Une année, un film

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Le bijou de la saga Star-Wars.
S'il y a bien un film qui m'a fait tombé de mon siège à son premier visionnage c'est bien celui-ci! Aujourd'hui c'est clair que les 41 ans se font sentir au niveau de l'interaction des personnages et des dialogues un peu kitch ou enfantins ,c'est selon. Malgré tout une fraicheur et une jubilation sont prégnantes. Autre force c'est un film unique en tant que telle contrairement aux autres films de la saga qui sont des suites. Enfin, c'est un film dynamique, énergique au rythme haletant qui se démarque du coup des trois films de la prélogie (mise à part les 30 premières minutes de la revanche des Siths). Aujourd'hui tout le business autour de star wars me fatigue et je comprends que ça rebute beaucoup de gens. Faut savoir qu'à l'époque star wars malgré son succès paraissait être un film indépendant tellement il était différent des autres et touchait tous les ados emerveillés de visionner un truc aussi cool et réaliste! Nous avons tous rêvé devant l'aéroglisseur de Luke, le sabre-laser, le faucon millénium, les ailes rétractable du x-wing, de la première scène du destroyer de l'empire qui défile inexorablement à l'écran et même de l'habit oriental de Luke voir de son blouson jaune à la fin du film! quand chez soi il n'y a ni ordinateur, ni internet, ni telephone portable, imaginez la claque!
La photographie est incroyable ( on est loin du orange dessin animé de l'attaque des clones!) inspiré par 2001 l'odyssé de l'espace ( film surcôté enfin c'est un autre débat). Malgré les maquettes, le réalisme est bluffant. Dommage que dans la version bluray Lucas ait transformé le personnage loup garou en lezard à beret avec une paille(!!?) dans la cantina, et qu'il ait enlevé le premier tir de HAN SOLO contre GREEDO. En revanche il a bien fait d'améliorer les vaisseaux lors de l'attaque de l'étoile de la mort. Certaines traductions laissent à désirer le CHICTABA , CHICO, LE MILLENIUM CONDOR, D2-R2... Quand je l'ai revisionné longtemps après ( ça devait être un an avant la sortie de la menace fantôme) en VHS, j'ai eu envie de chialer quand OBI WAN dit à LUKE de faire confiance à la force avant qu'il tire les torpilles à proton dans la bouche d'égout de l'étoile de la mort ! Quelle émotion ! Comme la madeleine de Proust , mon enfance remontait à la surface en pleine gueule! Au final un film où tout devient possible, où l'univers est infini … C'est clairement le film de la saga à voir.C'est la meilleure bataille spatiale de tous les films

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le matin du dernier jour de leur vie qui leur appartiendra avant le Vietnam.
Voyage au bout de l'enfer de Michael Cimino est un film de trois heures en trois mouvements majeurs. C'est une progression d'un mariage à un enterrement. C'est l'histoire d'un groupe d'amis. C'est le récit de la façon dont la guerre au Vietnam est entrée dans plusieurs vies et les a terriblement modifiées à jamais. Ce n'est pas un film anti-guerre. Ce n'est pas un film pro-guerre. C'est l'un des films les plus émouvants jamais réalisés. Cela commence avec des hommes au travail, dans le four des aciéries d'une ville quelque part en Pennsylvanie. Le klaxon retentit, le service est terminé, les hommes descendent la route vers un saloon pour une bière. Ils chantent "I Love You Bay-bee" avec le juke-box. C'est encore le matin du dernier jour de leur vie qui leur appartiendra avant le Vietnam.

Le film prend son temps avec ces scènes d'ouverture, avec l'aciérie et le saloon et surtout avec le mariage et la fête à l'American Legion Hall. Il est important non seulement que nous connaissions les personnages, mais que nous nous sentions absorbés par leur vie ; que les rituels et les rythmes du mariage ressemblent à plus que de simples détails ethniques.

Le mouvement d'ouverture s'attarde ; c'est comme la célébration du mariage dans " Le Parrain ", mais célébrée par des gens qui travaillent dur et qui sont venus manger, danser et boire beaucoup et souhaiter bonne chance aux jeunes mariés et dire au revoir aux trois jeunes hommes qui se sont enrôlés dans l'armée. La fête dure assez longtemps pour que tout le monde puisse se saouler, puis les jeunes mariés partent et le reste des amis monte dans les montagnes pour abattre des cerfs. Il y a un discours à la Hemingway sur ce que signifie tirer sur un cerf : Nous en sommes encore à un point où tirer sur quelque chose est censé signifier quelque chose.

Puis le Vietnam occupe l'écran, tout à coup, avec un mur de bruit, et le deuxième mouvement du film est sur les expériences que trois des amis ( Robert De Niro , John Savage et Christopher Walken ) y ont. Au centre du film se trouve l'une des séquences les plus horribles jamais créées dans la fiction, alors que les trois sont faits prisonniers et forcés de jouer à la roulette russe pendant que leurs ravisseurs parient sur qui va ou non se faire sauter la cervelle.

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Exposé fou du cœur des ténèbres
De l'extraordinaire camée de Marlon Brando au photojournaliste fou de Dennis Hopper, la coupe épique "définitive" de Coppola de son brillant film de guerre de 1979 triomphe en réaffirmant l'inhumanité de l'empire.
"Un jour cette guerre va se terminer », est le sage commentaire du lieutenant-colonel Kilgore, passionné de surf et passionné de Wagner, interprété avec brusquerie par Robert Duvall. En fait, lorsque le grandiose chef-d'œuvre épique de Francis Ford Coppola , Apocalypse Now, a été dévoilé pour la première fois en 1979, la guerre du Vietnam n'était terminée que quatre ans auparavant, et la guerre qui a suivi entre le Vietnam et le Cambodge (où se déroule le point culminant du film) battait son plein. .

Le bad trip de Coppola en Asie du Sud-Est a été co-écrit par John Milius avec une narration écrite par Michael Herr . Il a été inspiré par le roman Heart of Darkness de Joseph Conrad , le propre reportage-mémoire de Herr sur le Vietnam Dispatcheset peut-être un peu plus loin par les lignes de Rudyard Kipling sur les États-Unis qui assument le fardeau impérial de l'homme blanc. Ce fut notoirement une épreuve pour toutes les personnes concernées. La production impliquait une expédition de tournage aux Philippines qui semblait à peine moins colossale et traumatisante pour les participants que la guerre proprement dite, bien qu'il soit devenu courant au Vietnam d'Hollywood que l'angoisse des soldats américains, et non celle du peuple vietnamien lui-même, soit considérée comme important. (Les Vietnamiens se rapprochent le plus de l'importance réelle dans Apocalypse Now, ce sont les quatre officiers du renseignement sud-vietnamiens, exécutés par le colonel Kurtz en tant qu'espions communistes, dont nous voyons brièvement les cartes d'identité.) Comme Lawrence d'Arabie, d'ailleurs, c'est un film sans femmes. – ou la plupart du temps.

Maintenant, Apocalypse Now a refait surface pour son 40e anniversaire dans ce que Coppola appelle sa coupe finale définitive. Fait intéressant, cela ne signifie pas simplement inclure tout ce qu'il a tourné. Il a supprimé certaines des séquences "Playmate" qui figuraient dans son édition "Redux" de 202 minutes de 2001, mais cette coupe conserve la scène prolongée du "dîner" avec des planteurs français dans la jungle, comme une rencontre avec des fantômes impériaux en colère.

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La pierre Angulaire de Star Wars
Toute la dramaturgie , le suspens et l'histoire de la famille skywalker sont présents dans ce film.
Il a gagné en maturité ce qu'il a perdu en fraicheur mais les effets spéciaux sont encore mieux maitrisé et la musique est aussi belle qu'un nouvel espoir. Après la gaieté space opéra du film original, celui-ci plonge dans l'obscurité voire le désespoir, et s'abandonne plus complètement au mystère sous-jacent de l'histoire. C'est à cause des émotions suscitées dans `` Empire '' que toute la série prend une qualité mythique . C'est le cœur.

Le film a été réalisé en 1980 en sachant parfaitement que `` Star Wars '' était devenu le film le plus réussi de tous les temps. Si des coins ont été coupés dans le budget du premier film, aucun coût n'a été épargné dans celui-ci : c'est une extravagance visuelle du début à la fin, l'un des plus visionnaires et inventifs de tous les films.

En dehors de l'histoire et de l'intrigue, le film vaut le détour simplement pour ses vues. Pas pour les scènes de bataille spatiale, qui sont plus ou moins standard (il n'y a rien ici pour égaler la course-poursuite à travers les hauts murs de l'Étoile de la Mort). Mais pour des sites tels que les marcheurs impériaux ressemblant à des éléphants (une arme n'a-t-elle jamais été plus pratique ?). Ou pour la cite des nuages , sur sa flèche haute dans le ciel. Ou pour le visage d'une créature nommée Yoda, dont les expressions sont aussi convaincantes que celles d'un humain, et aussi subtiles. Ou pour les hauteurs vertigineuses sur lesquelles Luke Skywalker se balance, après avoir failli plonger jusqu'à sa mort.

Il y a une générosité dans la conception de la production de "L'Empire contre-attaque". Il n'y a pas seulement des vues incroyables devant nous, mais beaucoup plus dans les coins de l'écran, ou partout où la caméra tourne. Le monde entier de cette histoire a été conçu et construit de telle manière que nous ne sommes pas particulièrement conscients des décors ou des effets - il y a tellement * beaucoup * de ce monde que tout semble homogène. Considérez, par exemple, une première scène où un `` droïde sonde '' de l'Empire se fait tirer dessus sur la planète de glace Hoth. Ça explose. Nous avons vu cela bien des fois. Mais ensuite, des morceaux chauds pleuvent sur la neige au premier plan, en plops doux et humides. C'est le genre de détail pour lequel George Lucas et son équipe vivent.

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Hallucinogène!
La séquence de l'accident photographié et enregistré et proprement hallucinant! La fin? Hallucinogène!

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j'ai compris pourquoi j'avais tant aimé Ghost In The Shell au cinéma!
Véritablement pionnier du film de science -fiction, Blade runner en assumes tous les codes. Cette enquête dans l'univers sombre (il pleut en permanence) d'une ville futuriste est paradoxalement d'un réalisme à toute épreuve. Encore aujourd'hui , le film n' a pris une ride et les thèmes de la robotique et des humanoïde bioniques non plus d'ailleurs. Ridley Scott rassuré par le succès d'Alien peut maintenant viser une ambiance plus universelle et finalement plus radicale tout en questionnant notre humanité en proposant une vision de la société du futur ( que reprendra Ghost In The Shell). Mais il ne faut pas oublier ll'importance souvent occultée de la trame de l'enquête policière qui est le véritable ciment de ce film. Harisson Ford portes le film sur ses épaules haut la main ( pour moi son meilleur rôle au cinéma) et fait montre d'une justesse rare. Les effets spéciaux n'ont vraiment pas viellis et apporte au film un univers cyberpunk vraiment appréciable. Ridley Scott n'aurait-il pas réalisé le premier film Cyberpunk de l'histoire? Du grand art en tout cas ou les quelques longueurs nous font vivre un peu plus dans cet univers unique transcendé par un twist à la fin , faisant passer encore un peu plus ce film dans une dimension supérieure.

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la faible estime de soi, les chimères et une incapacité chronique à être heureux.
Ce qui est intéressant, c'est la façon dont Tony Montana reste dans la mémoire, prenant les dimensions d'une vraie personne torturée. La plupart des thrillers utilisent des personnages interchangeables, et la plupart des films de gangsters s'intéressent plus à l'action qu'à la personnalité, mais "Scarface" est l'un de ces films spéciaux, comme " Le Parrain ", qui est prêt à prendre un homme mauvais et imparfait et à lui permettre d'être Humain. Ce n'est peut-être pas un hasard si Montana est joué par Al Pacino , le même acteur qui a joué Michael Corleone.
Montana est un punk de Cuba. La scène d'ouverture du film nous informe que lorsque les réfugiés cubains ont été autorisés à venir en Amérique en 1981, Fidel Castro a eu sa propre petite vengeance privée - et a nettoyé ses cellules de prison, nous envoyant des criminels avec ses masses fatiguées et entassées. Nous voyons Montana essayer de bluffer lors d'un interrogatoire par des agents fédéraux américains, et c'est essentiellement ce qu'il fera pendant tout le film : bluffer. Il n'a pas de vrai caractère et pas de vrai courage, bien que pendant un court instant la cocaïne lui donne l'illusion des deux.

"Scarface" tire son titre du film Howard Hawks de 1932 , inspiré de la carrière d'Al Capone. Ce film Hawks était le film de gangsters le plus violent de son temps, et ce film de 1983 de Brian DePalma a également été entouré d'une controverse sur sa violence, mais dans les deux films, la violence découle de la vie des personnages ; il n'est pas utilisé pour des sensations fortes mais pour une sorte de leçon déchirante sur l'autodestruction. Les deux films parlent de l'ascension et de la chute d'un gangster, et ils font tous deux une grande partie de l'obsession névrotique du héros pour sa sœur, mais le "Scarface" de 1983 n'est pas un remake, et il doit plus à "Le Parrain" qu'à Hawks .

C'est parce qu'il voit si clairement son criminel comme une personne ayant un produit populaire à vendre, travaillant dans une société qui veut acheter. Autrefois, c'était de l'alcool. Pour les Corleone, c'était le jeu et la prostitution. Maintenant c'est de la cocaïne. Le message pour le marchand reste le même : seul un imbécile devient accro à ses propres marchandises.

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Une fresque romantique pertinente de l'amérique comme un héritage.
Véritable fresque de 3h50, ce film est unique en son genre. L'amour, la haine , la paix, la violence, l'humanité, la déchéance, le sublime, le médiocre tout y passe! Le temps est dilatté et malgré sa longueur, on ne s'ennuie jamais. La photographie est magnifique. Robert de Niro campe peut-être son meilleur rôle au cinéma ( en tout cas , celui que je préfère). Ce film réussi le tour de force d'être différent du Parrain et des autres films de gangster grâce à la vision unique qu'il offre de l'amérique bien loin de tout manichéisme ( le bien et le mal s'enchevêtre et parcourt tous les personnages). Enfin , ce dernier film réussi de Sergio Léone, a pris la valeur de testament tellement il se bonifie avec l'âge. Nous suivons la vie d'un personnage de 60 ans d'âge qui a tout raté , ce qui fait qu'il incapable de la moindre remise en question , ce qui le perdra au final, étant donné qu'il prendra toutes les mauvaises décisions qui soit comme violer la seule femme qu'il aime dans une scène marquante , voir à la fin le regard de droguè perdu à jamais dans l'infini.

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Palme à 'efficacité! Le bijou intemporel!
Palme à 'efficacité! Et c'est un compliment. Chaque seconde de ce film tends à l'évolution de l'histoire et ce n'est pas une mince affaire! Ajoutez-y des personnages attachants, des dialogues géniaux , une doloréane et un concert de rock (annonçant 5 ans à l'avance le grunge)et c'est l'apothéose! C'est un bijou qui fourmille de mille et un détails qui s'imbriquent les uns aux autres, le spectateur est flatté de tant de qualité d'écriture qui le plonge dans la réflexion pour comprendre tous les tenants et les aboutissants de ce voyage temporel. Marty est le héros que chaque adolescent voudrait être, Doc est l'ami que chacun voudrait avoir. Le matérialisme des années 80 friqué ne saurait remettre en question la culture profonde des Etats-Unis notamment les nostalgiques 50's qui en est l'age d'or. Les années REGAN ne sont pas si rose si on compare ces deux époques ( plus de personnes sans abris, plus de poubelles dans les rues , plus de pollution, les terroristes lybiens, le commerce des armes, etc...) ce qui met à mal l'idée surannée que le matérialisme et l'argent apportent plus de bonheur , de paix et de prospérité. Cela est encore plus approfondi dans le deuxième volet de la saga.