Les meilleurs films en noir et blanc selon abscondita

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Un horror folk indien malayalam au noir et blanc superbe avec des plans de grandes beautés.

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Le caractère atmosphérique est en grande partie dû à la photographie noir et blanc de Freddie Francis qui employa une focale à diaphragme fermée pour augmenter la profondeur de champ dans plusieurs scènes.

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Haneke désirait tourner directement le film en 35 mm et en noir et blanc mais les recherches concernant le noir et blanc sur l'argentique ayant été abandonnées par les laboratoires et les industries techniques, le cinéaste fut contraint de tourner en couleur. Il passa au noir et blanc lors du report en numérique, au montage, pour enfin repasser à la pellicule lors du tirage du positif bien qu'il fallût à nouveau un report numérique pour l'exploitation en salles car la plupart de ces dernières était déjà majoritairement convertie à la projection numérique5. En France, le film fut finalement exploité sur les deux supports : argentique et numérique.

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« J’ai grandi avec le noir et blanc et la couleur. Plus tard, j’ai appris qu’il existait un "noir & blanc hollywoodien", avec une patine plus soyeuse, plus veloutée qui rendait tout plus glamour. C’est ce que j’ai voulu utiliser parce que, dans le regard d’un enfant de 9 ans, ses parents sont des stars de cinéma et tout est plus grand, plus beau que nature. […] C’est un paradoxe étrange de gagner en authenticité avec un traitement poétique de l’image. Je voulais que ce "noir et blanc hollywoodien" participe à la mythologie de cette histoire, qu’il donne à l’environnement le plus commun une dimension épique et glamour. » (Kenneth Branagh)

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La scène d'ouverture laisse penser à un film en couleur, mais le reste du film est entièrement en noir et blanc. En effet, la première scène se déroule dans le cabinet d'une voyante chez qui Cléo se rend pour lire les cartes de tarot, alors filmées dans leurs couleurs originales. Les scènes qui suivent, des visages des personnages aux paysages parisiens, arborent un noir et blanc qui fait écho à la Nouvelle Vague, genre cinématographique dont Agnès Varda fut l'une des rares réalisatrices.

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Avant de tourner le film, Robert Wise exige dans son contrat que La Maison du diable soit en noir et blanc. Plus tard, lorsqu'il apprend que des techniciens travaillent à la colorisation du film, Wise réaffirme son opposition. Il est soutenu par le syndicat des réalisateurs américains (DGA), dont il est un membre éminent. La société Turner, qui détient les droits du film, décide finalement de ne pas exploiter cette version colorisée.

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Pour ce premier film de Joel Coen en noir et blanc, le directeur photo Roger Deakins explique avoir revu quelques films pour la préparation. En autres Tueur à gages (Frank Tuttle, 1942) ou Le Dahlia bleu ( George Marshall, 1946).

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L'emploi du noir et blanc dans le film a été imposé à la production, au départ récalcitrante. Ce choix esthétique fait non seulement écho au court métrage d’origine, mais aussi au film Frankenstein de James Whale (1931). Comme le souligne Tim Burton : "Le noir et blanc fait partie intégrante de l’histoire, de son identité et de son émotion et cela a toujours été très important. Le noir et blanc a quelque chose d’émouvant, un peu comme si c’était un personnage. Voir ce type d’animation en noir et blanc ajoute une certaine profondeur, et la manière dont les personnages et les objets entrent et sortent de l’ombre est très intéressante, elle contribue à raconter l’histoire."

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Le réalisateur a choisi de filmer totalement en noir et blanc afin de symboliser le bien et le mal, seules les peintures apparaissent en couleur à l'écran.
Le film a remporté l'Oscar de la meilleure photographie en noir et blanc en 1946