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Forman expose avec toute la grandiloquence et le fatalisme que cela nécessite l'impuissance d'un personnage studieux et standard comme Salieri face à l'immense puissance créatrice de Mozart. Il y a dans ce constat autant de tragique que de comique, et le film joue sur cette ligne de crête en parfait équilibriste. Comme l'a dit Forman sembel-t-il en entretien, le personnage principal est plutôt Salieri car c'est lui qui permet de cristalliser une part d'indicible, c'est lui la passerelle entre le monde du commun des mortel et celui des prodiges comme Mozart. Une grande partie du film est d'ailleurs basée sur sa découverte horrifiée du génie, vécu presque comme un scandale tant cela entre en conflit avec son enseignement religieux qui lui assurait une égalité devant dieu. Il se fait un peu le relai du spectateur, impuissant devant une telle manifestation de supériorité.


A relire :
La composition du Requiem, où Salieri assiste un Mozart alité et livide, à bout de souffle mais transi de musique, entérine cette dynamique, superposant in extremis à la figure rigide du duel celle, plus troublante, du duo. Sur cette crête infime séparant l’admiration de la haine, la complicité de la trahison, le personnage trouve son infernal point d’équilibre, et le film sa beauté la plus secrète, troquant son ironie mordante et virtuose pour une émotion sincère et profonde.

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C'est une expérience un peu particulière de regarder "Garbo Talks" aujourd'hui : à l'époque du film, les deux actrices étaient vivantes, l'une mourante, l'autre vieillissante. Greta Garbo s'était retirée du cinéma et de la vie publique depuis 1941 et jusqu'à sa mort qui devait survenir en 1990, à New York, 6 ans après la sortie du film. Anne Bancroft, elle, décèdera 15 ans plus tard en 2005. Il n'y a plus en 2024 la même urgence vitale qu'il y a 40 ans, mais cela n'empêche pas le film de se charger d'une vraie puissance mélancolique, accentuée par divers facteurs — la transmission entre mère et fils déclenchée par cette recherche soudaine, l'hommage cinéphile rendu par Lumet au travers de cette femme qui semblait ne vivre qu'à travers un filtre cinématographique, les différents personnages secondaires émouvants qui expriment une certaine forme de tendresse teintée de lassitude... En tous cas, la complicité ponctuelle tissée à la toute fin, sur fond de mondes en cours de disparition (celui de Garbo, celui de Bancroft) et d'imaginaires cultivés par les souvenirs de cinéma, conserve une part d'éloquence poignante.

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Heureusement, au-delà d'une certaine teneur moralisatrice ou caricaturale, quelques magnifiques moments jalonnent "Le Pays où rêvent les fourmis vertes". Des aborigènes assis dans un rayon de supermarché pour "rêver leurs enfants afin qu'ils puissent naître" à l'endroit où se trouvait le seul arbre de la région (et dont le gérant saura tirer profit). L'intervention du personnage surnommé "The Mute", ainsi prénommé car il est le dernier représentant de sa tribu, et à ce titre le seul capable de s'exprimer dans sa langue, le rendant muet aux oreilles des autres (l'existence de soi par l'existence aux yeux des autres, à travers la communication : on revient au cas de Fini Straubinger dans "Le Pays de silence et d’obscurité"). Les saillies du personnage de Miliritbi : "Les hommes blancs, vous êtes perdus. Trop de questions stupides. Vous ne comprenez rien à la Terre. Votre présence sur cette Terre touchera à sa fin. Vous n’avez aucun sens, aucun but, aucune direction." Et cet enfant aborigène, presque nu sur la terre, perdu au milieu des étendues désertiques parsemées de monticules issus de l'exploitation minière, écoutant un événement sportif en langue espagnole : l'avatar de l'échange stérile englué dans l'incompréhension.

+ parvenir à faire sentir la simplicité de croyances ancestrales

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Sans surprise, l'approche est fondamentalement divergente puisqu'elle met en exergue la tristesse d'une femme qui apprend la mort de son mari envoyé au front, un an après les faits, et qui se réfugie dans un déni total. D'abord pour épargner le choc à sa famille, notamment au père du défunt, affaibli dans son grand âge, mais c'est un mensonge qui va progressivement envahir son quotidien, au point où elle cherchera à s'en convaincre elle-même, comme si le piège d'une mythomanie semi-thérapeutique se refermait sur elle. Et c'est ici qu'il faut saluer l'interprétation de Lê Vân, équivalent vietnamien de la puissance mélodramatique féminine chez Ayako Wakao, portant sur ses épaules l'essentiel de la charge. Pas l'ombre d'un vietcong dans "Quand viendra le mois d'octobre" : tout se passe au sein d'un microcosme reculé, à l'abri de la guerre mais pas de ses conséquences. Le drame se nouera autour d'un pacte passé entre la protagoniste et un instituteur du village, à qui elle confiera la tâche d'écrire de fausses lettres en provenance du front pour rassurer la famille du disparu. Il y a une certaine maladresse dans ce film qu'on pourrait qualifier d'auteur, les moyens ne pouvant pas rivaliser avec ceux des incontournables, et elle se traduit surtout dans les seconds rôles (pas toujours très à l'aise) et dans la captation du son (mini-épreuve potentielle pour filtrer un bruit de fond léger mais persistant). Cela n'empêche en rien le film de développer une toile très émouvante autour de la tristesse et de la douleur des anonymes, dont le quotidien paraît structuré par la mort — même lorsqu'ils l'ignorent. Entre l'incapacité de Zuyên, la veuve, à accepter la mort de son mari, et les rumeurs déplacées qui naissent du rapprochement avec l'instituteur (une complicité interprétée comme une infidélité par les villageois), la pudeur de ce drame et la profondeur de son regard poétique en font un complément incontournable de la catégorie "films sur la guerre du Vietnam".