le cadre et les personnages aussi pertinemment que le manga, réduisant évidemment le nombre de lieux et de protagonistes sans trop perdre de son épaisseur dramatique. Mais si toute l’énergie du cinéma d’animation japonais est déversée durant de nombreuses séquences de course-poursuite et de tueries explosives au rythme virtuose, le film s’attarde trop peu sur la déconstruction du récit. En effet là où le manga s’attarde longuement et justement sur la puissance destructrice de Kaneda jusqu’à transformer Néo-Tokyo en ville post-apocalyptique pour continuer sur cette rupture, le film n’a pas d’autre choix que de s’arrêter sur cette acmé sous forme de déflagration psycho-nucléaire. C’est un peu frustrant, et je ne peux pas m’empêcher d’imaginer le chef-d’œuvre qu’Otomo aurait pu réaliser avec une heure ou deux de plus. La fin du film atteint tout de même brièvement une abstraction mystique et cosmique, comblée par la grâce, rappelant aussi bien Kubrick, Moebius, Jodorowsky ou bien le documentaire « Koyaanisqatsi ».

Annotation :

Parmi les mise en abyme du cinéma de Satoshi Kon, j'étais loin de me douter que Millennium Actress avait une place aussi importante, tant il s'agit de son film qui parle le plus explicitement de cinéma. Il pastiche les genres du cinéma japonais (du film de samouraïs à la romance en passant par Godzilla et les films de guerre il ne manque plus que le polar pour compléter le tableau) pour en retirer toute la force dramatique des motifs narratifs. Malgré sa narration éclatée, il s'avère donc plus accessible que Perfect Blue et Paprika, mais il n'en est pas moins vertigineux par son rythme et l'univers passionnant qu'il déploie. Et puis, quel bonheur de le découvrir au cinéma !

Annotation :

Un très bon Satoshi Kon. Si la qualité de l'animation laisse parfois un peu à désirer, la narration, les personnages et le propos du film donnent le vertige : intimiste, chaotique, étrange, très symbolique, Perfect Blue développe ses personnages avec une rare intensité, et un aura mystérieux qui scotche.

Annotation :

Voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

Voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

voir critique.

Annotation :

Henry Selick est définitivement un maître orfèvre. Sorte de réécriture très personnelle du « Magicien d’Oz », son quatrième long-métrage déploie un univers en stop-motion de toute beauté. En son centre, Coraline vit plutôt mal son déménagement à la campagne, entourée de parents écrivains ne lui consacrant pas de temps, et de voisins étranges et asociaux. Le microcosme développé trouve alors un renouvellement, à la fois visuel et narratif, lorsque notre pré-adolescente trouve un monde parallèle derrière une porte miniature, où son propre monde est reproduit dans un mimétisme évolutif : elle y voit tout d’abord une idylle où ses faux parents lui accordent tous ses désirs, qui va bientôt virer au cauchemar.

La démarche de dédoublement du décor et des protagonistes entraîne une inventivité ingénieuse et un rythme au diapason. Tout cela transporte surtout des thèmes d’une maturité et d’une noirceur passionnante : on tient là un film d’animation qui ne ménage rien pour marquer tous les esprits. Séquestration, décomposition d’une vie ordinaire pour en révéler les aspects malsains, emprise affective morbide, Selick s’en donne à cœur joie, dans la pure tradition des contes pour enfants non-édulcorés. Et signe un travail de réalisation véritablement exceptionnel, entre effets de transition, mouvements de caméra virtuoses et une foule de détails à faire tourner la tête, notamment pour la scène du jardin enchanté. Du grand art, qui fait saliver sur les prochains projets du cinéaste, rare mais précieux dans le paysage de l’animation depuis « L’Etrange Noël de Monsieur Jack ».

Annotation :

N’y connaissant rien en cinéma français, celui-ci reste l’un de mes favoris. Il faut dire que la maîtrise du fond comme de la forme en fait un cas d’école en matière de cinéma d’animation français. Le travail d’adaptation est intelligent tout d’abord : Marjane épure le récit autobiographique de sa bande dessinée pour n’en garder que l’essentiel, et se permet de rajouter certains éléments qui n’étaient pas dans l’œuvre originale : si bien que le film est parfaitement complémentaire à la BD, bien que celle-ci reste plus complète et poignante. Cette épure impose en tout cas un rythme au cordeau : la fluidité réside dans les transitions, l’humour irrésistible au milieu du drame, notamment par un langage peu châtié, et une bande-son particulièrement bien travaillée.

En passant sans complexe de la couleur au noir et blanc pour les changements d’époques, et à une épure stylistique encore plus prononcée pour les passages de narrations historiques, le film est dense, propose à la fois une lecture historique de l’Iran des années 70 à 90 et le parcours d’une femme, de son enfance à son adulescence. Formellement, c’est aussi une petite merveille : le savoir-faire visuel est prodigieux, impressionnant de simplicité, d’expression et d’efficacité. Le mérite n’est d’ailleurs pas entièrement dû à Marjane mais aussi à Vincent Paronnaud co-réalisateur du film, connu sous le nom de Winshluss pour sa casquette d’auteur de BD, autre grand auteur de la BD indépendante des années 2000. « Persepolis », se voulant à la fois universel, intimiste, drôle, émouvant, parvient à un résultat peu commun, lançant la carrière ciné d’une réalisatrice plutôt discrète depuis. « The Voices » qu’elle a sortie l’année dernière est néanmoins tout aussi inventif et réjouissant, et son prochain long-métrage est prévu pour l’année prochaine. Marjane ne s’est donc pas non plus éclipsée du paysage cinématographique après ce premier film, bien qu’elle ai malheureusement arrêtée la BD depuis 2004.

Annotation :

Univers fantasmagorique, coloré et surréaliste, Paprika de Satoshi Kon est un film véritablement marquant de l'animation japonaise. Explorer le monde des rêves en passant de la légèreté au malsain, il n'y a que les japonais pour réussir un écart pareil. Il reste même parfaitement cohérent malgré ses nombreux moments de folies pures, et ses rapports souvent singuliers entre les personnages. Sans atteindre la grâce et la virtuosité d'un Miyazaki (je suis moins friand du style graphique de ce film que des Ghibli) on reste admiratif d'une imagination aussi débordante... Et d'une bande-son aussi envoûtante ! Il est en tout cas étonnant de voir comment ce film a inspiré "Inception", tout en étant lui-même inspiré de "Princesse Mononoké" pour sa fin, et de "Eternal Sunshine of the Spotless Mind" pour certains passages (même si ça c'est moins sûr).

Annotation :

voir critique.

Annotation :

La réussite d'un Pixar semble tenir à peu de choses, tant certains thèmes abordés par « Coco » (l'enfance et ses conflits familiaux, le désir de s'émanciper en réalisant ses rêves, etc) sont éculés dans le champ du cinéma d'animation. Le génie du studio est toujours de combiner des enjeux prévisibles avec une part d'inattendu qui fait tout le sel du métrage. Ici, c'est le rapport à la mort inspiré de la culture mexicaine, qui est très ingénieusement traité pour un film tout public. Le film ne tombe pas dans la simple représentation d'une vie éternelle après la mort et de son univers fictif car quand les morts sont oubliés par les vivants, ils disparaissent à jamais. C'est ainsi qu'une réflexion sur la mémoire fait une irruption très émouvante et donne une justification puissante aux rituels de deuils mexicains, et au titre du film par la même occasion. Certes, l'univers visuel somptueux et le déroulement narratif du film, s'ils sont encore une fois très riches, n'atteignent pas l'inventivité de chaque instant d'un « Vice-Versa ». Et les scènes chantées sont un peu en deçà de ce qu'on pouvait attendre d'un film sur la culture mexicaine. Mais l'émotion submerge parfois la narration avec le brio des meilleurs films du studio, tout en apportant une réflexion sur la cellule familiale très aboutie, et cela est très précieux.