Les meilleurs films LGBTI+ selon abscondita

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Le film est tiré du roman du même nom de Patricia Highsmith qui a été publié en 1952. Même s'il est aujourd’hui considéré comme un chef-d’oeuvre, cet ouvrage a d’abord été publié sous le nom de Claire Morgan, l’un des 40 pseudonymes inventés par Patricia Highsmith tout au long de sa carrière. La raison ? Il s'agit d'une œuvre sur une relation lesbienne dont la thématique et le message vont à l'encontre des valeurs propres à la société américaine des années 1950. Lors de sa sortie, "Carol" a connu un grand succès à la fois commercial (1 million d'exemplaires vendus) et critique (l'auteur s'est rendu compte via de nombreuses lettres à quel point la communauté lesbienne avait apprécié le livre).
Cannes 2015

Carol a été présenté en compétition au Festival de Cannes 2015 et a obtenu les récompenses suivantes : la Queer Palm et le Prix d'interprétation féminine pour Rooney Mara.

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Le livre de Pat McCabe paru en 1998 avait marqué le réalisateur Neil Jordan, qui y voyait des résonances très personnelles. Il explique que l'ouvrage lui offrait " la possibilité de faire un film dans la veine du Candide de Voltaire- un jeune homme innocent qui traverse la vie, persuadé que tout finira par s'arranger alors que ses diverses expériences devraient le convaincre du contraire. Tout au long de sa vie, il s'accroche à cette conviction qui est absurde. Pour moi, j'ai vu ce que l'histoire pouvait devenir, parce qu'elle était liée à beaucoup d'aspects de ma vie dans l'Irlande des années 70. C'est quelque chose de très spécifique, surtout à cause des références musicales qui ont permis à l'histoire de devenir une sorte de voyage à travers ces années-là: la musique, la mode et ses obsessions, le sentiment de ne pas être à sa place, les actes d'intolérance, la tension politique et la violence qui sous-tend tout cela."

La "transformation" de Patrick en Kitten a nécessité les efforts coordonnés des équipes de coiffure, de costumes et de maquillage. La maquilleuse Lynn Barber témoigne:"Cillian a un profil de mâchoire bien défini que nous avons estompé avec des ombres. Il fallait aussi qu'il se rase environ trois fois par jour et prenne bien soin de sa peau." Il fallait que Patrick ait un look à la fois androgyne, beau et innocent. Lynn poursuit:"Le personnage de Patrick est fasciné par les vêtements des femmes, par leurs accessoires et tous les flacons et les tubes dont elles se servent depuis leur plus jeune âge. "

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Priscilla, folle du désert est devenu un film culte pour toute une génération lors de sa sortie en 1994, notamment pour la communauté gay. En effet, les personnages sont montrés comme des gens normaux, avec leurs qualité et leurs défauts, et ne sombrent pas dans la caricature.

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L'homosexualité au temps de l’Angleterre édouardienne. Elle était passible de prison et du fouet.

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Film indien sur une fille transgenre.

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Documentaire qui retrace l'histoire de la représentation des personnes trans dans le cinéma américain. Le film s'appuie sur de nombreux extraits cinématographiques ainsi que sur des témoignages de personnes travaillant dans le milieu du cinéma.

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Il s'agit du premier film venant d'Hollywood qui traite du sida, de l'homosexualité et de l'homophobie.

Le film est en partie inspiré de l'histoire de Goeffrey Bowers.

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Le scénario est inspiré du parcours de militants homosexuels, qui se sont mobilisés pour aider des mineurs en grève au Pays de Galles en 1984. Lorsque le projet a été proposé par le producteur et le scénariste, personne ne croyait à cette histoire. Mais après maintes vérifications qui ont confirmé cette dernière, Stephen Beresford se lança dans l’écriture du scénario. "Si Pride est drôle et émouvant, c’est surtout une histoire vraie. Du coup, c’est d’autant plus fort de voir ces personnages qui, au départ, s’opposent, puis qui font front commun." ( David Livingstone, producteur)

"C’est une histoire d’une importance capitale, et je pense que le LGSM a, sans le vouloir, contribué à faire tomber les barrières et les préjugés, ce qui a permis aux droits des homosexuels d’être reconnus et protégés par la communauté LGBT (Lesbiennes, Gays, Bisexuels et Transsexuels), le manifeste du parti Travailliste et le Congrès des Syndicats. Les Gallois ont vraiment eu le sentiment que personne n’avait encore reconnu ce que ces jeunes gens ont accompli, et tous les gens que nous avons rencontrés étaient heureux d’en parler et de voir l’aboutissement de leur combat enfin représenté à l’écran. Je tenais par-dessus tout à ce que la Gay Pride soit représentée comme un événement politique, et pas comme un carnaval." (Stephen Beresford, scénariste)

"C’est l’un des meilleurs scénarios que j’aie jamais lu. Je n’ai pas hésité une seconde à donner mon accord. J’irais même jusqu’à dire qu’il s’agit du film le plus important de l’année, dans le genre évocation historique. Le croisement de ces deux intrigues – la grève des mineurs et l’histoire de la communauté gay d’Angleterre – est remarquablement mené. On ne peut pas se permettre de raconter n’importe quoi, d’autant plus que ces événements n’ont cessé d’être dévoyés et déformés depuis qu’ils ont eu lieu. C’est l’une de mes meilleures expériences." ( Bill Nighy)

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Un thème majeur de Moonlight est l'identité masculine noire et ses interactions avec l'identité sexuelle. Le film prend la forme d'un triptyque afin d'explorer le chemin d'un homme d'une enfance délaissée, en passant par une adolescence en colère, jusqu'à l'épanouissement à l'âge adulte.

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Ce film aborde le thème de l'homosexualité féminine et de la liberté d'expression en Inde.

Le film a été violemment critiqué en Inde. Ses opposants lui ont entre autres reproché son approche de l'érotisme entre femmes, qu'ils estiment contraire à la religion hindouiste et provenant d'une culture étrangère. De nombreuses salles ont été saccagées lors de la projection du film. Ces attaques ont suscité des réactions de défense de la tolérance et de la liberté d'expression.

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Le scénario de The Crying game est basé sur la nouvelle A guest of the nation de l'écrivain irlandais Franck O'Connor.

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Au sujet de l’homosexualité, thème important du film, Ettore Scola juge que, « sous le fascisme, celui-ci n'existait même pas comme concept. Le mot n'est jamais apparu sur un journal de l'époque. […] Beaucoup d'homosexuels étaient indirectement accusés et éloignés de leur travail, ils étaient envoyés aux confins de Carbonia, en Sardaigne, où étaient détenus également des subversifs non homosexuels. »

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Le film s'appuie sur les évènements du 28 juin 1969, qui dans la lutte pour la reconnaissance des droits homosexuels aux Etats-Unis représente un jour clé. En effet, une série de manifestations violentes ont éclaté contre un raid de la Police mené au bar Stonewall Inn dans le quartier de Greenwich Village à New York. Ce lieu était notamment l'un des repères importants de la communauté homosexuelle. On considère que le 28 juin 1969 marque le point de départ du militantisme homoseLe film s'appuie sur les évènements du 28 juin 1969, qui dans la lutte pour la reconnaissance des droits homosexuels aux Etats-Unis représente un jour clé. En effet, une série de manifestations violentes ont éclaté contre un raid de la Police mené au bar Stonewall Inn dans le quartier de Greenwich Village à New York. Ce lieu était notamment l'un des repères importants de la communauté homosexuelle. On considère que le 28 juin 1969 marque le point de départ du militantisme homosexuel aux Etats-Unis ainsi que partout dans le monde.xuel aux Etats-Unis ainsi que partout dans le monde.

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Kimberly Peirce résume ses intentions : « Le destin de Brandon Teena est, sans aucun doute, dramatique et tragique. Mais le défi était de trouver la dimension humaine, de découvrir ce que signifiait, pour Teena, être dans la peau de Brandon, la toute première nuit où il a été pris pour un garçon. »

Kimberly Peirce a demandé à Hilary Swank de s'impliquer totalement dans le rôle en se comportant dans sa vie quotidienne comme le ferait un garçon.
L'expérience dura quatre semaines, durant lesquelles Hilary Swank a abordé des filles dans les centres commerciaux ou sur les pistes de roller-skate, et a créé l'illusion au point que personne n‘était choqué de la voir laver slips et chemises dans des laveries automatiques.

Hilary Swank raconte : « Je savais que c'était vraiment important que je sois prise pour un garçon, pas seulement que je parle ou que je marche comme l'un d'eux. Aussi, étais-je très heureuse de faire ces expériences. Il est assez évident que les gens me parlaient comme si j'étais un jeune homme. J'étais fascinée par leurs réactions, toujours les regardant des les yeux pour essayer de savoir comment ils me percevaient, s'ils me perçaient à jour. »

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L'histoire d'un jeune garçon homosexuel qui s'est heurtée à l'incompréhension de sa mère, une croyante presbytérienne intégriste, faisant une lecture littérale de la Bible.

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Le Secret de Brokeback Mountain est le neuvième long métrage d'Ang Lee, cinéaste qui s'est essayé à différents genres, signant aussi bien une adaptation de Jane Austen (Raison et sentiments) qu'un film de super-héros (Hulk). Cependant, le thème de l'homosexualité était déjà au coeur de Garçon d'honneur, le film qui l'a révélé en 1993, tandis que Chevauchée avec le diable, sorti en 2001, avait déjà des allures de western.

"Les cow-boys sont tellement timides, explique Ang Lee. ils ne savent pas quoi faire de leurs mains. Ils parlent peu. Dans la première scène, quand Ennis et Jack se rencontrent, il n'y a aucun dialogue. Larry m'avait écrit à propos de la culture ‘non verbale' de l'Ouest. J'avais fait un film sur une culture du verbe avec Raison et sentiments. D'une certaine façon, celui-ci était plus difficile parce que s'ils n'expriment pas leurs sentiments et qu'ils communiquent de façon uniforme, alors un bon moyen de faire passer leurs sentiments est d'utiliser les éléments du Western : le paysage, le ciel, les animaux. "

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En 2017, Denis Parrot est tombé sur une vidéo YouTube : un jeune avouait son homosexualité à sa grand-mère au téléphone et se filmait avec sa webcam. "On sentait chez lui une immense difficulté à parler, la peur de ne pas être compris ou accepté. On devinait aussi qu’il anticipait ce moment depuis des mois ou même des années. La vidéo durait dix minutes, et pendant neuf minutes, avant qu’il ne parvienne à avouer, il y avait beaucoup de silences, de phrases banales du quotidien. Cette vidéo m’a beaucoup ému, non seulement par rapport au dispositif, très simple, un peu tremblotant, mais aussi par ce qu’elle dévoilait de non-dits dans ses silences", se souvient le cinéaste. "Ensuite, j’ai vu qu’il y avait sur YouTube, non pas une ou deux vidéos de ce type, mais des milliers, provenant de différents pays. J’ai tout de suite su qu’il y avait là un sujet que je voulais traiter. Je voulais montrer à quel point le coming out, ces quelques mots prononcés aux parents, à la famille ou aux amis proches, sont un moment de tension après des mois, des années durant lesquelles ces jeunes ont tout gardé en eux, sans oser en parler."

Avant de s'attaquer au montage de son film, Denis Parrot a tout d’abord visionné plus de 1 200 vidéos de coming out sur les réseaux sociaux, mises en ligne entre 2012 et 2018, pour bien comprendre ce phénomène sur Internet et se faire une idée de ce à quoi allait ressembler le film. En parallèle, un travail de traduction a été mené pour les vidéos tournées dans une langue qu'il ne comprenait pas, mais dont il pressentait l’intérêt. "Ensuite, je me suis livré à un gros travail d’écriture pour que toutes les thématiques que je souhaitais aborder apparaissent dans le film de façon équilibrée et pertinente. J’ai considéré ces vidéos comme des images d’archives contemporaines, comme une photographie de notre époque, des années 2010. Ces vidéos n’auraient pas pu exister il y a 20 ans et elles ne seront pas les mêmes dans vingt ans. Elles s’inscrivent dans notre société, elles parlent de notre monde occidental actuel. Je voulais également que le film, par le truchement du montage, permette à ces images d’exister pleinement et durablement, qu’elles ne finissent pas enterrées sous les tombereaux de nouvelles vidéos sur YouTube", explique le cinéaste.

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Trois nuits par semaine aborde l’univers du drag sous l’angle d’une histoire d’amour. "Il m’a semblé que la meilleure façon d’inviter le spectateur à la découverte de ce monde serait de le faire par le biais d’un personnage amoureux auquel il pourrait s’identifier. Baptiste s’immerge dans l’univers du drag mû par son désir, et son émerveillement pour Cookie", explique le réalisateur. Il s'agissait aussi de montrer la place occupée par le drag dans la vie de Quentin, au risque de menacer sa relation avec Baptiste : "Cookie permet la rencontre entre les deux garçons, mais finit aussi par l’empêcher. C’était important pour moi que ce qui fasse obstacle pour Baptiste ne soit pas le fait que Quentin soit un homme. Mais bel et bien que le drag prenne trop de place dans leurs vies respectives pour permettre leur relation."

De la même façon qu'il souhaitait filmer le drag dans toutes ses étapes, la réalisateur a décliné toutes sortes de show dans son film. On passe ainsi de concours locaux à des spectacles d'envergure. "Je voulais absolument donner un panel le plus large possible de la culture drag : du défilé, du stand-up, du playback chorégraphié... Il fallait aussi que les numéros s’intègrent chaque fois à l’intrigue."

Florent Gouëlou a confié les rôles des drag queens à de vraies queens, qui se maquillaient elles-mêmes et apportaient leur touche personnelle à leurs looks sur le plateau. "Que ce soit pour des raisons éthiques comme pour des questions purement artistiques, il nous semblait indispensable à mon producteur Nelson Ghrénassia et à moi, de confier ces rôles aux premiers concernés. C’est un enjeu de représentations ; il me paraissait important que la communauté drag puisse participer à raconter ses propres histoires", affirme le réalisateur. Cela ne se limite pas au casting, certains membres de l'équipe technique font aussi partie de la communauté drag. Au total, 40 artistes de la scène drag française ont participé au film. Gouëlou lui-même s'est réservé un caméo en drag, sous les traits de son alter ego Javel Habibi, qui encourage Baptiste à poursuivre la photo lors de la demi-finale.

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The Victim est le tout premier film britannique où le mot "Homosexualité" est employé; une révolution à l'époque. En Grande-Bretagne, la peine de mort fut appliquée pour liaisons homosexuelles jusqu'en 1836, puis à partir de 1861, ce "crime" était passible de dix ans de prison dans la très prude période victorienne. Le plus célèbre des condamnés, Oscar Wilde, en fit les frais. Il a fallu attendre 1967 pour que le Sexual Offences Act voit le jour, dépénalisant une relation homosexuelle entre hommes âgés de plus de 21 ans. Encore que cette loi excluait ceux qui exercaient une profession dans la marine marchande et l'armée. Cette loi ne s'appliquait qu'en Grande-Bretagne et dans le Pays de Galle. L'Ecosse attendra 1980 et l'Irlande du Nord 1982 pour l'appliquer. En 2000, le Sexual Offences Amendment Act a rabaissé l'âge à 16 ans.

Face à la nature sulfureuse du sujet, surtout en 1961, de nombreux acteurs ont tout simplement refusé de jouer dans le film. Jack Hawkins, James Mason puis Stewart Granger, dont l'homosexualité était notoirement connue, ont décliné le rôle de Melville Farr, avant que Dirk Bogarde ne l'accepte. Ce choix fut un risque terrible pour l'acteur, qui était lui-même homosexuel, dans la mesure où son public, qui adulait le personnage du docteur Simon Sparrow qu'il incarnait dans la comédie Doctor at Large en 1957, fut totalement déconcerté par le rôle.

Aux Etats-Unis, le film ne fut jamais projeté dans les gros circuits des salles de cinéma. la carrière du film fut de facto condamnée. La toute puissante Production Code Administration (PCA) refusa d'accorder une classification au film. La plupart des salles de projections n'auraient de toute façon pas osé projeter un film n'ayant pas reçu le sceau de la PCA.

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Personnage principal bi-sexuel

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Haim Tabakman explique le tabou que représente l'homosexualité dans une société juive orthodoxe : "Avoir des relations sexuelles avec une personne du même sexe, c'est une chose. Mais dans le monde orthodoxe, il faut savoir que l'homosexualité n'existe pas. Elle n'est pas reconnue comme étant une possibilité. Tu n'aimeras point est donc en quelque sorte un film de science-fiction. (...) Dans le Talmud il est écrit que les fils d'Israël ne sont pas soupçonnés de dormir avec d'autres hommes (...) cela ne fait pas partie de l'essence de l'homme tel que le judaïsme le conçoit. Il n'y a pas de discussion possible. Il n'y a pas de place pour ce type d'orientation sexuelle, point. Vivre à l'intérieur d'une communauté juive orthodoxe, c'est être dans un cadre très strict. Partout, même dans le cinéma, on a besoin d'un cadre pour faire sens. Dans la vie de cette communauté, ils ont besoin de règles précises qui établissent les limites et le sens de la vie. (...) Et cela explique pourquoi c'est un sujet si douloureux et tellement problématique."

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Imitation Game s’appuie sur la biographie de Alan Turing, écrite par Andrew Hodges, pour raconter le rôle important qu’a joué le mathématicien durant la Seconde Guerre mondiale. Ses recherches sur la cryptographie ont permis de déchiffrer plusieurs messages ennemis ce qui, selon plusieurs historiens, aurait accéléré la chute du nazisme. Le film s’attache aussi aux persécutions qu’il a endurées pour son homosexualité, dans la période d’après-guerre.

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Une homosexualité jamais dite et refoulée dans un milieu d'hyper virilité.

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À l’origine, le personnage de Chris était un homme de 32 ans. Le scénario a été retravaillé pour être adapté à son interprète, Bex Taylor-Klaus, qui est une personne trans non-binaire : « J’ai discuté avec Roger Michell puis lui ai envoyé un SMS pour le remercier sincèrement de m’offrir ce que je voyais comme une formidable opportunité. En effet, parmi tous les films que j’ai pu voir à l’adolescence, jamais encore je n’avais vu quelqu’un comme moi à l’écran. Grâce à Blackbird, je vais pouvoir représenter les personnes libres de leur sexualité pour la jeune génération ».