Top films 1927

Annotation :

Suite de https://www.senscritique.com/liste/Cinephilie_obsessionnelle_2020/2574828/page-27
S'il reprend certains codes du cinéma russe en termes de montage, avec de nombreuses séquences arborant une fréquence de plans à rendre épileptique un Eisenstein, il fait également preuve d'un avant-gardisme sidérant sur de nombreux autres tableaux. Difficile d'établir une hiérarchie... Mobilité incroyable de la caméra avec l'invention avant l'heure de la steadycam (on est en 1927 bon sang, l'année de "Metropolis" !), lui permettant de filmer avec un dynamisme renversant des batailles de boules de neige à l'école militaire comme des embardées à cheval sur un terrain militaire ou à la campagne. Triptyque panoramique à l'aide d'un dispositif non moins avant-gardiste conférant aux 20 dernières minutes consacrées à la campagne d'Italie un parfum de climax dionysiaque, une orgie visuelle qui varie les plans, les tons, les filtres et les rythmes pour un bouquet final anthologique. Mais aussi la reprise de la technique française plus classique, avec une utilisation à la fois appuyée et sporadique de surimpressions et de symbolismes (qui feront revenir les fantômes de la Révolution aux yeux de Napoléon, alors seul à la Convention : Danton fulminant, Robespierre derrière ses lunettes noires, Marat et Saint-Just). Et que dire du siège de Toulon... Seule la partie consacrée aux sentiments, lorsque Napoléon fait la cour à Joséphine, sont un peu faiblards : on ne sent pas Gance tout à fait à l'aise dans ce romantique-là. Bien moins que le romantisme du grand général contemplant l'horizon seul depuis la côte corse en tous cas.

Et dire que Gance souhaitait poursuivre cette épopée, au-delà de ce qui était censé constituer seulement le premier volet d'un monument en six épisodes...

Annotation :

Suite de https://www.senscritique.com/liste/cinephilie_obsessionnelle_2023/3370377?page=19

Il faut le voir exprimer en secret son amour pour Nanon, sa satisfaction de voir Malabar rejeté initialement par cette dernière, son charisme étrange et presque maléfique lorsqu'il retire son corset pour la première fois, et enfin son visage en décomposition passant de la joie à l'effroi lorsqu'il apprend que les deux projettent de se marier (alors qu'il pensait qu'il était l'heureux élu). Et pour finir, impossible de ne pas mentionner le plan machiavélique pour se débarrasser de son rival, autre manifestation d'un scénario tordu : un numéro de cirque consiste à placer Malabar au centre de la scène, tirant sur deux chevaux de part et d'autre à l'aide de cordes, donnant l'impression qu'il retient les bêtes au galop par la force de ses biceps — le subterfuge étant que les animaux galopent sur des tapis roulants afin de ne pas réellement se déplacer et écarteler l'artiste. Alonzo va essayer d'arrêter lesdits tapis roulants dans le but d'arracher les bras de Malabar.

On retrouve ici cette mise en scène des corps si particulière, caractéristique pour ne pas dire constitutive du cinéma de Browning (on peut songer aux méfaits des trois freaks dans "The Unholy Three" dont l'un des trois, atteint de nanisme, se fait passer pour un poupon pour mieux infiltrer les riches demeures). Dans le cadre de ce milieu forain extravagant et de ces péripéties pour le moins scabreuses, on peut dire que le sens moral commun est bien malmené : difficile de situer la norme dans cet univers. Et le charme d'un film comme "The Unknown" tient aussi beaucoup à la poésie de l'épouvante que Browning réussit à extraire de toutes ces difformités, en confrontant tous les personnages à des destins atroces et à une monstruosité presque banalisée. L'association entre la délicatesse d'une jeune Joan Crawford et la nervosité d'un Lon Chaney restera un sommet de cruauté.

Annotation :

Suite de https://www.senscritique.com/liste/Cinephilie_obsessionnelle_2019/2299251/page-13

Ceci étant dit, cette symphonie orchestrée dans les rues de Berlin, après la catastrophe de la fin de la Première Guerre mondiale et avant la crise boursière de 1929 voire l'avènement du nazisme, dispose de sérieux atouts. 5 actes découpent 5 temps dans la journée-type de la capitale, de l'aube au crépuscule, au fil des différentes activités des différents corps de métier. Le montage digne des cinéastes de propagande soviétique de l'époque enflamme la pellicule et concentre l'action dans quelques séquences particulièrement mouvementées, insufflant une vitalité incroyable à l'ensemble. Le sens du rythme est vraiment fascinant de maîtrise, avec les temps forts agréablement pondérés par des temps plus calmes, et avec cette armée de machines et de métal qui envahit régulièrement l'écran. Le sens de la mise en scène, aussi, se dessine au détour de quelques scènes qu'on imagine au moins légèrement scénarisée, à l'image de l'altercation de deux passants dans la rue. Le "ciné-oeil" est déjà là. Walter Ruttmann se fait parfois un peu répétitif ou du moins insistant dans l'utilisation de l'analogie, en dressant des parallèles de manière quelque peu abusive voire dénués de sens (la classe aisée qui prend son repas comme le lion dévore sa carcasse, par exemple).

En 5 temps, Ruttmann fait le tour de la ville en passant par les trains et leurs réseaux de chemins de fer, par les hauts fourneaux et les usines qui dépeignent l'activité industrielle, par tous les habitants qui s'activent au lever du jour en direction du bureau ou pour ouvrir les vitrines, par les rues qui s'emplissent progressivement, et par les activités de loisir de fin de journée avant que les activités nocturnes n'envahissent le champ. Déjà, au détour de quelques séquences, l'opulence des uns et la pauvreté des autres formaient un contraste binaire que le cinéma s'empressait de capturer.

Annotation :

Suite de https://www.senscritique.com/liste/Cinephilie_obsessionnelle_2021/2910508/page-28

Dans ces conditions j'ai du mal à me concentrer sur la technique, même si quelques passages marquent : travelling arrière lorsque les sœurs se chamaillent dans la rue, travelling vertical en montant les étages, et cette fameuse mise en scène des taxis de la Marne notamment. Charles Farrel a vraiment une prestance massive qui confère à son personnage un aplomb assez incroyable, qui parviendrait presque à cacher la morale américaine envahissante qui domine le tout. Intéressant tout de même de voir cette variation mélodramatique si l'on se place du point de vue de Janet Gaynor qui jouait la même année chez Murnau pour "Sunrise: A Song of Two Humans". En tout état de cause, ce genre de miracle-là ne me touche pas du tout, empêtré dans une forme de niaiserie indigeste.